どの国へ行っても、路上でパフォーマンスをして人を惹きつけられる人は、それだけでプロとして認められる実力があります。

マイクや音響に頼らなくても、声や身体そのものの力で観客を引き込めるのです。歌やせりふを通じて人に伝わるというのは、それほどまでに強いエネルギーがあるということです。

音響を使えば、高い音も出しやすく、ビブラートも簡単にかけられますが、それはあくまで機械的な補助です。芸人や声優のように、生の身体で表現する仕事では、身体がそのまま楽器になります。

どれだけ音響加工技術が発達しても、舞台で求められるのは、生きている生身からの声のひびきです。マイクを通さずとも楽に大勢に伝わるくらいに声を鍛えておくことが、表現者としての信頼につながるのです。

大きく異なる点は、マイクに頼らない発声をまず重視することです。

マイクを通して整えた音ではなく、生の声でどこまで届くかを鍛えています。

YouTuberやVtuberのように加工された音声が主流になっている現代でこそ、あえて「生の声」で勝負できる力が求められます。

テクノロジーでの補正によって、誰でもきれいな音をつくることができます。しかし、実際のステージで観客を惹きつけるのは、やはり本人の声そのものです。

ヘッドフォンをつけたのではわからない、身体のひびきや声の圧が、本当の意味での声での表現につながります。

ヴォーカルの世界でも同じことがいえます。正確に音を取れても、感動を与えられなければプロとは言えません。聞く人が「この人の歌をお金を払ってでも聞きたい」と思うような力を持つ必要があります。

芸人にとっても同じで、ネタやコントのなかで人の心を動かす表現ができるかどうかが重要です。

だからこそ、歌を学ぶことは、単なる趣味ではなく、芸の一部として取り入れるべきなのです。

歌や声を通して、自分の内側の感情や熱量を表現できるようになると、コントや漫才のなかでもしぜんに説得力が増していきます。

人の心を動かす声には、技術だけではなく、その人の人生や想いがひびいているのです。

声の力は、どのようなネタやパフォーマンスでも欠かせない要素です。

お笑いでも、脚本や構成の巧みさだけでなく、声が通る、ひびく、存在感があるという点が大きな違いを生みます。

テレビの仕事が中心になると、どうしても声の使い方が弱くなりがちですが、ステージでは声のエネルギーがそのまま観客に伝わります。これは、歌とまったく同じです。

声をどう使うかによって、伝わり方も感動の深さも変わるのです。

うまいと言われている人でも、実際のステージに立つと力を発揮できないことがあります。

カラオケの点数が高くても、観客を動かす力とは違います。

最終的には、技術よりも“伝わる声”を持てるかどうかが勝負になるのです。

声のトレーニングのプログラムのなかに歌を取り入れるのもひとつの方法です。

歌を通して声を鍛え、表現力を磨くことは、芸人や役者にとっても有効です。

芸人を見ていると、声のある人は強いと感じます。

違うネタをやっても通用するのは、声に力がある人です。

いくら脚本や構成がすぐれていても、声の存在感がなければ伝わりません。

声は、作品表現の土台であり、個性を支える根幹です。

そのため、歌を通しても声を鍛え、ステージでの表現力を高めることは、将来に直結する大切な要素だといえます。

オペラのような舞台では、感情の高ぶりを堂々と声で表現します。

役者の場合は三年ほどの基礎訓練の後に、声よりも内面の表現力が重要になってきます。

そのためには、声を通して自分の呼吸法や身体の使い方を理解することがとても大切です。

十年経っても呼吸や発声に課題が残る人も多く、改善を重ねていくなかで本当の意味での表現力が育ちます。

プロのヴォーカリストでも、発声の基礎が不充分なまま歌っている人は少なくありません。しっかりと声を保ち、身体と呼吸を一体化させることが、長く表現を続けるための鍵になります。

