Leconcerto (mot français d'origine italienne ; pluriel :concertos ou parfoisconcerti[1]) est ungenre musical composé généralement de troismouvements (un rapide, un lent, un rapide), où un ou plusieurssolistes dialoguent avec unorchestre. D'origineitalienne, il se développa pendant la périodebaroque et fut une des formes musicales les plus prisées pendant les périodesclassiques etromantiques.
L'étymologie du terme renvoie à deux courants parallèles et complémentaires de son histoire.Concertare qui englobe l’idée de rivaliser, de se quereller, de lutter notamment en paroles, se différencie deconserere, qui a une signification de lien, de jonction mais qui peut être aussi l’idée de mettre aux prises. La première acception détermine la base du concerto de soliste d’essence virtuose alors que la deuxième suppose l’égalité des partenaires dont le nombre et la fonction ne sont pas délimités : c’est le principe du « concert à la française ». Le concerto, dont la naissance est liée à celle du style concertant vers le début duXVIIe siècle, lorsque l’apparition de labasse continue généralise l’usage de la monodie accompagnée, succédant au stylepolyphonique à l'honneur depuis leMoyen Âge, repose sur la notion de dialogue préférée à celle de continuité du langage polyphonique.
Chronologiquement, le terme concerto s’applique d’abord à des piècesreligieuses mêlant voix et instruments (Concerty ecclesiastici deLodovico Grossi da Viadana,Petits Concerts spirituels d’Heinrich Schütz par exemple). Le concerto a donc des origines vocales par la mise en vedette d’un personnage, par un jeu de répliques, d’alternances avec l’ensemble, mais aussi par l’improvisation et l’ornementation laissées ausoliste et plus tard dans lacadence. Le concerto purement instrumental, qui se développe en Italie durant la seconde moitié duXVIIe siècle, prend tout d’abord la forme d’un dialogue entre un petit groupe d’instruments solistes (leconcertino ) et la masse de l’orchestre, ouripieno, dite encore « concerto grosso », terme qui finit par définir le genre lui-même.
On en distingue deux sortes, selon leur destination : leconcerto da chiesa (concerto d’église), de style sévère et grave, composé de quatre mouvements dans l’ordre lent-vif (fugué) -lent-vif, et leconcerto da camera (concerto de chambre), à usage profane, de caractère plus léger, et beaucoup plus libre dans la forme, comprenant de nombreuses danses.
Les troismusiciens à l'origine du concerto sontArcangelo Corelli (1653-1713),Giuseppe Torelli (1658-1709) etAntonio Vivaldi (1678-1741), que suivirent quelquescompositeurs à peine moins brillants, parmi lesquelsGiuseppe Tartini (1692-1770),Francesco Geminiani (1687-1762), élève de Corelli et d'Alessandro Scarlatti (1660-1725), ou encorePietro Antonio Locatelli (1695-1764).
À travers ses concertos, Vivaldi contribue à l'établissement de l'une des premières caractéristiques de la forme reprise au cours des siècles suivants : une démonstration du jeu des virtuoses, souvent par le compositeur lui-même. Le concerto pour violon a aussi fortement influencé l'évolution de la technique du violon, par l'écriture inter-cordes et la mise au point de différentes techniques d'archet. Vivaldi est le premier compositeur à utiliser systématiquement la forme duritornello, qui devint ensuite la norme pour les mouvements rapides des concertos. Leritornello est une section qui revient dans différentes tonalités et est jouée par l'orchestre entier. Elle alterne avec des sections dominées par le soliste (épisodes) qui, dans son œuvre, étaient souvent de véritables exercices de virtuosité. Il établit pratiquement le format ternaire du concerto (allegro,andante,allegro) et est parmi les premiers à introduire descadenza dédiée au soliste.
Si Giuseppe Torelli en reste l'inventeur, le véritable initiateur de la formule et de son succès estAntonio Vivaldi, auteur de très nombreux concertos pour une grande variété d'instruments (violon,violoncelle,mandoline,flûte,hautbois,basson, etc. et leur combinaisoncon molti strumenti). Nombre de ses contemporains devaient lui emboîter le pas, avec plus ou moins d'originalité.
Certains sont des novateurs :Georg Friedrich Haendel avec ses douze concertos pour orgue etJean-Sébastien Bach avec sestreize concertos pour 1 à 4 clavecins. Ce dernier écrit même leConcerto italien où son génie lui permet de faire jouer au seulclaveciniste, une partie de soliste, en opposition avec une partie detutti.
La période classique voit l'explosion du nombre de concertos deJoseph Haydn (onze concertos pour piano, trois pour violon, deux pour violoncelle,un pour trompette et un pour cor) et surtout deWolfgang Amadeus Mozart (vingt-trois concertos pour piano, cinq pour violon,quatre pour cor, deux pour flûte,un pour flûte et harpe,un pour clarinette etun pour basson).
Beaucoup d'autres compositeurs de cette époque œuvrent pour le genre, commeKarl Ditters von Dittersdorf,Franz Anton Hoffmeister etJohannes Matthias Sperger, et permettent à beaucoup d'instrumentistes - et d'instruments comme levioloncelle, lebasson, lacontrebasse, l'alto… - de s'exprimer.
