Bruce Nauman (Fort Wayne,6 dicembre1941) è unfotografo,scultore,videoartista eartista concettualestatunitense.
Oltre aimedia citati, Nauman si è espresso artisticamente tramiteperformance art, disegno, installazioni luminose, e altre forme d'espressione.
Studia matematica e fisica all'Università del Wisconsin-Madison e arte all'Università della California, Davis. La formazione scientifica si rivela fondamentale nel suo approccio analitico allo studio del linguaggio e delle sue potenzialità. Altrettanto rilevante è lo studio della filosofia, in particolare la lettura del filosofo austriacoWittgenstein. Lo studio delle dottrine linguistiche si riflette nelle sue opere al neon comeRaw War (1970) oRun From Fear-Fun From Rear (1972)[1], così come in tante altre, tutte contraddistinte da un'ironia sprezzante.[2]
Sin da giovane coltiva l'hobby per la musica imparando a suonare basso e chitarra. Questa passione lo porta ad approfondire la teoria musicale rimanendo affascinato dalla figura diArnold Schönberg. Dopo le prime sperimentazioni in pittura, dal 1965 inizia a dedicarsi alla scultura e a sondare le potenzialità del corpo umano, attraverso laperformance art, e del linguaggio mediante l'uso dei neon. Sono note le collaborazioni cinematografiche con i registi sperimentaliWilliam Allan e Robert Nelson, che lo portano a concepire alcune delle sue maggiori performance come veri e propri film, comeArt Make-Up, del 1968.
Al 1966 risale la prima mostra personale a Los Angeles, presso la Nicholas Wilder Gallery. Nel 1968 avvia una lunga e proficua collaborazione con la galleria d'arte diLeo Castelli aNew York e la Konrad Fischer diDüsseldorf. Nello stesso anno partecipa aDocumenta 4 aKassel. Nel 1970 partecipa alla decima edizione della Biennale diTokyo.
Nel 1972, ilLos Angeles County Museum of Art e il Whitney Museum of American Art organizzano la sua prima mostra in un museo, tra gli Stati Uniti e l'Europa. L'ampia risonanza da parte del pubblico lo porta a rallentare la produzione in favore di ricerche più mirate. Il testo diventa l'oggetto attorno a cui ruotano le nuove realizzazioni finalizzata ad evidenziare tematiche associate a disturbi psicologici e fisici. Questa riflessione sulla condizione umana è in parte influenzata dalla lettura diSamuel Beckett.
Nel 1980 si trasferisce nelNuovo Messico.
Si tratta di una serie di fotografie realizzate tra il 1966 e il 1967 e pubblicate nel 1970. Rappresentano una documentazione della vita dell'artista nel suo studio: appena laureato, vive grazie ai proventi dell'insegnamento e nel tempo libero a sua disposizione può dedicarsi alla sperimentazione. Inizia a fotografare gesti, situazioni ed attività quotidiane, che, pur nella loro banalità, diventano oggetto di indagine - riflessione e soggetto artistico.
Self-Portrait as a Fountain rientra in questa serie: è un autoritratto dell'artista, fotografato mentre imita, nella posa e nel getto d'acqua, una scultura decorativa caratteristica delle fontane monumentali. Unisce scultura e performance e diventa egli stesso opera d'arte.[3]
L'opera consiste in una placchetta di piombo con incise le parole del titolo e rappresenta una delle sue prime sperimentazioni nel campo dei giochi linguistici.
Art Make - Up: No.1 White, No.2 Pink, No.3 Green, No.4 Black del 1968, è un video composto da quattro scene di dieci minuti ciascuna. Nauman, a torso nudo, è inquadrato a mezzo busto. Immerge le dita nel trucco e lo spalma su viso e corpo fino ad esserne completamente coperto. La prima scena è dedicata al bianco, poi si passa al rosa, al verde e infine al nero, sovrapponendo ciascuno strato. Alla fine osserva il risultato del suo lavoro fissando l’obiettivo come fosse davanti ad uno specchio a dimostrazione di come l’artista possa diventare un’opera d’arte.[4] I video, secondo le intenzioni iniziali, dovevano essere riprodotti contemporaneamente sulle quattro pareti di una stanza, ma questo tipo di installazione non è mai stata realizzata per quest'opera. Questo metodo è sviluppato in film e video - installazioni successive.
Prendendo ispirazione dai cartelli pubblicitari di San Francisco, Nauman costruisce con il neon un testo circolare e utilizza come slogan le parole del titolo: "Il vero artista aiuta il mondo rivelando le verità mistiche". Si tratta di una riflessione pungente sul ruolo e il valore dell'arte, qui portata allo stesso livello di una qualsiasi pubblicità di vendita.
