Este artículo o sección tienereferencias, pero necesita más para complementar suverificabilidad. Busca fuentes:«Rock de Argentina» –noticias ·libros ·académico ·imágenes Este aviso fue puesto el 23 de agosto de 2023.

Elrock argentino, llamado en su paísrock nacional, es una denominación musical muy amplia, aplicada a cualquier variedad de músicarock producida enArgentina. Argentina combinó los diversos géneros derivados delrock and roll con elementos locales, desarrollando así unrock de identidad propia, que recibió el nombre de «rock nacional». Las primeras bandas derock argentino, como otras de América Latina, tuvieron la idea de cantar en su propio idioma (como sucedía, también a principios de los años 1960, con elrock francés y el fenómeno del Anatolian Rock, enTurquía, en idioma turco). No obstante, si los músicos mexicanos en general se conformaban con traducir al español las letras de los grandes éxitos anglosajones, los argentinos pronto se diferenciaron por un uso más personal del idioma castellano, buscando comunicar y referenciar la geografía, historia, música, cine, costumbres, etcétera, nacionales e incluir elementos culturales locales como la jerga y ellunfardo. Estos componentes le dieron origen a una forma de hacerrock.^[1]​^[4]​^[5]​^[6]​ De este modo, elrock argentino se convirtió en un importante precursor delrock de habla hispana y el que logró inicialmente mayor éxito comercial fuera de sus fronteras. Así es destacado y reconocido en todaIberoamérica, por la gran popularidad de las bandas y artistas, que cosecharon récords en ventas de álbumes y en asistencias a recitales.^[7]​

Elrock enArgentina comenzó a interpretarse en la segunda mitad de los años 1950. Al igual que el caso citado de México, los primeros grupos locales se dedicaban a cantar en español y en inglés canciones derock and roll, originales o versiones de éxitos internacionales, sin conferirles identidad musical propia. Pero a partir de la mitad de la década del 60, elrock argentino inició una evolución constante que durante las décadas de 1970 y 1980, y especialmente tras laguerra de las Malvinas, cristalizó en un movimiento de características estéticas bien definidas y reconocimiento internacional.

Los orígenes del rock de Argentina se remontan a la segunda mitad de la década de 1950, cuando llegó al país como parte de la fiebre internacional que estaban experimentando las bandas de rock and roll estadounidenses. Este ritmo bailable y novedoso hizo que se formaran las primeras bandas de rock en el país, contrariamente a la creencia que el rock argentino nació a finales de los años 60, puesto que en febrero de 1956 se publicó una canción de rock en castellano en partitura, que luego fue grabada en disco en mayo del citado año; se trataba de "Rock con Leche".^[1]​ También cabe destacar que entre 1955 y 1964 es bastante difícil hallar grabaciones de músicos que hayan cantado en inglés. Eddie Pequenino, la orquesta Los Comandantes, Los Rocklands, Los Mac Ke Mac's en su primer álbum y la orquesta de Osvaldo Norton son algunas de las pocas excepciones.^[8]​

Diversos músicos hicieron las primeras experiencias e intentos derock en tiempos donde todavía predominaban en el país eltango y elfolcklore argentino. Estos conjuntos y solistas de un temprano rock argentino animaban al baile y a la fiesta, influenciados por nombres comoBill Haley,Chuck Berry,Elvis Presley,Little Richard,Chubby Checker yBo Diddley, entre otros. Naturalmente, estos primeros exponentes del rock argentino tenían diversos estilos por consecuencia de imitar los diversos géneros estadounidenses: algunos comoEddie Pequenino y su bandaMr. Roll y sus Rocks estaban más inclinados al estiloswing deBill Haley & His Comets, otros comoLos Cinco Latinos eran adeptos a los grupos vocales dedoo wop comoThe Platters, y había otros comoSandro que estaba claramente inspirado en la fusión concountry deElvis Presley. Al llegar los años 60, aparecieron más grupos y solistas de temáticas parecidas, ahora con influencias de nuevas bandas se fueron apareciendo los géneros detwist,nueva ola,surf ygarage a medida que avanzaba la década, como así también serían de gran impacto en la música argentina las invasiones británicas y uruguayas.