声の衰えを感じるなら、基礎からやり直すことが大切です。

芸人や声優でも、歌を取り入れることが普通になってきています。

歌が得意であれば、そこから表現の幅を広げることができます。上のレベルをめざす人にとって、歌を学ぶことは、欠かせないし、確実にプラスになります。

歌は、自分の調子や声の状態を最もわかりやすく確認できる手段です。せりふを使った芝居では、声の強さやひびきだけでなく、感情の動きも重要になります。

役者は、三年ほどトレーニングを積むと、声自体の力がつき、役になりきれるかどうかが問われるようになります。その段階になると、単に声を出すことよりも、表現としての深さが求められます。

たとえば、死にそうな声を出す練習をするより、その感情になりきる方が、しぜんで効果的なのです。

ミュージカルなどをめざす人は、最初から明確な目的を持ってトレーニングに臨んでいます。自分がめざす舞台のレベルと、現在の実力との間にあるギャップを把握した上で、その差を埋めるためのプログラムを組み立てます。そのため、何をどのように練習すべきかがほぼ明確です。歌やダンスについては、その練習もわかりやすいでしょう。

舞台では、自分たちで作品をつくり、構成や表現方法を模索していくため、完成形が見えていないことが多いのです。だからこそ、発声や声の基礎を身につけておくことが重要です。

身体づくりや呼吸法は、筋トレやライブ制作と同じで、後から身につけようとしても難しいからです。早い段階から基礎を固めておくことで、後の表現力に大きな差が出てきます。

芸人や声優の養成所などでは、発音やせりふの掛け合いの練習が中心になることが多いです。

発声そのものに時間をかける機会は、さほど、とられていないのです。声は、もうその人がもっているものと考えられているからでしょう。

ネタを覚えて表現することが優先されるため、声を根本的につくるような時間がないのです。

そのため、ある程度、続けていくうちに声を壊してしまう人、うまく伸ばせない人が出てきます。

発声の基本は同じでも、使い方は人によって異なります。

自分の身体の特徴に合わせた声の出し方を探すことが必要です。試行錯誤のなかで、自分に合ったヴォイスコントロールを見つけていくことが、最終的に表現の幅を広げることにつながります。

声優や芸人の世界では、発声よりも発音を重視するようになりました。テレビの影響もありました。滑舌やせりふの間の取り方など中心に練習されていたのです。

しかし、そこでアナウンサーやナレーターのような勉強が普及すると大きな声を出せることが評価されるようになり、発声のあり方が変化してきました。

声としては、言葉の最後までしっかりと聞こえるようにすることが重要視されるのです。

プロの声を持つ人は、単に声量があるというだけではなく、どんな状況でもしぜんにひびかせる技術を持っています。声優や舞台俳優も、長年、続けていくうちに声の使い方が変わり、笑い声ひとつにも深みが出てきます。

こうした変化を理解するには、テクニックだけではなく、身体全体を使った発声法を身につける必要があります。

声を出すことに、あまり意識を向けない人が多いのですが、声は大切です。

たとえば、武道の稽古をしている人たちは、身体の使い方がまったく違います。それと似ています。

タクシーの運転手さんのような職業でも、声の通りがよいと、お客さんもわかりやすく安心します。

普通の人にも、発声の仕方がしぜんに身についている方がいます。そうした人たちは、日常のなかで声をうまく鍛えているのです。

芸人も同じで、声の出し方ひとつで印象が大きく変わります。声をきちんと出せる人と無理をするとすぐ喉を壊しそうにしてしまう人とでは、その後の成長に大きな差が出てきます。

声の使い方を理解することが、長く活動を続けていく上での基礎になるのです。

人間の声は、感情が高まるとともに音域も高くなるのが、しぜんです。テンションが上がると声が上ずり、高音域で表現しようとします。しかし、そのときに音色を保つことが重要です。

私の声も低く聞こえるかもしれませんが、実際には太くひびいているのです。これは音色の問題です。

オペラ歌手や熟練したヴォーカリストは、高音に上がっても音が細くならず、同質の声を保ちます。彼らは声の芯を保ち、どの音域でもひびかせる訓練を積んでいるのです。

このような技術は生まれつきの才能ではなく、時間をかけて磨いていくものです。

音色を保つというのは、単に大きな声を出すことではなく、全身の支えを使ってひびきを安定させることを意味します。