Cinema dos Estados Unidos (Hollywood)  | |
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.jpg) OLetreiro de Hollywood nasHollywood Hills, muitas vezes considerado o símbolo da indústria cinematográfica americana | |
| Núm. de telões | 40,393 (2017)[1] |
| • Per capita | 14 a cada 100,000 (2017)[1] |
| Principais distribuidores | |
| Longas-metragens produzidos (2016)[2] | |
| Ficcional | 646 (98.5%) |
| Animado | 10 (1.5%) |
| Número de ingressos (2017)[4] | |
| Total | 1,239,742,550 |
| • Per capita | 3.9 (2010)[3] |
| Bilheteira bruta (2017)[4] | |
| Total | $11.1 bilhão |
| Este artigo é parte dasérie sobre a |
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Ocinema dosEstados Unidos, muitas vezes chamado metonimamente deHollywood, teve um grande efeito naindústria cinematográfica em geral desde o início doséculo XX. O estilo dominante do cinema americano é ocinema clássico de Hollywood, que se desenvolveu de1917 a1960 e caracteriza a maioria dos filmes feitos até hoje. Enquanto os francesesAuguste e Louis Lumière são geralmente creditados com o nascimento do cinema moderno,[5] o cinema americano logo veio a ser uma força dominante na indústria como surgiu. Produz o maior número total de filmes de qualquer cinema nacional de língua única, com mais de 700 filmes em inglês lançados em média todos os anos.[6] Apesar dos cinemas nacionais doReino Unido (299),Canadá (206),Austrália eNova Zelândia também produzirem filmes na mesma língua, eles não são considerados parte do sistema deHollywood. Hollywood também foi considerado um cinema transnacional. A Hollywood clássica produziu versões em vários idiomas de alguns títulos, muitas vezes em espanhol ou francês. Atualmente há a produção contemporânea de offshores de Hollywood para o Canadá, Austrália e Nova Zelândia.
Hollywood é considerada a mais antiga indústria de filmes, por ter sido aonde surgiram os primeiros estúdios de cinema e empresas de produção cinematográfica, ele também é o berço de vários gêneros do cinema, entre os quais acomédia, odrama, aação, omusical, oromance, ohorror e aficção científica, tem sido um exemplo para outras indústrias cinematográficas nacionais.
Em1878,Eadweard Muybridge demonstrou o poder da fotografia para capturar movimento. Em1894, a primeira exposição cinematográfica comercial do mundo foi dada emNova York, usando ocinetoscópio deThomas Edison. OsEstados Unidos produziram o primeiro filme musical de som sincronizado do mundo,The Jazz Singer, em1927,[7] e estavam na vanguarda do desenvolvimento de filmes sonoros nas décadas seguintes. Desde o início do século XX que a indústria cinematográfica dos EUA tem sido amplamente baseada em torno da zona de 30 milhas em torno deHollywood,Los Angeles naCalifórnia.Cidadão Kane deOrson Welles (1941) é frequentemente citado em críticos como o maior filme de todos os tempos.[8]
Hoje, os estúdios de cinema norte-americanos geram coletivamente centenas de filmes todos os anos, tornando os Estados Unidos um dos produtores de filmes mais prolíficos do mundo e um dos pioneiros emengenharia etecnologia decinema.
A primeira instância registrada de fotografias capturando e reproduzindo movimentos foi uma série de fotografias de umcavalo correndo porEadweard Muybridge, que ele tirou emPalo Alto,Califórnia, usando um conjunto de câmeras fotográficas colocadas em fila. As realizações de Muybridge levaram os inventores de todos os lugares a tentar criar dispositivos semelhantes. Nos Estados Unidos,Thomas Edison foi um dos primeiros a produzir um aparelho desse tipo, ocinetoscópio.