A fines de los 60 aparecieron bandas más influenciadas por elmerseybeat británico. Centros de reunión como La Perla de Once o el Instituto Di Tella fueron los núcleos de esta nueva corriente artística. En 1967 se editó la canción "La Balsa" deLos Gatos, que con su rotundo éxito y popularidad con 250 000 copias vendidas se convirtió en el primer éxito masivo del merseybeat argentino en español.^[9]​

La escena musical enArgentina de los años 50 tenía, entre sus principales géneros,^[10]​^[11]​ eltango (establecido desde aproximadamente 1880 como el principal género urbano), elfolklore (que vivía unboom con lamigración interna), la música melódica tanto deFrancia eItalia (elFestival de la Canción de San Remo, iniciado en 1951, era muy popular en la sociedad argentina de la época) como deEstados Unidos (comoFrank Sinatra yTony Bennett), los géneros de otros paísesiberoamericanos (como elbolero) y eljazz (que desde aproximadamente los años 20 se había establecido en la escenaporteña).^[12]​ Justamente, este último género sería crucial en el nacimiento del rock en Argentina.

Desde aproximadamente los años 1930 se producía el fenómeno de lamigración interna en Argentina. La llegada al poder en 1945 deJuan Domingo Perón influyó en grandes cambios en varias áreas, entre ellas la música argentina. En 1949Perón dictó el Decreto 3371/1949 "de Protección de la Música Nacional", el cual establecía que en lugares públicos debía haber un 50% de música hecha por artistas argentinos. En 1950 elfolklore ya daba muestras serias de poder competir de igual a igual con eltango: «El rancho 'e la Cambicha», una canción de folklore, se convirtió en la primera canción argentina que llegó a la cifra de un millón de ventas por susencillo; en el total de sencillos lanzados ese año, 21% eran de tango y 17% de folklore; y en el total de partituras lanzadas ese año, 30% eran de tango y 25% de folklore.^[13]​ Por lo que ya para los años 50 el tango comenzaba a dar señales de ceder su puesto hegemónico en la escena musical argentina.

La dictadura militar autodenominadaRevolución Libertadora de 1955 inició grandes cambios en varias áreas del país, y como consecuencia la escena musical argentina cambió sustancialmente.^[14]​ El tango fue seriamente afectado: la crisis económica bajo el gobiernode facto llevó a que los locales bailables reduzcan sus presupuestos, y a las orquestas y conjuntos a reducir su cantidad de integrantes.^[15]​ El régimen militar persiguió artistas por sus ideas políticas, prohibió eventos con gran concentración de gente (lo que le quitó a la música argentina un espacio de difusión), derogó las leyes peronistas de protección musical y estableció medidas que favorecieron la difusión de música extranjera.^[14]​^[16]​

Elrock and roll surgió comogénero musical en losEstados Unidos en los años 50, producto de la fusión entre diversas corrientes musicales tales como elfolk, elhillbilly, elbluegrass, elcountry, elwestern y elrhythm & blues, ganando rápidamente popularidad nacional e internacional a través de artistas comoElvis Presley,Bill Haley,Eddie Cochran yBuddy Holly, entre otros. EnArgentina, la difusión de sus temas a través de radios y discos despertó en muchos músicos el interés por emular los novedosos sonidos y marcados ritmos que lo caracterizaban.

