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Ilcinema artistico è quello realizzato per la ricerca di valoriartistici edestetici.[1] Solitamente, i film d'arte si focalizzano sull'espressività dell'autore, i pensieri e i desideri dei personaggi, hanno contenuti fortementesimbolici e sono di caratteresperimentale. Solitamente, i film di questo tipo sonoindipendenti e rivolti a unmercato di nicchia.[2][3]
I precursori del cinema d'autore e artistico sono il film mutoL'Inferno (1911) diFrancesco Bertolini,Giuseppe De Liguoro eAdolfo Padovan eIntolerance (1916) diDavid Wark Griffith. Anche le pellicole del russoSergei Eisenstein, che esercitarono un'importante influenza su diverse generazioni di registi europei per decenni,[4][5][6] vengono annoverate fra gli antecedenti del cinema d'arte. Una di queste,La corazzata Potëmkin (1925), è unfilm di propaganda ambientato durante larivoluzione russa del 1905 in cui viene fatto uso di un innovativomontaggio serrato mirato a colpire emotivamente lo spettatore.[7] Grazie al consenso positivo unanime ricevuto dalla critica, il governo sovietico commissionò a EisensteinOttobre (1928) per celebrare il decimo anniversario dellarivoluzione d'ottobre del 1917. Nel 1929, Eisenstein diresse ancheLa linea generale.
I film d'arte subirono anche l'influsso del cinema d'avanguardia spagnolo diLuis Buñuel eSalvador Dalí, che realizzaronoL'âge d'or nel 1930, e del cinema diJean Cocteau, il cuiLe sang d'un poète del 1930 fa un largo uso di immagini oniriche. Neglianni 1920, le società cinematografiche iniziarono a sostenere l'idea che i film potessero essere suddivisi in "cinema di intrattenimento diretto verso un pubblico di massa e uno d'arte più serio e rivolto a un pubblico intellettuale".Alfred Hitchcock eIvor Montagu costituirono una società cinematografica in Inghilterra e importarono oltremanica dei film, da loro definiti "risultati artistici", comprendenti dei "film sovietici di montaggio dialettico e pellicoleespressioniste tedesche degli studi della Universum Film AG".[4]
Il movimento franceseCinéma pur operò fra gli anni venti e trenta e contribuì agli sviluppi del cinema d'arte. Questa corrente comprendeva diversi rinomati artistidada che usarono le tecniche cinematografiche per trascendere le convenzioni narrative, le tradizioni di stampo borghese e le nozioniaristoteliche convenzionali di tempo e spazio. IlCinéma pur era stato a sua volta influenzato da registi tedeschi "assoluti" comeHans Richter,Walter Ruttmann eViking Eggeling. Richter affermò che il suo film del 1921Rhythmus 21 fosse il primo filmastratto mai creato. Sebbene la sua affermazione si fosse rivelata errata in quanto era stato preceduto daifuturisti italianiBruno Corra eArnaldo Ginna tra il 1911 e il 1912 (come conferma ad esempio il Manifesto futurista del cinema),[8][9] così come dal tedescoWalter Ruttmann, che produsseLichtspiel Opus 1 nel 1920,Rhythmus 21 viene considerato un importante tassello del cinema astratto.
Fra glianni trenta equaranta, il cinema diHollywood iniziò a distinguere il mercato di film che mettono in auge le aspirazioni artistiche dei loro autori (come ad esempioIl traditore del 1935 diJohn Ford eLungo viaggio di ritorno del 1940 diEugene O'Neill), e il cinema d'intrattenimento mirato al guadagno, che all'epoca comprendeva i thriller sui gangster. William Siska sostiene che filmneorealisti italiani realizzati a partire nella seconda metà degli anni quaranta, comeRoma città aperta (1945),Paisà (1946) eLadri di biciclette (1948) possano essere annoverati in un altro "movimento consapevole di film d'arte".[4]
Alla fine deglianni quaranta, con l'emersione deicinema d'essai in varie grandi città e cittadine universitarie statunitensi, il pubblico americano iniziò a distinguere le produzioni hollywoodiane da quelle dei neorealisti italiani e altre pellicole europee di matrice "artistica". Dopo laseconda guerra mondiale, "... un pubblico sempre più grande iniziò a stancarsi dei film tradizionali di Hollywood", e iniziò a frequentare i nuovi cinema per vedere delle "alternative ai film che trasmettevano nelle principali sale cinematografiche".[10] I film proiettati in questi cinema d'arte includevano "film americani, britannici, di lingua straniera e indipendenti, nonché documentari e revival di classici di Hollywood". Film comeWhisky a volontà (1949) diAlexander Mackendrick,Scarpette rosse (1948) diMichael Powell edEmeric Pressburger e il già citatoRoma città aperta diRossellini iniziarono a interessare il pubblico americano dell'epoca.[10]
Alla fine deglianni cinquanta, i cineasti francesi iniziarono a produrre film influenzati dal neorealismo italiano[9] e dalcinema narrativo classico[9] e scaturì uno stile di cinema d'arte che i critici chiamaronoNouvelle Vague. Sebbene esso non fosse un movimento organizzato formalmente, i cineasti dellaNouvelle Vague erano legati da un autocosciente rifiuto della forma cinematografica classica e da uno spirito diiconoclastia giovanile.[11] Nonostante gli sconvolgimenti sociali e politici dell'epoca, questi registi proseguirono la loro attività proponendo pellicole in cui venivano sperimentate forme radicali di montaggio, stile visivo, narrazione e segnando una rottura con il paradigma conservatore dominante. Alcuni dei pionieri più importanti del gruppo, tra cuiFrançois Truffaut,Jean-Luc Godard,Éric Rohmer,Claude Chabrol eJacques Rivette, erano originariamente critici della rivista cinematograficaCahiers du cinéma. Secondo i membri dellaNouvelle Vague, il regista doveva essere considerato l '"autore" dei suoi film, e il suo stile riconoscibile in ogni sua opera.