Ahistória do cinema nosEstados Unidos pode traçar suas raízes até aCosta Leste, onde, ao mesmo tempo,Fort Lee,Nova Jersey, era a capital do cinema americano. A indústria começou no final doséculo XIX com a construção de "Black Maria", deThomas Edison, o primeiro estúdio de cinema emWest Orange,Nova Jersey. As cidades e vilas norio Hudson e Hudson Palisades ofereceram terra a um custo consideravelmente menor do que a cidade deNova York do outro lado do rio e se beneficiaram enormemente como resultado do crescimento fenomenal da indústria cinematográfica na virada do século XX.[9]
A indústria começou a atrair capital e uma força de trabalho inovadora, e quando aKalem Company começou a usarFort Lee em1907 como local de filmagem na área, outros cineastas rapidamente seguiram. Em1909, um precursor daUniversal Studios, a Champion Film Company, construiu o primeiro estúdio. Outros rapidamente seguiram e construíram novos estúdios ou arrendaram instalações em Fort Lee. Nos anos 1910 e 1920, empresas cinematográficas como aIndependent Moving Pictures Company, a Peerless Studios, aSolax Company, a Éclair Studios, a Goldwyn Picture Corporation e a American Méliès (Star Films), a World Film Company, a Biograph Studios, aFox Film Corporation, a Pathé Frères, aMetro Pictures Corporation, aVictor Film Company e a Selznick Pictures Corporation estavam fazendo fotos em Fort Lee. Notáveis atrizes comoMary Pickford começaram na Biograph Studios.[10][11]
EmNova York, o Kaufman Astoria Studios, noQueens, foi construído durante a era docinema mudo, foi usado pelosirmãos Marx eWC Fields. OsEdison Studios estavam localizados noBronx.
No início de 1910, o diretorDW Griffith foi enviado pelaBiograph Company para acosta oeste com sua tropa de atores, composta pelos atores Blanche Sweet,Lillian Gish,Mary Pickford,Lionel Barrymore e outros. Eles começaram a filmar em um terreno baldio perto da Georgia Street, no centro deLos Angeles. Enquanto esteve lá, a empresa decidiu explorar novos territórios, viajando várias milhas ao norte deHollywood, uma pequena vila que era amigável e gostava da companhia cinematográfica que estava filmando lá. Griffith, em seguida, filmou o primeiro filme já filmado emHollywood,na antigaCalifórnia, ummelodrama biográfico sobre a Califórnia noséculo XIX, quando pertencia aoMéxico. Griffith ficou lá por meses e fez vários filmes antes de voltar paraNova York. Depois de ouvir sobre o sucesso de Griffith em Hollywood, em1913, muitos cineastas se dirigiram para o oeste para evitar as taxas impostas porThomas Edison, que possuía patentes no processo de criação de filmes. Nestor Studios deBayonne,Nova Jersey, construiu o primeiro estúdio em Hollywood em1911. Nestor Studios, de propriedade de David e William Horsley, mais tarde se fundiu com aUniversal Studios; e a outra empresa de William Horsley, Hollywood Film Laboratory, é hoje a mais antiga empresa existente em Hollywood, agora chamada de Hollywood Digital Laboratory. O clima mais hospitaleiro e rentável daCalifórnia levou à eventual mudança de praticamente todo o cinema para a costa oeste dos anos1930. Na época,Thomas Edison possuía quase todas as patentes relevantes para a produção cinematográfica e os produtores de filmes da Costa Leste agindo independentemente daMotion Picture Patents Company de Edison eram frequentemente processados ou intimados por Edison e seus agentes, enquanto cineastas trabalhando na Costa Oeste podiam trabalhar independentemente do controle de Edison.[12]
EmLos Angeles, os estúdios e Hollywood cresceram. Antes daPrimeira Guerra Mundial, os filmes eram feitos em várias cidades dos Estados Unidos, mas os cineastas tendiam a gravitar em direção ao sul da Califórnia enquanto a indústria se desenvolvia. Eles foram atraídos pelo clima quente e pela luz solar confiável, o que tornou possível filmar filmes ao ar livre o ano todo e pelo cenário variado que estava disponível. Existem vários pontos de partida para o cinema (particularmente o cinema americano), mas foi o controverso épico de 1915 de Griffith,Birth of a Nation, que foi pioneiro no vocabulário mundial das filmagens que ainda domina o celuloide até hoje.