Fue a mediados de los años 50 cuando llegó elrock and roll aArgentina, con éxitos estadounidenses por parte de cantautores comoBill Haley & His Comets,Elvis Presley,Chuck Berry,Buddy Holly yGene Vincent que se hicieron mundialmente populares, junto con los estrenos en los cines argentinos de la trilogía fundacional de películas del rock and roll:Blackboard Jungle,Rock Around The Clock yDon't Knock The Rock (traducidas enArgentina comoSemilla De Maldad,Al Compás Del Reloj yCelos Y Revuelos Al Ritmo Del Rock, respectivamente). Las películas derock and roll tuvieron tal repercusión entre los adolescentes y jóvenes que se ponían a bailar este ritmo novedoso en los pasillos del cine, las calles, plazas, o incluso en el obelisco de Buenos Aires. Comenzó las ventas de discos de rock and roll en las disquerías (llamadas por entonces casas de música o casas de discos) y la difusión del ritmo en las radios con emisoras publicitando comoRadio Splendid,Radio Mitre y su programaMelodías de rock'n'roll conCésar Lazaga, yRadio Excelsior conRock and Belfast conJorge Beillard, ocasionalmente reemplazado porMiguel Ángel Merellano.^[10]​^[11]​

En cuanto a las radios, predominaban las estacionesAM, a pesar de que laFM (inventada en Estados Unidos en 1933) ya había tenido su primer caso en Argentina, con la transmisión en febrero de 1945 de la estación LU3A.^[17]​ No obstante, no funcionaba como una FM como se las conocería cuatro décadas más tarde: esta transmisión era experimental, funcionaba en determinados horarios del día y tuvo interrupciones a través de los años. En los años 50, continuarían los experimentos con las FM argentinas.^[18]​

El 5 de diciembre de 1955 se realizó la primera grabación de rock en Argentina de la que se tenga noticias. Fue una versión de «Rock Around the Clock» hecho por laorquesta dejazz deltrompetistaRoger Santander.^[19]​

El cantante y trombonistaEddie Pequenino, oriundo deljazz (en los años 40 y aun siendo adolescente formó la banda Jazz Los Colegiales junto aRicardo Romero) y delR&B (a principios de los años 50 había formado Eddie Parker y su Rhythm Band) fue el primero, en 1956, en cantar rock and roll con la orquesta deLalo Schiffrin. El sello discográfico Columbia le propuso lanzar su carrera como solista pero este prefirió ocultar su identidad, formando la primera banda de rock enArgentina que lanzó discos al mercado:Mr. Roll y sus Rocks, con Arturo Schneider en saxo tenor, Jaime Rodríguez Anido (alias Ike) en primera guitarra eléctrica, Héctor Rea en guitarra rítmica, Domingo Malagreca en contrabajo y Jorge Padín en batería. Su primera grabación data del 7 de diciembre de 1956 y se editó en enero de 1957, vendiendo más de 27.000 copias.

La banda grabó varios reversiones deBill Haley y otros rockeros de la talla deBobby Freeman yAlan Dale, entre los que se cuentan: «See You Later, Alligator», «Mambo Rock», «Rock», «Shake, Rattle and Roll» y «Rancho Rock», siendoBill Haley & His Comets su gran influencia con su estilo orientado alswing. Al principio los músicos ocultaban su identidad para que el público pensara que era una banda americana. Pero finalmente Pequenino reveló su identidad en un programa en vivo deRadio El Mundo donde se estaba debatiendo la supuesta inmoralidad en el baile del rock. Tras esta revelación,Mr. Roll y sus Rocks fueron contratados para tocar en esa emisora todos los miércoles a la noche, y luego pasa aRadio Splendid los viernes a las 20 y 30 hs. Fue tal el éxito que tuvo el conjunto, que sus grabaciones con las versiones de las canciones de Bill Haley se vendieron más que las originales.

En ese mismo año,Eddie Pequenino fue protagonista de la primera canción original argentina de rock cantada en español, la ya mencionada "Rock con leche", una canción de tono humorístico hecha en colaboración con el cómico argentinoDélfor Dicásolo, el arreglista musical deRadio El MundoSantos Lipesker, el guionista cómicoAldo Cammarota y el productor musicalBen Molar. Gracias al éxito obtenido por el corte, se rodó la películaVenga a bailar el rock, estrenada el 29 de agosto de 1957 y con la actuación de Mr. Roll y sus Rockers y los actoresEber Lobato,Nélida Lobato,Alfredo Barbieri,Alberto Anchart (h) yPedrito Rico. La película incluía dos composiciones propias en inglés de Pequenino («Despacio nena» y «Aquí viene el rock»), y un rock en español titulado como la película, creado por Éber Lobato.^[20]​ En mayo de 1958 Bill Haley visitóArgentina con su conjunto, realizando presentaciones en elTeatro Metropolitan, y eligió como banda telonera a Mr. Roll y sus Rocks.

