Le MoMA fait partie des musées d'art moderne les plus importants et les plus influents dans le monde[1]. La collection du MoMA offre un aperçu de l'art moderne et contemporain, principalementeuropéen etaméricain ; elle comprend plus de 200 000 oeuvres, desdessins,peintures,estampes,sculptures,photographies, des œuvres d'architecture et dedesign, des livres illustrés et livres d’artistes, des films et des médias électroniques[2].
La bibliothèque du MoMA comprend environ300 000 livres et catalogues d'expositions, plus de 1 000 titres de périodiques et plus de 40 000 fichiers éphémères sur des artistes ou des mouvements[3]. Les archives contiennent des sources primaires liées à l'histoire de l'art moderne et contemporain[4].
Au cours de son histoire, le musée a occupé successivement un espace de bureaux loué sur laCinquième avenue en novembre 1929 quelques jours après lekrach boursier ; en 1932 une maison de ville louée auxRockefeller ; en 1937 des locaux temporaires au rez-de-chaussée duRockefeller Center.
En 1939, un bâtiment conçu par les architectesmodernistes Philip L. Goodwin etEdward Durell Stone est construit au 11 West53e rue, son emplacement depuis cette date, pour le dixième anniversaire du musée[6],[9]. Il est conçu dans lestyle international[6], associant des idées de l'école duBauhaus et des techniques de construction en acier et en verre. Il contraste avec les immeubles voisins et marque aussi une rupture avec lestyle néoclassique ou avec les modèles de temple ou de palais, jusqu'alors retenus pour les institutions muséales: pas d'escalier monumental, pas de colonnes, pas de rotonde, etc[6]. C'est le premier exemple, dans le monde, d'application du style international à un musée[6].Ce bâtiment a connu des agrandissements signés par l'architectePhilip Johnson (membre du conseil d'administration) en 1951 et 1964. La reconfiguration duAbby Aldrich Rockefeller Sculpture Garden a également été signée par Philip Johnson en 1953[10]. En 1984, le musée est pourvue d'une extension parCesare Pelli et en 2004, une rénovation et adjonction majeure est réalisée sous la conduite deYoshio Taniguchi[11],[12],[13].
Au début des années 2010, le musée rachète le siège de l'American Folk Art Museum pour construire une nouvelle extension[14].
La dernière opération de rénovation et d'extension est menée par le cabinet d'architectesDiller Scofidio + Renfro ; la livraison est prévue après quatre mois de fermeture du musée du au[15].
Lestrustees,Abby Aldrich Rockefeller et deux de ses amies, Lillie P. Bliss et Mary Quinn Sullivan, avaient choisiAlfred Barr comme directeur, alors qu'il n'avait que vingt-sept ans, parce qu'il avait participé à un séminaire de Paul Sachs puis, en sa qualité de professeur auWellesley College, avait élaboré et donné un cours visionnaire sur l'art moderne, une première aux États-Unis[16].
Il avait été formé enhistoire de l'art àuniversité de Princeton et à celle d'Harvard. Par ailleurs, une visite auBauhaus en 1927 l'avait sensibilisé à une approche pluridisciplinaire, ouverte à de nombreuses pratiques artistiques[17], une approche novatrice pour l'époque.
Lors de la première exposition du MoMA en 1929, Alfred Barr explique ses choix et sa démarche pour ce musée d'art moderne[6]. Le projet initial de Barr inclut des départements consacrés à la peinture et à la sculpture, mais aussi au dessin, à la gravure, à la photographie, à latypographie, au design commercial et design industriel, à l'architecture (proposant une collection de projets et demaquettes), à lascénographie, aumobilier et auxarts décoratifs[6]. Une filmothèque, devait aussi être créée[6]. Pourtant leconseil d'administration, craignant que le public ne soit pas prêt à accepter ces nouvelles formes d'art, réduit sensiblement les extensions envisagées par Alfred Barr, de sorte que le texte final indique simplement :« À l'avenir, les collections du musée s'étendront au-delà de la peinture et de la sculpture pour inclure des départements dédiés au dessin, à la gravure et à d'autres secteurs de l'art moderne ».