È un video dove Nauman si riprende mentre si lascia cadere all’indietro, ritmicamente, per quasi un’ora.
È una registrazione della sua voce mentre ripete le parole del titolo in modi diversi. L'opera esiste solo come suono.
In questa performance guida i movimenti del pubblico in spazi vincolanti e costrittivi, che costringendo i partecipanti a confrontarsi con i propri limiti mentali e fisici. Entrare in queste opere significa diventarne gli attori, ma non autori. Questo tema viene riproposto spesso come inCorridor Installation (1970) e inDouble Steel Cage Piece (1974).[5]
Nel 1967 realizza una fotografia in cui appare con le braccia legate da una corda dietro la schiena. L'espressione "bound to fail", che significa allo stesso tempolegato per fallire edestinato a fallire, introduce il tema del fallimento come punto di partenza per la creazione artistica. È dal fallimento che nasce la necessità di guardarsi attorno e trovare delle motivazioni per i suoi lavori.[6]
Perfomance proposta per la prima volta alla Biennale di Tokyo. Fornisce a due performer precise istruzioni circa l’allestimento e la messa in scena. I due protagonisti hanno le braccia tese sopra la testa e si tengono per mano; ruotano insieme sopra di un quadrato sezionato a raggiera. Non esistono riprese o fotogrammi a testimonianza dell’esecuzione, rimane solo il progetto. Nel 2009 viene messa in scena durante la mostraTopological Gardens per la cinquantatreesimaBiennale di Venezia grazie al contributo delPhiladelphia Museum of Art.[7]
Si tratta di neon piegati per assumere la forma delle parole Raw War. Le lettere sono programmate per illuminarsi in sequenza all'infinito. Il progetto originario risale al 1968: sono gli anni in cui l'America è impegnata nella guerra in Vietnam, gli anni delle contestazioni giovanili e studentesche, gli anni dell'affermazione dell'arte concettuale.[8]
L'opera è ispirata alle parole dipinte daEd Rusha nelle sue tele. GiàJoseph Kosuth aveva dimostrato come tubi di neon flessibili potessero essere modellati in modo da costituire parole.
La performance consiste in un elenco di istruzioni fornite dall'artista al pubblico. Lo spettatore appiattendosi contro un muro può sperimentare le sensazioni che gli derivano. Si tratta di un'indagine sia fisica che psicologica sulla consapevolezza del proprio corpo. Nel 2005 in occasione della performanceSeven Easy Pieces tenutasi alGuggenheim di New York ,Marina Abramović ripropone la performance.[9]
South American Triangle (1981)
È la prima della serie dedicata alle sculture politicheSedie Sospese. La sedia è il medium della tortura e in quanto tale diventa essa stessa vittima del supplizio. Le sedie sospese hanno lo scopo di denunciare i regimi totalitari. Nel 1981 il messaggio era indirizzato ai governi del Sud America e del Sudafrica.[10][11]
Quattro colonne di neon contenenti parole che mettono in relazione la vita e la morte mediante diverse azioni, emozioni e colori. La sequenza di luci e tonalità differenti rappresenta l'esperienza umana. Le frasi si accendono e si spengono in modo alternato e ripetitivo fino al culmine dell'illuminazione quando l’intero brano si accende creando una sinfonia visiva.[11]
Si tratta di una video-installazione in cui gli attori ripetono 25 strofe cambiando, di volta in volta, pronomi e verbi, espressione tonale e velocità, così da rapportarsi l'una all'altra in modi sempre nuovi.[12]
Cinque persone, ognuna in un ambiente diverso, vengono proiettate su degli schermi all'interno di una stanza, ognuno in una parete diversa. Gli attori ripetono strofe basate sulla variazione di verbi legati alla struttura della comunicazione (to talk, to listen). Come suggerisce il titolo dell'opera, il tema è incentrato sulla pace nel mondo. Secondo l'attore, se tutti noi parlassimo e ci ascoltassimo a vicenda potremmo capirci e risolvere gran parte dei conflitti raggiungendo pace. Tuttavia, persistendo nel voler far valere le proprie ragioni, spesso in modo egoistico, tutte le parole si accavallano creando un effetto caotico e disgregante.[13]
L'opera è un video in cui sono riprese scene di vita quotidiana dell'artista nella sua proprietàLas Madres Ranch in New Mexico.
Video in cui è registrata l'attività notturna del suo gatto e di alcuni topi all'interno del suo studio nell'estate del 2000.[14]
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