Fue ese el momento de mayor éxito del género en la Argentina, y reavivó la polémica en torno al rock, cuando ciertos medios argumentaban que los jóvenes "enloquecían" en las salas de cine a causa de las películas sobre rock, causando en algunos casos destrozos, y levantaban la guardia ante la llegada de Bill Haley diciendo que elrock and roll era música extranjerizante. Por otro lado la revistaAntena publicó un número en donde aparecía Bill Haley usando unponcho y tomandomate, como gesto de conciliación cultural.

La llegada del nuevo fenómeno musical y la formación deMr. Roll y sus Rocks, llamó la atención de la industria discográfica argentina, quienes vieron que existía un segmento de la sociedad que hasta entonces no había sido explorado por la misma: los adolescentes y jóvenes. De allí se abriría un nuevo mercado para ser comercializado con bandas y solistas de música juvenil.

En 1958 y continuando con el éxito que tuvo la visita a principios de ese año deBill Haley & His Comets, se formaron más bandas de rock and roll que interpretaban canciones propias como también composiciones de grupos provenientes de Estados Unidos, varios de los miembros de esas agrupaciones musicales contaron con integrantes que años más tarde serían populares cantantes pop de la llamada "nueva ola" argentina en los años 60. También comenzaron a aparecer programas de radio de rock and roll como enRadio Libertad (hoyAM del Plata) yRadio El Mundo. La revistaJazzlandia había tomado nota de la explosión del rock and roll en la escena musical argentina y comenzó a publicar artículos, letras, partituras y reseñas de rock, igualmente hacía la revistaEstrellas. El disc-jockey del programaMúsica en el aire, Rodríguez Luque, creó el sello Disc-Jockey desde el cual editó a los músicos de rock nacientes. En abril del citado año se estrenóLoving You, tercera película deElvis Presley, traducida en el país bajo el títuloLa mujer que yo adoro, tuvo una promoción en los medios a diferencia de las dos anteriores entregas, el resultado fue unboom en la estética de Elvis.^[11]​

Se formóThe Paters, con el cantanteLalo Fransen (futuro miembro deEl Club del Clan) quien por entonces se hacía llamar Danny Santos, sus dos cortes de difusión eran grabaciones de "A White Sport Coat (and a Pink Carnation)" deMarty Robbins y "I Forgot to Remember to Forget" de Elvis Presley. También aparecieronLos Modern Rockers, cuyo integranteLuis Aguilé —el cual interpretaba temas propios como Los Iracundos y versiones de artistas comoPat Boone— también se destacaría años después, cuando fue contratado por el sello Odeón, y con su guitarra y el apoyo de la orquesta deArmando Patrono grabó el bolero "Mirá qué luna", pero también uno de los primeros temas de rock creado de forma original enArgentina, "La Balanza".^[11]​