No início doséculo XX, quando o meio era novo, muitos imigrantes judeus encontravam emprego na indústria cinematográfica dos EUA. Eles foram capazes de deixar sua marca em um negócio totalmente novo: a exibição de curtas-metragens em teatros chamados nickelodeons, após o preço de admissão de um níquel (cinco centavos). Em poucos anos, homens ambiciosos comoSamuel Goldwyn,William Fox,Carl Laemmle,Adolph Zukor,Louis B. Mayer eWarner Brothers (Harry, Albert, Samuel e Jack) mudaram para o lado de produção do negócio. Logo eles eram os cabeças de um novo tipo de empresa: o estúdio de cinema (Os EUA tinham pelo menos uma diretora, produtora e chefe de estúdio nesses anos: a diretora francesaAlice Guy-Blaché.) Eles também prepararam o cenário para ointernacionalismo da indústria.
Outros cineastas chegaram daEuropa após aPrimeira Guerra Mundial: diretores comoErnst Lubitsch,Alfred Hitchcock,Fritz Lang eJean Renoir; e atores comoRudolph Valentino,Marlene Dietrich,Ronald Colman eCharles Boyer. Eles se juntaram a uma oferta local de atores, atraídos para o oeste da cidade deNova York após a introdução de filmes sonoros, para formar uma das indústrias de crescimento mais notáveis doséculo XX. No auge da popularidade dos filmes em meados da década de 1940, os estúdios estavam produzindo um total de cerca de 400 filmes por ano, vistos por um público de 90 milhões de americanos por semana.[13]
Além disso, atores estrangeiros desempregados, dramaturgos e vencedores dos concursos de fotogenia foram escolhidos e levados paraHollywood, onde gravaram versões paralelas dos filmes em inglês. Essas versões paralelas tinham um orçamento menor, eram filmadas à noite e eram dirigidas por diretores americanos de segunda linha que não falavam a língua estrangeira. As equipes de língua espanhola incluíam pessoas comoLuis Buñuel,Enrique Jardiel Poncela,Xavier Cugat e Edgar Neville. As produções não tiveram muito sucesso nos mercados pretendidos, devido às seguintes razões:
O cinema clássico deHollywood é definido como um estilo técnico e narrativo característico do cinema de1917 a1960. Durante aEra de Ouro de Hollywood, que durou do fim da era silenciosa do cinema americano no final dos anos 1920 até o início dos anos 1960, milhares de filmes foram emitidos a partir dos estúdios de Hollywood. O início da Idade de Ouro foi indiscutivelmente quandoThe Jazz Singer foi lançado em 1927, encerrando a era do cinema mudo e aumentando os lucros de bilheteria para filmes, à medida que o som era introduzido nos filmes de longa-metragem.
A maioria das fotos de Hollywood aderiram de perto a uma fórmula ocidental decomédia,musicais,desenhos animado,filme biográfico (imagem biográfica) e as mesmas equipes criativas, muitas vezes trabalhou em filmes feitos pelo mesmo estúdio. Por exemplo,Cedric Gibbons eHerbert Stothart sempre trabalharam em filmes daMGM,Alfred Newman trabalhou na20th Century Fox por vinte anos, os filmes deCecil B. DeMille foram quase todos feitos naParamount, e os filmes do diretorHenry King foram feitos principalmente para a20th Century Fox.Por exemplo,To Have and Have Not (1944) é famoso não só pelo primeiro par de atoresHumphrey Bogart (1899-1957) eLauren Bacall (1924-2014), mas também por ter sido escrito por dois futuros vencedores doPrêmio Nobel:Ernest Hemingway (1899-1961), o autor do romance em que o roteiro foi nominalmente baseado, eWilliam Faulkner (1897-1962), que trabalhou na adaptação da tela.