Une autre difficulté est de le sens d'une collection permanente pour un musée d'art moderne. L'art considéré comme moderne n'a-t-il pas vocation à devenir un art ancien au fil des ans ? Alfred Barr imagine initialement une relation complémentaire entre la mission de ce nouveau musée dont il a la charge et celle duMetropolitan Museum of Art, faisant l'analogie avec la relation entre lemusée du Luxembourg et leLouvre à Paris qui, ensemble, donnaient au public la possibilité de voir l'art d'aujourd'hui et l'art du passé[6]. Il imagine le MoMA comme une institution toujours en mouvement, à l'image d'une torpille : le « nez » de la torpille représentant le présent, son corps l'art des cinquante dernières années et sa traîne le délestage au fil des ans des œuvres les plus anciennes de façon à ne conserver que l'essentiel[18]. Mais un tel système de transfert entre les collections du MoMA er celles du Met ne fonctionne que quelques années[6].
Le musée constitue sa collection au fil des décennies et souvent au fil des expositions par quatre générations de conservateurs aux sensibilités diverses, elles ont aussi été très largement enrichies de dons extérieurs émanant de collectionneurs dont l'apport est déterminant. Un des points de départ de la collection du MoMA est ainsi le legs de Lillie P. Bliss[6], une des fondatrices, qui se concrétise en 1934. Ainsi,les Baigneurs (1885) de Paul Cézanne, présenté lors de la première exposition le, est reçu grâce à ce legs de Lillie P. Bliss en 1934 et est l'un des premiers tableaux à entrer dans les collections du MoMA.House by the Rail Road (1925), une œuvre deEdward Hopper, fut elle aussi l'une des toutes premières œuvres à entrer dans les collections. Elle fut d'abord prêtée par son propriétaire Stephen C.Clark (héritier desmachines à coudre Singer qui entra au conseil d’administration du MoMA pour la deuxième exposition du musée,Paintings by Nineteen Living American artists en. Peu après la fin de l'exposition Stephen Clark offre, de façon anonyme, le tableau au musée. Ces donations sont essentielles pour le jeune musée car au début, sans fonds destinés aux achats, Barr doit compter sur la générosité des trustees et autres mécènes pour commencer à constituer la collection. Cependant, si le premier directeur était très reconnaissant des dons reçus, il brûlait de mettre en place une politique d'acquisition cohérente et contrôlée. « L'élaboration d'une collection ne peut pas être laissée au hasard », affirme-t-il.
En 1929, la date de 1880 correspondait au début d'une période de près de cinquante ans d'un esprit moderne que le musée se proposait de faire connaître au public new-yorkais.
La quasi-totalité des disciplines encore collectionnées aujourd'hui, la peinture et la sculpture, l'architecture et le design, le dessin et les estampes comme les livres d'artistes, le cinéma et la photographie font leur entrée dans les collections dès la première décennie de l'institution[20][source insuffisante].
Le MoMA est l'un des premiers musées d'art au monde à se doter, en 1940, d'un département spécifique consacré à la photographie, fondé parBeaumont Newhall[21][source insuffisante] ; cela contribue fortement à la reconnaissance de celle-ci comme un art à part entière et a eu une grande influence dans l'acceptation de la photographie par d'autres musées à travers le monde[22][source insuffisante].
Au sein d'une organisation administrative relativement stable, les objets collectionnés par les départements sont fort divers et leur définition en constante transformation, épousant, parfois avec un temps de retard, l'évolution des pratiques et des technologies[23][source insuffisante].
Par exemple, la collection des œuvres sur papier, d'abord circonscrite au seul dessin noir et blanc jusqu'aux années 1950, s'est ouverte, progressivement et tardivement, à d'autres pratiques, ducollage à la couleur, quand dans le même temps, les estampes s'ouvraient aux multiples et à l'affiche avec par exemple les œuvres dérivées deRonald Haeberle.
L'autonomisation, à la fin des années 1960, du dessin et de l'estampe, jusqu'alors du ressort du département de Peinture et de Sculpture, a lieu au moment où ces pratiques deviennent centrales pour les avant-gardes de la période.