Acompañado por la orquesta deLucio Milena, las versiones que grabó en castellanoBilly Cafaro, "Pity, pity" dePaul Anka y "Personalidad" tuvieron un considerable éxito. Se cuenta de aquella época que "cuando Billy se presentaba a cantar en Radio El Mundo, ubicada en Maipú 555, las colas de fans alcanzaban dos cuadras y congestionaban el centro de la capital. En más de una oportunidad llegó hasta el lugar a bordo de un helicóptero que aterrizaba en el obelisco y el trayecto hasta la radio lo hacia custodiado ya que decenas de jovencitas intentaban abalanzarse sobre él, tal como cuando se presentaba en algún teatro o club". A estos éxitos le siguieron varios más, comoMarcianita,Bésame Pepita, yViento, viento (estos dos últimos compuestos por Lucio Milena, a pedido deDaniel Tinayre para la película "La Patota" de 1960), llegando a vender un millón de copias de su primer long play,"Bésame Pepita".^[21]​No obstante, cuando hizo una interpretación en castellano del éxito alemán "Kriminal Tango", resultó ser muy impopular entre lostangueros quienes malinterpretaron la canción y lo consideraron como una ofensa al tango.Billy Cafaro sufrió reiteradas agresiones por parte de los tangueros, por ello se mudó aEspaña. Oriundo de este paísAndy Maciá registró temas propios en castellano como "Rock del vaquero", "Tú eres mi luna" y "Una motoneta" —este último se trataba de unjingle publicitario para las motonetas Siam-Lambretta, y posiblemente se trate del primer jingle publicitario de la historia argentina— ayudado por la orquesta deHoracio Malvicino que en aquel entonces se hacía llamar Don Nobody, más tarde al volcarse al tango en Europa adoptaría otro seudónimo, Alain Debray.

Para 1960, el grupoLos Teen Tops alcanzó gran popularidad entre los oyentes argentinos, este conjunto mexicano cantaba éxitos del rock and roll estadounidenses, pero con letras traducidas al español. Su estilo enérgico influenció al hermano deEber Lobato,Rocky Pontoni, que incursionó al mercado discográfico con canciones propias como "Dulce Amor Mío", "Edad", "Gracielita", "María Cristina", "Mi Presentimiento", "Noche de Luna y Rumor del Viento"; e interpretaciones de "Stupid Cupid" deNeil Sedaka, "Adam and Eve" dePaul Anka y "I'm On a Merry Go-Round" deTeddy Randazzo. Pontoni siempre cantó en castellano. Lo siguióLuis Bastián con sus versiones en castellano de Jailhouse Rock de Elvis Presley e "Itsi, bitsi, tiny winy yellow polka dot bikini" deBrian Hyland. Apoyado por el sello Orfeo —subsidiario deCBS— surgióJohnny Carel —cuyo nombre real era José Roberto Gentile— con temas propios de country rock en español como "Sácala a Bailar" o su versión en castellano de "Let's think about living" deBob Luman, cuyos éxitos hicieron que sean editados en otro países comoPerú,Venezuela,Ecuador,Colombia,México yEspaña. En ese momento apareció otro futuro miembro de lanueva ola y deEl Club del Clan dentro de la orquesta de jazz Los Platos Voladores la cual luegofue germen de la banda de rockThe Rocklands, este era Norberto Fago que luego usaría el seudónimo deNicky Jones. Grabó una versión de "Runnaway" deDel Shannon y fue uno de los pocos artistas que cantó en inglés en esa época. También surgióJohnny Allon dentro de su grupoLos Tammys, quienes grabaron en castellano temas propios como "Las Viejas Molestan" y varias versiones de grupos desurf ybeat de los años 60. En laprovincia de Tucumán apareció Nery Nelson quien grabó rocanroles en castellano de autores locales y no versiones de canciones deElvis Presley como se suele decir; Nery era promocionado por el sello Discofonia, llegó a editar sin repercusión alguna, y luego en RCA adoptó el apodo porPalito Ortega. El mismo sello editó a otro joven llamadoMartín Meyer que contaba con el apoyo musical del compositorAldo Legui. Editó un LP cantado en castellanoEl millonario del disco.

A principios de los años 60 varios músicos estadounidenses delmainstream de la época comoJohny Ray,The Platters,Paul Anka (que en su presentación en elteatro Opera cantó teniendo a una orquesta local dirigida por el baterista Enrique Corriale como acompañante),Dion DiMucci,Brenda Lee,Neil Sedaka yChubby Checker visitaron el país. Este último y su estilotwist sirvieron de inspiración para una banda local llamada Los Jets, cuyo miembro JorgeJackie Álvarez, formaríaJackie y los Ciclones. Ambos grupos cantaban en castellano tanto composiciones propias como versiones.