Depois queThe Jazz Singer foi lançado em 1927, aWarner Bros. obteve grande sucesso e pôde adquirir seu próprio repertório de cinemas, depois de comprar os Stanley Theatres e First National Productions em 1928. AMGM também era dona da Loews de teatros desde que se formou, e aFox Film Corporation também possuía as cordas da Fox Theatre. Além disso, aRKO (uma fusão de 1928 entre a Keith-Orpheum Theatres e aRadio Corporation of America[14]) respondeu ao monopólio daWestern Electric/ ERPI sobre o som em filmes e desenvolveu seu próprio método, conhecido comoPhotophone, para colocar som em filmes.[13]
AParamount, que já adquiriu Balaban e Katz em 1926, responderia ao sucesso daWarner Bros. e daRKO, e compraria uma série de teatros no final da década de 1920, e deteria o monopólio dos cinemas emDetroit,Michigan. Na década de 1930, quase todos os teatros metropolitanos de primeira geração nos Estados Unidos eram de propriedade dos estúdiosBig Five,MGM,Paramount Pictures,RKO,Warner Bros e20th Century Fox[15].
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Em1938,Snow White e Seven Dwarfs, deWalt Disney, foi lançado durante uma série de filmes sem brilho dos grandes estúdios e rapidamente se tornou o filme de maior bilheteria lançado até aquele momento. Embaraçosamente para os estúdios, foi um filme de animação produzido de forma independente que não apresentava nenhuma estrela empregada em estúdio.[16]
Oprocurador-geral assistente Thurman Arnold, um conhecido "trust buster" do governoRoosevelt, aproveitou a oportunidade para iniciar um processo contra os oito maiores estúdios de Hollywood emjulho de1938 por violações daLei Sherman Anti-Trust.[17] O processo federal resultou em cinco dos oito estúdios (os "Big Five":Warner Bros,MGM,Fox,RKO eParamount) chegando a um acordo com Arnold em outubro de 1940 e assinando um decreto de consentimento concordando em, dentro de três anos:
ASuprema Corte acabou determinando que a propriedade dos grandes estúdios de cinemas e distribuição de filmes era uma violação doSherman Antitrust Act. Como resultado, os estúdios começaram a liberar atores e técnicos de seus contratos com os estúdios. Isso mudou o paradigma da produção cinematográfica pelos grandes estúdios de Hollywood, já que cada um poderia ter um elenco e uma equipe criativa totalmente diferentes.
Ver artigo principal:Nova Hollywood
Cinema pós-clássico é o termo usado para descrever os métodos de mudança de narrativa naNova Hollywood. Argumentou-se que novas abordagens de dramatização e caracterização se baseavam nas expectativas da audiência adquiridas no período clássico: a cronologia pode ser embaralhada, os enredos podem apresentar " finais torcidos ", e as linhas entre o antagonista e o protagonista podem ficar embaçadas. As raízes da narrativa pós-clássica podem ser vistas nos filmes;Rebel Without a Cause (1955), e noPsycho deHitchcock. 1959, marca a estreia dePlan 9 from Outer Space, clássico docinema "trash" e, considerado o "pior filme já feito".[20] O cineastaEd Wood, diretor do longa, é considerado o "pior diretor da história".[20]
ANova Hollywood descreve o surgimento de uma nova geração de diretores formados em escolas de cinema que absorveram as técnicas desenvolvidas naEuropa na década de 1960; O filmeBonnie and Clyde, de 1967, marcou o início do cinema norte-americano, uma vez que uma nova geração de filmes ganharia sucessos nas bilheterias.[21] Cineastas comoFrancis Ford Coppola,Steven Spielberg,George Lucas,Brian De Palma,Stanley Kubrick,Martin Scorsese,Roman Polanski eWilliam Friedkin vieram para produzir a tarifa que homenageou a história do cinema e desenvolveu-se sobre os gêneros e técnicas existentes. Inaugurado pela liberação de 1969,Blue Movie deAndy Warhol, o fenômeno de filmes eróticos adultos sendo discutido publicamente por celebridades (comoJohnny Carson eBob Hope),[22] e levada a sério pelos críticos (comoRoger Ebert), um desenvolvimento referido por Ralph Blumenthal, doThe New York Times, como "chique porno" e mais tarde conhecido como a Era de Ouro do Pornô, começou, pela primeira vez, na cultura americana moderna.[23] De acordo com o premiado autorToni Bentley, o filme de Radley Metzger de 1976,A Abertura de Misty Beethoven, baseado na peçaPigmalião de George Bernard Shaw (e seu derivado,My Fair Lady), e devido a atingir um nível alto no enredo e conjuntos, é considerada a "jóia da coroa" desta " Idade de Ouro".[24]