L'architecture, longtemps limitée à la présentation de dessins, plans ou maquettes, s'est tournée depuis peu[Quand ?] de manière volontariste vers la photographie et l'image animée. De la même manière, le département de Photographie, dirigé de 1947 à 1962 parEdward Steichen, responsable de l'expositionThe Family of Man, n'a commencé que dans les années 1960 à prendre en compte dans ses collections des formes de photographie non artistique, notamment la pratiqueamateur.
Alors que le MoMA est souvent perçu[Par qui ?] comme le dépositaire d'un visionélitiste de l'art moderne (n'exposant que des artistes mondialement connus), laculture populaire a pourtant été prise en compte tôt[Quand ?] par nombre de ses départements : dans les années 1930, sous l'impulsion deJohn Hay Whitney,Iris Barry, première directrice de la Film Library, a pu faire l'acquisition pour le musée d'un film deWalt Disney, (Steamboat Willie de 1928) et du filmd'Eisenstein (Le cuirassé Potemkine sorti en 1925), l'un est l'exemple le plus éclatant[non neutre] d'un film de divertissement et l'autre d'un film d'auteur.Siegfried Kracauer travaillera également pour la film library.
Quant au design, dès l'exposition « Machine Art » de 1934, le MoMA a affirmé des critères très stricts[Lesquels ?] dont il s'est peu écarté, privilégiant le produit industriel plutôt que l'objet précieux, leprototype, l'usage sur l'esthétique, l'approche culturelle voire anthropologique sur l'artistique[24][source insuffisante]. Dans ce cadre, le Département d'Architecture et de Design n'a cessé de repousser les limites de la collection en interrogeant, la définition de l'objet muséal : l'entrée dans les années récentes de formes populaires.
Ainsi, en 2006, la création d'un nouveau départementMédias[réf. nécessaire], qui deviendra en 2009 le départementMédias et Performance, chargé des œuvres se déployant dans le temps (time-based works), vient, souligner la nécessité de pleinement prendre en compte des formes d'art collectionnées jusqu'alors de manière sporadique et lacunaire par d'autres départements, Cinéma avec la vidéo, Peinture ou Sculpture notamment pour les installations multimédia.
Au sein d'un schéma général[réf. nécessaire], chaque département a donc développé sa culture propre, ses logiques d'acquisitions spécifiques, une évolution renforcée à partir des années 1960, par le remplacement du comité d'acquisition du musée par des comités d'acquisitions par départements[réf. nécessaire].
Afin de toujours rester un musée d'art moderne, le MoMA devait se renouveler et se délester d'une partie ses collections tous les cinquante ans[réf. nécessaire]. Ceci conduisit le MoMA à céder en 1947 les chefs-d’œuvre plus anciens de sa collection au Metropolitan Museum of Art de New York en échange de fonds destinés à acquérir des œuvres contemporaines.
Mais cela ne suffisait pas car le problème que posait la présentation d’œuvres modernes dans les galeries tout en maintenant un rythme d'acquisition soutenu n'était pas résolu. Le musée doit en permanence trier de façon drastique ce qui est présenté dans les salles et aussi modifier l'intérieur et l'extérieur de ses bâtiments pour conserver une présentation judicieuse de ses œuvres.
En 1939, soit dix ans après sa création, la collection du MoMA adopte[réf. nécessaire] les contours qui sont les siens: « une collection d'art international » depuis lepostimpressionnisme, avec un accent sur l'Europe pour les premières années et un élargissement dans les suivantes.
L'institution conserve l'une des plus importantes collections d'art moderne et contemporain au monde avec celle duCentre Georges-Pompidou (Paris) et de laTate Modern (Londres). Le fonds du musée contient 200 000 œuvres à peu près à ce jour[Quand ?]. On peut en consulter[Quand ?] 77 000 en ligne[réf. nécessaire]. Le Centre Pompidou contenant plus de 100 000 œuvres de 1905 à nos jours[Quand ?].