En julio de 1961, ladiscográfica multinacionalRCA contrató a un músico bajo el seudónimo de Balder, que se había presentado en el programaJusta del Saber de Canal 7. Se editó un sencillo de45 RPM con una canción de rock compuesta por el mismo Balder, "El rock del tom tom". Al poco tiempo se editó también su composición en castellano "Zapatos de pom pom". El artista se trataba de Alberto Felipe Soria, conocido comoJohnny Tedesco. El álbum vendió medio millón de copias en muy poco tiempo, convirtiéndose además en un éxito en las radios. Tedesco desarrolló un estilo muy influenciado porElvis Presley que era una mezcla de rock,rockabilly ycountry y se impuso como intérprete en castellano de sus propias composiciones y de éxitos de rock internacional. "Presumida", "Un montón de amor", "Preciso tu amor esta noche", "Ocho días a la semana", "Coqueta" (composición propia) y "La plaga" son algunas de sus interpretaciones que ayudaron a consolidar el género rock en Argentina.

En agosto de 1961, la multinacionalCBS, para contrarrestar y contraponer el éxito y la figura de Tedesco, promocionó y editó a su nuevo artistaTony Vilar, que con temas propios en castellano como el rockabilly "Rock de Fuego" y "Bailando", o versiones delDúo Dinámico como "Quince años tiene mi amor" o "Diablito" de Neil Sedaka. Tony representaba al típico hijo de inmigrantes italianos de la juventud del momento. Su segundo álbum se editó en 1962, de donde se destacan los sencillos "Despeinada", "Nada vale sin amor" y "Acomplejada", baladas de rock lento de tono intimista con la orquesta de Frank Ferrer (pseudónimo de Waldo de los Ríos) y solos de guitarra electroacústica. Si bien su éxito fue efímero, fue rápidamente eclipsado por la vertiginosa aparición delClub del Clan.

En ese momento habían surgidoLos Pick Ups, banda deHoracio Ascheri, que hacían canciones propias como "Mi promesa" y "Es La Locura". Radio Antártida, el nombre que tenía por entonces laRadio América, presentaba una programaciónde rock and roll todo el día de principio a fin, que contaba en su grilla con los programasUna ventana al éxito conAntonio Barrios,La discoteca de Juan José conJuan José May,Whiskeria de Johnny Carel yCírculo musical conHéctor Larrea.

Los músicoschicanos ymexicanos de rock a finales de los años cincuenta y comienzos de los sesenta ejercieron una importante influencia sobre el naciente rock argentino. En 1957Ritchie Valens logró el primer éxito mundial en castellano gracias a "La Bamba", en tanto que las bandas mexicanasLos Teen Tops,Los Blue Caps yLos Locos del Ritmo realizaron exitosasadaptaciones en español de temas deElvis Presley,Chuck Berry,Little Richard yBuddy Holly que se convirtieron en clásicos en español, tales como "La Plaga" y "Popotitos". En Argentina hacían sus primeros éxitos localesBilly Caffaro yTony Vilar con un estilo más internacional, pero adaptado a los modismos locales comenzando a diferenciar a las producciones Argentinas del resto, Tony fue el primer argentino en interpretar los llamados rock lentos o baladasslow, y su pieza más importante en este género fue el rock lento en castellano "Y los cielos lloraron" con Frankie y su conjunto (seudónimo de Waldo de Los Ríos). Muchos artistas de esa época señalan que las bandas mexicanas influenciaron a grupos del rock argentino comoLos Gatos yLos Dukes entre otros, así como a casi todos los grupos similares de los demás países de habla hispana.^[22]​^[23]​^[24]​Litto Nebbia contó en su libroMúsica progresiva argentina que se unió a una banda en 1961 enRosario y que en ese momento existían muchos grupos influenciados por elrock mexicano. Las bandas estadounidenses eran la fuente de la música y las mexicanas las que tomaban ese sonido y lo exportaban a los demás países del ámbito hispanohablante.