C'estBeethoven qui inaugure le concerto à l'aube du romantisme, avec ses cinq concertos pour piano et son monumentalconcerto pour violon. Son exemple est suivi par de nombreux compositeurs : le concerto rivalise avec lasymphonie dans le répertoire des grandes formations orchestrales.
Généralement, le concerto comporte trois mouvements :
Ce ne sont pourtant que des caractères généraux, et les plus grands compositeurs se gardent bien de brider leur génie par le respect de formes figées.
La plus grande variété d'instruments solistes a été utilisée pour des concertos :piano,clavecin,orgue,violon,alto,violoncelle,flûte,hautbois,clarinette,basson,mandoline,cor,trompette,tuba,harpe,guitare, etc.
Certains compositeurs ont écrit des doubles ou triples concertos, confrontant plusieurs solistes (Bach, Mozart, Beethoven et Brahms).
On confond souvent le concept baroque ou classique de concerto avec le concerto soliste duXIXe siècle, alors que les deux n’ont guère que le nom en commun. Le concerto baroque n’est pas une pièce en solo, avec un soliste qui prédomine et un orchestre qui accompagne, bien qu’on le conçoive souvent aujourd’hui comme tel. L’essence du concerto à sa naissance est le dialogue, la rivalité de différents groupes.
Le concerto baroque peut aussi bien être une pièce de musique de chambre pour quelques instruments qu’une œuvre orchestrale pour cinquante musiciens. Il suffit qu’il soit bâti sur une forme d’alternance typique de l’énoncé musical, à la façon d’une discussion. L’ossature formelle est donnée par les passages en tutti, dans lesquels tous les participants, y compris les éventuels solistes, jouent ensemble. Le fait de « concerter » peut opposer un ou plusieurs solistes, ou des solistes et des ripiénistes, ou se dérouler au sein de l’orchestre.
Par comparaison avec lasonate classique, le concerto baroque semble dépourvu de direction harmonique. Par ailleurs si on les compare aux concertos de bravoure duXIXe siècle en fonction de la partie soliste, les concertos baroques — ceux de Vivaldi jusqu’à ceux de Bach — apparaissent comme les premières concessions à l’ego des virtuoses. Les principes harmoniques du concerto baroque sont organisés à partir d’intentions différentes. Les éléments de contrastes et d’amplitude dynamiques — qui sont au cœur de l’idée de concerto — y sont aussi manifestes que dans le concerto classique mais sont obtenus par des moyens directs. Au lieu de subtiles gradations de modulations caractéristiques de la tonalité classique, on trouve ici une opposition de texture et de niveau dynamique. Il n’y a pas équation dans le concerto baroque entre changement de tonalité et changement de thème. Il s’ensuit que le principe à la base du concerto baroque utilise un vocabulaire thématique plus restreint. L’essentiel dans les rapports thématiques de l’œuvre concertante de Vivaldi n’est pas leur individualité mais leur interdépendance.
Il s’ensuit une sensualité et une imagination débordante où la sonorité des cordes prédomine et où l’abondante ornementation est improvisée par des interprètes imaginatifs donnant sa pleine mesure à la virtuosité soliste.
Tout au long duXIXe siècle, le piano et le violon sont les instruments de prédilection de compositeurs souvent eux-mêmes interprètes virtuoses ; c'est notamment le cas des pianistesFranz Liszt etFrédéric Chopin, ainsi que du violonisteNiccolo Paganini. Le rôle du soliste se trouve largement renforcé dans l'exposition thématique et le développement central. Sa virtuosité s'exprime surtout dans lacadence qui, autrefois improvisée, est désormais entièrement écrite.
Les recherches formelles entreprises dès leXIXe siècle perdurent auXXe siècle, parfois jusqu'à l'éclatement pur et simple. Si, thématiquement et esthétiquement parlant, certaines œuvres restent fondamentalement héritières du siècle précédent (les trois premiers concertos deSergueï Rachmaninov, par exemple, influenceront nombre d'œuvres concertantes), l'heure est au changement et à l'invention : ainsi des concertos deBartok (n'a-t-il pas écrit, d'ailleurs, un Concerto pour orchestre, suivant ainsi l'exemple deHindemith ?) ou deChostakovitch, du fameuxConcerto pour la main gauche deRavel, etc. Peu à peu, on rapprochera le genre avec celui de larhapsodie (par exemple l'œuvre, concertante, deGershwin :Rhapsodie in Blue).
Exceptionnellement, le terme « concerto » a été employé pour une pièce de musique de chambre dans le cas duConcerto pour violon, violoncelle et piano (1932) du compositeur italienFranco Alfano, probablement en raison de son écriture virtuose[2].
À noter également la contribution deJohn Serry (père), dont leConcerto pour accordéon (pour Bassetti Accordéon) composé en 1964 illustre les tonalités orchestrales de l'accordéon et son potentiel en tant que membre légitime de l'orchestre[3],[4],[5],[6],[7].
(Texte disponible sur www.imslp.org)
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