La collection est complétée par d'archives documentaires, que ce soit les archives des expositions et activités du MoMA ou les bibliothèques spécialisées telle que celle consacrée aux arts modernes et contemporainslatino-américains[réf. nécessaire].
Le MoMA a été impliqué dans plusieurs plaintes initiées par des familles pour des œuvres d'art perdues pendant l'Holocauste et qui se sont retrouvées dans la collection du Musée d'art moderne[42],[43].
En 2009, les héritiers de l'artiste allemand George Grosz ont intenté une action en justice pour obtenir la restitution de trois œuvres de Grosz, et les héritiers de Paul von Mendelssohn-Bartholdy ont intenté une action en justice pour obtenir la restitution du tableau de Pablo Picasso intitulé Boy Leading a Horse (1905-1906)[44]donné au MoMA par William S. Paley en 1964. Le statut de l'œuvre, vendue sous la contrainte par ses propriétaires juifs allemands dans les années 1930, a été contesté. Les descendants des propriétaires initiaux ont poursuivi le MoMA et leSolomon R. Guggenheim Museum, qui possède un autre tableau de Picasso,Le Moulin de la Galette (1900), ayant appartenu à la même famille, pour obtenir la restitution des œuvres[45]. En 2009, les deux musées ont conclu un accord confidentiel avec les descendants avant que l'affaire ne soit jugée et ont conservé leurs tableaux respectifs[46]. Dans une déclaration commune, les deux musées ont écrit : « nous avons conclu un accord simplement pour éviter les coûts d'un litige prolongé et pour garantir que le public continue d'avoir accès à ces tableaux importants »[47].
Dans un autre cas, après une bataille judiciaire de dix ans, le MoMA a restitué en 2015 à la famille Fischer un tableau intituléSand Hills de l'artiste allemand Ernst Ludwig Kirchner, qui avait été laissé par Max Fischer lorsqu'il avait fui l'Allemagne pour les États-Unis en 1935[48],[49].
En février 2024, le New York Times rapporte que le MoMa a secrètement restituéOver Vitebsk de Marc Chagall aux héritiers de Franz Matthiesen en 2021 et que la restitution implique un paiement de 4 millions de dollars au musée[50],[51]. Le tableau est passé par le marchand nazi Kurt Feldhausser et la Wehye Gallery et sa provenance est contestée. Le musée a d'abord déclaré que l'acquisition ne posait pas de problème, car son chercheur en provenance estimait que le transfert de Matthiesen était un remboursement de dette et n'était pas lié à la persécution des Juifs par les nazis, mais le musée est ensuite revenu sur sa position[52].
Truman considérait que l’art n’était pas innocent mais fortement imprégné de politique[réf. nécessaire]. Et ce présidentdémocrate, était aussi conservateur etanti-communiste, et fortement attaché à des valeurs traditionnelles dans le domaine des arts[réf. nécessaire].
Dans lesannées 1950, certains représentants comme le député républicainGeorge Anthony Dondero(en), qui symbolisait le fer de lance d’un anticommunisme qui ouvrira les portes dumaccarthysme, se firent les porte-voix d’une Amérique traditionaliste etlobbyiste, déclarant dans de grands effetsrhétoriques :
« LeCubisme aspire à la destruction par la discordance du dessin. LeFuturisme aspire à la destruction à travers le mythe de la machine… LeDadaïsme aspire à la destruction par le ridicule. L’Expressionnisme aspire à la destruction en singeant le primitif et l’insane… »[53].
« Les artistes ultramodernes sont inconsciemment utilisés comme des outils par le Kremlin. »[54][source insuffisante].
Et, même si les artistes et l’intelligentsia américaine avaient subi entre 1935 et 1941 une « dé-marxisation »[55], il n’en reste pas moins que des artistes commeJackson Pollock,Motherwell ouRothko[56] avaient, dans les années 1930, eu une production artistique et des positions politiquement engagées voire pour certains révolutionnaires. Pollock, par exemple, avait expérimenté la technique de lafresque de propagande aux côtés deSiqueiros[réf. nécessaire]. Ce type de position ne pouvait être oublié par les anti-communistes[réf. nécessaire].