LS10 Radio Libertad, presentó a principios de los años 60 un programa de radio que daría lugar a lanueva ola, un estilo de pop mezclado contwist,beat yrock que tuvo gran popularidad enLatinoamérica yEuropa. El término provino delnouvelle vague del cine francés. En los estudios de la emisora transmitían varios artistas, que si bien no eran bien remuneradas, el medio les permitió hacerse conocer y llegar a tener cierta popularidad al presentarse en los clubes de barrio los fines de semana. Se sumaron al programaJohny Tedesco, Lalo Fransen, Los Pick Ups, Ricky Montana, Joe Twist, Gasparino —luego Indio Gasparino y más tardeFacundo Cabral—, Danny Palma (que grabó en Odeón una versión en español de "Muñeca rota", éxito de Johnny Halliday),Raúl Lavié (cantando en castellano éxitos dePaul Anka), Jolly Land, Los Jets y el dúo Los Novarro (de donde surgiría años después el solista Chico Novarro), entre otros. El actor y comedianteDino Ramos compuso junto conRamón Ortega un rock que al ver su éxito y el potencial de un público juvenil, convenció a los dirigentes de Canal 11 de hacer un programa que se dirigiera a ese público, así se gestóRitmo y juventud, que más tarde sería conocido comoLa cantina de la guardia nueva, que se transmitía los domingos de 19:30 a 20:30 hs. La multinacional RCA-Victor terminó por presionar para sacar a sus artistas del programa, por lo que Dino Ramos los reemplazó con otros de lanueva ola como Johnny Carel, Jerry y los HI-FI; Pablo Danielo, Ricardo Roda, Jim & Jerry (uno de ellos era Juan Marcelo), Danny Palma, Chicote López, Los Tammys, Ricky Montana, Beto Espinosa, Roxana, Donald y Juan Ramón (quién cantaba los recientes éxitos que surgían en Francia, Italia o Estados Unidos). Fue también un punto de resistencia a una multinacional como RCA-Victor, la fuerza de la discográfica CBS que se apoyó en Sandro y lograron promocionarlo, inclusive, sacando una películaConvención de vagabundos conUbaldo Martínez dondeel gitano desplegaba sus habilidades musicales cantando una versión en castellano de "Rit Up" deLittle Richard.^[25]​

Comandados por el ecuatorianoRicardo Mejía, este armó un programa de televisión que tuvo una gran importancia en la escena musical hispanoamericana:El Club del Clan, los sábados a las 20:30 hs. Formaron parte de su programa diversos artistas que venían de bandas de rock and roll y que adoptaron seudónimos, vestuarios y personalidades propias:Johnny Tedesco,Nicky Jones,Lalo Fransen,Raúl Lavié,Chico Novarro,Rocky Pontoni,Galo Cárdenas,Perico Gómez,Horacio Molina,Raúl Cobián bajo el seudónimo deTanguito (sin relación con quien más tarde también se lo conoció comoTanguito, cuyo nombre real era José Alberto Iglesias),Pino Valenti yPalito Ortega, y entre las mujeresJolly Land,Violeta Rivas yCachita Galán. Apoyados gracias a este programa televisivo, tuvo gran repercusión el grupoLos Red Caps, probablemente la primeradream band osupergrupo en la música argentina moderna, formada porJohnny Tedesco,Lalo Fransen,Nicky Jones yPalito Ortega. Una de las claves del éxito deEl Club del Clan fue su estrategia de venta, sus LP recopilatorios, que en verdad costaban $626, eran vendidos a $160 y así todos los hogares conocían a los artistas.^[25]​