Il concetto di "film artistico" iniziò ad essere usato negli USA e, in misura molto minore, anche in Europa solo durante glianni sessanta. Negli Stati Uniti, il termine aveva molteplici significati e poteva indicare i film "d'autore" in lingua non inglese, quelli indipendenti o sperimentali, idocumentari e icortometraggi o, più negativamente, fungeva daeufemismo rivolto aifilm di serie B italiani e francesi. Invece, neglianni 1970, il termine si riferiva al cinema europeo dai contenuti sessuali espliciti come, ad esempio,Io sono curiosa (1967) dello svedeseVilgot Sjöman. Oggi, invece, il termine viene usato oltreoceano per riferirsi, più o meno vagamente, a produzioni realizzate da artisti americani moderni, fra cuiBlue Movie (1969) diAndy Warhol,[12] ai film d'autore o sperimentali, le pellicole diAlfred Hitchcock degli anni sessanta, e quelle proiettate nei cinema d'essai.
Fra glianni ottanta enovanta, dal momento che il cinema indipendente e quello artistico condividono molti aspetti in comune, i due termini divennero sinonimi, almeno negli USA. Furono aperte industrie cinematografiche di settore come laMiramax Films e diverse aziende importanti aprirono delle sottosezioni specializzate nella realizzazione di film destinati a un pubblico di settore come laFox Searchlight Pictures, laFocus Features, laSony Pictures Classics e laParamount Vantage.
Nel 2007,Camille Paglia asserì che "con la sola eccezione della serieIl Padrino diFrancis Ford Coppola, con i suoi rapidi flashback e il grintosorealismo sociale, (non c'è) un singolo film prodotto negli ultimi 35 anni che sia probabilmente di peso o virtuosismo filosofico pari aIl settimo sigillo oPersona diBergman". Paglia afferma anche che i giovani degli anni duemila "non riescono a essere abbastanza pazienti di fronte alla lentezza in cui erano un tempo specializzati i registi europei", approccio grazie al quale potevano "controllare le più piccole espressioni facciali o la gelida folata di vento in una stanza sterile con grande eleganza".[13]
Secondo il regista, produttore e distributoreRoger Corman, "dopo gli anni cinquanta e sessanta, i film artistici smisero di esercitare una significativa influenza nel mondo del cinema. Hollywood assorbì e incorporò totalmente la lezione dei film europei". Corman affermò inoltre che "gli spettatori potevano vedere qualcosa dell'essenza del cinema d'arte europeo nei film di Hollywood degli anni settanta ... (di conseguenza), il film d'arte, che non era mai solo una questione di cinema europeo, divenne sempre più un fenomeno mondiale — Questo sebbene abbia dovuto lottare per ottenere un ampio riconoscimento". Egli aggiunse anche che "Hollywood stessa ampliò radicalmente la sua gamma estetica (...) perché il vasto numero di soggetti a portata di mano si ampliò al punto da includere le condizioni stesse della creazione di immagini, della produzione cinematografica, della nuova e prismatica esperienza mediata dai moderni mezzi di comunicazione. C'è un nuovo pubblico che ha imparato a conoscere i film d'arte nelle videoteche. (...) esiste effettivamente la possibilità di una rinascita (del film d'arte negli Stati Uniti)".[14]
Gli studiosi dicritica cinematografica efilmologia sostengono che un film d'arte sia contrassegnato da "qualità formali" che lo renderebbero differente dai film di Hollywood.[10] Fra gli elementi distintivi di un film d'arte vi sono il marcato realismo sociale, la forte espressività da parte del regista e un'analisi approfondita dei pensieri, i sogni o le esigenze dei personaggi, che va a discapito di una trama lineare. Lo studioso di cinemaDavid Bordwell definisce il cinema d'arte "un genere cinematografico, con convenzioni distinte".[15]
I produttori di film d'arte di solito presentano i loro film nei cinema d'essai e infestival cinematografici. Il termine "film artistico" è molto più usato nei paesi anglosassoni rispetto all'Europa continentale, dove sono preferiti i concetti "film d'autore" e "cinema nazionale". Dal momento che sono rivolti a un pubblico di nicchia, i film d'arte raramente acquisiscono il sostegno finanziario che consentirebbe grandi budget di produzione come quelli che ottengono iblockbuster. I registi di film artistici sono pertanto costretti a selezionare attori poco noti o amatoriali e scenografie modeste.
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