Ainsi, durant laguerre froide, promouvoir officiellement les expositions d’art moderne n’était donc pas possible pour le gouvernement[réf. nécessaire]. Mais il était face à une nécessité : la culture et particulièrement les arts plastiques représentaient un espace de lutte idéologique fort dont ne manquaient pas de se servir les Soviétiques[réf. nécessaire]. Et, malgré le désaccord esthétique, mais aussi social, qui pouvait exister entre les artistes de l’avant-garde et le gouvernement américain, l’art moderne représentait, malgré tout, pour ce dernier une idéologie de la liberté[réf. nécessaire].
Le gouvernement tente de mettre en place des projets par l’intermédiaire de différentes agences comme l'United States Information Agency (USIA), mais beaucoup doivnt être annulés en raison de l’opposition qu’ils rencontraient[réf. nécessaire].
Il est nécessaire de se tourner vers des organismes qui défendraient et feraient la promotion de l’avant-garde comme modèle de la liberté américaine. Le gouvernement se tourna vers le secteur privé, en particulier vers le Museum of Modern Art de New York[57]. En effet, auxÉtats-Unis la plupart des musées et des collections d’art sont « privés ». Il était donc pertinent pour les dirigeants américains d’accorder un soutien à ces musées et fondations ayant déjà l’habitude de soutenir l’Expressionnisme Abstrait.
Le programme international du MoMA produisait déjà, dans différentes capitales du monde (Londres,São Paulo,Paris…), des expositions d’art contemporain américain et, principalement de l’Expressionnisme Abstrait. Le musée assumait, de fait, la représentation américaine là ou les autres nations étaient représentées par des supports gouvernementaux aux expositions. Entre 1954 et 1962, leDépartement d’État refuse de prendre la responsabilité du pavillon américain durant lesBiennales de Venise. La gestion de ce pavillon national fut donc confiée au MoMA avec le soutien financier de laCentral Intelligence Agency distillé par l'intermédiaire de fondations[58].
850 millions de dollars sont rassemblés pour la rénovation du MoMA au début duXXIe siècle :500 millions sont donnés par les membres du conseil d'administration à titrephilanthropique ;65 millions sont offerts par la municipalité deNew York[60]. Le musée s'agrandit (sa surface est doublée[61]) : en 2017, il compte trois magasins de souvenirs et librairies, quatre cafés et restaurants et peut accueillir 7 000 visiteurs par jour[60]. Le projet est mené parKohn Pedersen Fox[62]. Cependant ces rénovations et expansions engagées par le directeur actuel du musée Glenn D. Lowry ne sont pas toujours considérées comme des améliorations, ainsi Michael Wolff dansThe Guardian estime qu'elles sont contraires aux intérêts du musée[63].
Après la rénovation, le droit d'entrée augmente en passant à20 dollars. Cependant, l'entrée reste gratuite aux moins de 16 ans et pour les étudiants new-yorkais[60]. L'entrée est gratuite tous les vendredis après-midi, de16 h à20 h, grâce au soutien du sponsor, les magasinsUniqlo[64].
En 2010, le musée accueille 3 131 238 personnes, devenant la troisième institution la plus visitée aux États-Unis après leMetropolitan Museum of Art (New York, 5 216 988 personnes) et laNational Gallery of Art (Washington D.C., 4 775 114 personnes)[65]. En 2017, il reçoit la visite de 2 750 000 personnes, glissant en septième position sur le continent nord-américain[66].