Na década de 1970, os filmes dos cineastas da Nova Hollywood eram frequentemente aclamados pela crítica e tinham sucesso comercial. Enquanto os primeiros filmes de New Hollywood comoBonnie e Clyde eEasy Rider eram de baixo orçamento com heróis amorais e aumento de sexualidade e violência, o enorme sucesso desfrutado por Friedkin comO Exorcista, Spielberg comJaws, Coppola comO Poderoso Chefão eApocalypse Now, Scorsese comTaxi Driver, Kubrick com2001: Uma Odisséia no Espaço, Polanski comChinatown, e Lucas comAmerican Graffiti eStar Wars, respectivamente ajudaram a dar origem ao "blockbuster " moderno, e induziu os estúdios a se concentrar cada vez mais na tentativa de produzir hits enormes.[25]
Os cineastas da década de1990 tiveram acesso a inovações tecnológicas, políticas e econômicas que não estavam disponíveis nas décadas anteriores.Dick Tracy (1990) tornou-se o primeiro longa-metragem de 35 mm com uma trilha sonora digital.Batman Returns (1992) foi o primeiro filme a usar o som estéreo de seis canaisDolby Digital, que desde então se tornou o padrão da indústria. Computação gráfica ou computação gráfica avançaram a um ponto em queJurassic Park foi capaz de usar as técnicas para criar animais de aparência realista.The Phantom Menance (1999) tornou-se o primeiro filme que será filmado inteiramente em digital.
Até mesmo oBlair Witch Project (1999), um filme deterror independente de baixo orçamento de Eduardo Sanchez e Daniel Myrick, foi um enorme sucesso financeiro. Filmado em um orçamento de apenas US$ 35 000, sem grandes estrelas ou efeitos especiais, o filme arrecadou US$ 248 milhões com o uso de modernas técnicas de marketing e promoção online. Embora não seja da escala doprequel de US$ 1 bilhão deGeorge Lucas para aTrilogiaStar Wars,The Blair Witch Project ganhou a distinção de ser o filme mais lucrativo de todos os tempos, em termos de porcentagem bruta.
O sucesso deBlair Witch como um projeto indie permanece entre as poucas exceções, no entanto, eo controle dos estúdios The Big Five sobre o cinema, continuou a aumentar nos anos 90. As seis grandes empresas desfrutaram de um período de expansão nos anos 90. Cada um deles desenvolveu maneiras diferentes de se ajustar ao aumento dos custos na indústria cinematográfica, especialmente o aumento dos salários de estrelas de cinema, impulsionado por agentes poderosos. As maiores estrelas comoSylvester Stallone,Tom Cruise,Arnold Schwarzenegger,Mel Gibson eJulia Roberts receberam entre US$ 15 e US$ 20 milhões por filme e, em alguns casos, receberam até uma parte dos lucros do filme.
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Asmulheres são estatisticamente sub-representadas em posições criativas no centro daindústria cinematográfica dos EUA,Hollywood. Esta sub-representação tem sido chamada de "Celluloid ceiling". Em2013, os atores mais bem pagos ganharam duas vezes e meia mais dinheiro do que asatrizes mais bem pagas".[26]
O Relatório do Celluloid ceiling de2013 conduzido pelo Centro para o Estudo de Mulheres em Televisão e Cinema naSan Diego State University reuniu uma lista de estatísticas coletadas de "2 813 pessoas empregadas pelos 250 principais filmes de arrecadação doméstica de 2012.":
As mulheres representavam...
Um artigo doNew York Times afirmou que apenas 15% dos principais filmes em2013 tinham mulheres como protagonistas.[27] O autor do estudo observou que "A porcentagem de papéis que falam mulheres não aumentou muito desde a década de 1940, quando eles giravam em torno de 25% a 28%". "Desde 1998, a representação das mulheres nos papéis de bastidores, além da direção, subiu apenas 1%. As mulheres dirigiram o mesmo percentual dos 250 filmes de maior bilheteria em2012 (9%) do que em 1998.".[26]
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