↑Fred S.Kleiner et Christin J. Mamiya,Gardner's Art through the Ages: The Western Perspective, Thomson Wadsworth,(ISBN978-0-4950-0478-3), « The Development of Modernist Art: The Early 20th Century »,p. 796 :
« The Museum of Modern Art in New York City is consistently identified as the institution most responsible for developing modernist art ... the most influential museum of modern art in the world. »
↑Alfred Barr,Report on the permanent collection, 1933)
↑« Edgar Kaufmann Jr., Director of Industrial Design at the Museum of Modern Art (MOMA), New York, in the 1940s and 1950s, had issued a stark warning in the Architectural Review of August 1948. He drew attention to what he described as ‘Borax or the Chromium Plated Calf’, castigating what he saw as a prevalent and spreading American tendency of ‘style follows sales’. Kaufmann pursued such views through the curation of a series of Good Design exhibitions at MOMA from 1950 to 1955 that contained many objects that endorsed the European Modernist aesthetic and built upon the design tendencies that had been apparent since the establishment of the Department of Architecture and Industrial Art at the Museum in 1932. The MOMA Design Collection was inaugurated with the 1934 Machine Art exhibition curated by the arch‐Modernist Philip Johnson. »Good Design in A Dictionary of Modern Design.
↑Georges Dondero, cité par William Hauptman,The Suppression of Art in the MacCarthy Decade, Art Forum, octobre 1973.« (…) Cubism aims to destroy by designed discorder. Futurism aims to destroy by the machine myth… Dadaismus aims to destroy by ridicule. Expressionism aims to destroy by aping the primitive and insane (…) »
↑Harold Harby cité par William Hauptman,The Suppression of Art in the MacCarthy Decade, Art Forum, octobre 1973.« (…) ultramodern artists are unconsciously used as tools of the Kremelin (…) »
↑Serge Guilbaut,Comment New York vola l’idée d’art moderne, éditions Jacqueline Chambon, Nîmes, 1996,Chapitre 1, New York, 1935-1941 : la « dé-marxisation » de l'intelligentsia, p. 27.
↑Mark Rothko fut certainement l'artiste chez qui la question de l'engagement politique posa le plus de difficultés.« … l'idée d'un art politiquement engagé lui était insupportable (…) il craignait que l'adhésion à un quelconque groupement politique d'artistes ne vienne 'changer la nature de son art et lui faire perdre son identité'. Peut-être a-t-il rallié l'Artist Union lorsqu'en janvier 1936 son ami le peintre Joseph Solman … succéda à Stuart Davis comme rédacteur en chef d'Art Front ; peut-être le vit-on brandir une banderole dans un défilé pour défendre une manifestation de danse qui semblait menacée ; sans doute a-t-il rejoint en 1936 le Congrès des Artistes Américains contre la guerre et le fascisme parce qu'il accueillait les artistes de toutes tendances esthétiques… mais jamais il ne put se résoudre à suivre ce que Stuart Davis nommaitle processus historique forçant l'artiste à abandonner son isolement individualiste. (…) »Eric Michaud,Rothko, la violence et l'histoire, inMark Rothko, catalogue de l'exposition rétrospective, Musée d'art moderne de la Ville de Paris, 1999, page 76.
↑Themed Entertainment Association (TEA), TEA/AECOM 2017 Theme Index and Museum Index: The Global Attractions Attendance Report, 2018, Burbank (Californie), p. 68-69,[1]
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![Henri Rousseau, dit le Douanier Rousseau, La Bohémienne endormie, 1897[26].](/mt/?noimg=&dark=on&url=https%3a%2f%2ffr.wikipedia.org%2fwiki%2fFichier%3aWLA_moma_Henri_Rousseau_The_Sleeping_Gypsy_3.jpg)
![Vincent van Gogh, La Nuit étoilée, 1889[27].](/mt/?noimg=&dark=on&url=https%3a%2f%2ffr.wikipedia.org%2fwiki%2fFichier%3aVanGogh-starry_night_ballance1.jpg)
![Henri Rousseau dit le Douanier Rousseau, Le Rêve, 1910[28].](/mt/?noimg=&dark=on&url=https%3a%2f%2ffr.wikipedia.org%2fwiki%2fFichier%3aWLA_moma_Henri_Rousseau_The_Dream.jpg)
![Henri de Toulouse-Lautrec, La Goulue entrant au Moulin-Rouge, 1891-1892[29].](/mt/?noimg=&dark=on&url=https%3a%2f%2ffr.wikipedia.org%2fwiki%2fFichier%3aToulouse-Lautrec_-_La_Goulue_arrivant_au_Moulin_Rouge.jpg)