Por problemas de negocios, el programa terminó y su sucesor donde fueron los artistas fueSábados continuados enCanal 9. Aparecieron también competidores que no llegaron a los mismos niveles de popularidad que elClub del Clan, programas comoAquí... la juventud, conducido porJulio Vivar enCanal 13 (programa en el que había hecho su debut televisivo, en 1962,Sandro junto aLos de Fuego), o el ya mencionadoRitmo y Juventud que era apoyado por la discográfica Dis-Jockey y donde estaban Chicote López, Chiquita Saldi, Haydée Warren, Eduardo, Ricardo Roda, Chico Miranda, Tony Vilar, Ricky y Los Solitarios, Los Wonderfulls, Los Five Rockers, Los Flamantes, The Lonely Boys, Los Jaque Mate, Sósimo y los Demonios, Tony Maara,Juan Ramón (uno de los que sobresalieron, apareciendo en películas comoEl galleguito de la cara sucia). Por su parte, CBS promocionaba a una nueva estrella para competir conPalito Ortega en el rol dechico común, se trataba de Leopoldo Dante Tévez, natural de Atamisqui, un pueblo de Santiago del Estero, se lo conoció con el seudónimo deLeo Dan. CBS también lanzó otros cantantes de perfil más humilde como Larry Moreno y Yaco Monti.^[25]​

Con el paso del tiempo se produjo un repudio generalizo contra el Club del Clan y todo lo que representaba, nació el término de "música complaciente" para calificar la propuesta "popera" (es decir, relativa al género pop) carente de todo compromiso ideológico.Daniel Colao yRafael Abud en declaraciones a la revistaRock Superstar en 1978, hacían un análisis atribuyendo el ánimo despreocupado de lanueva ola yEl Club del Clan a que en ese tiempo se suponía que existía un buen pasar económico deArgentina. Ediciones mal intencionadas de este artículo han reproducido citas totalmente descontextualizadas para probar una supuesta complicidad entre "sistema" y el show televisivo. Pero los autores solo buscaban probar que las letras del Clan hablaban de temas cotidianos, como el servicio militar pero también el hogar.

Si bien El Club del Clan y aledaños fueron la máxima representación del pop, justamente este hecho hizo que lo popular fuera calificado demersa. Con el tiempo, comenzaron a dividirse los gustos entre lo nacional y lo extranjero. Labeatlemania estaba llegando y los jóvenes que no se sentían Identificados por el tipo de temática despreocupada comenzaron a calificar esta música como "complaciente". Sin embargo, no por nada tuvo la popularidad que tuvo. Era un época de bonanza económica y los jóvenes no se preocupaban más que por salir y bailar. No es que los temas no fueran los que eternamente preocupaban a la juventud sino que los matices eran diferentes como lo son en diferentes épocas.^[25]​

La desilusión amorosa: "Y ese amor que hasta ayer nos quemaba, hoy el hastío ya le dio sabor a nada" ("Sabor a nada" - Palito Ortega).^[25]​

El hogar: "Mirando en el mapa veo montañas y ríos y mil caminos que pasan, pero mi pueblo y mi casa ¡ay caramba! no figuran en el mapa". ("El mapa" - Palito Ortega).^[25]​La escuela: 'De qué me sirve el latín, no sé, no sé; quisiera saber qué puedo decir mejor en latín que en mi lengua natal, si a mi me gusta más eltwist que el latín'. "De qué me sirve el latin" - Violeta Rivas.^[25]​La familia: "Qué suerte que tengo una madre tan buena, que siempre vigila mi ropa y mi cena: qué suerte mi padre callado y sereno, qué suerte el amor, qué suerte la escuela, qué suerte escuchar la voz de la abuela". ("Qué suerte" - Violeta Rivas).^[25]​

El servicio militar: "Aprovecha a bailar que te van a pelar. Ya cumpliste los 20, ni cuenta te has dado, muchacho ten presente que ya eres soldado". ("Twist del recluta" - Palito Ortega y los Red Caps).^[25]​

Citados por Daniel Colao y Rafael Abud.

En décadas posteriores, llegó a acusarse alClub del Clan por "complaciente" hacía la dictadura del generalJuan Carlos Onganía, llegando a ser acusado de querer imponer un estilo de vida "sumiso" a la juventud.^[26]​ Esta acusación es desacabellada toda vez que el dictador Onganía comenzó a gobernar desde junio de 1966, fecha en la cual el Club del Clan ya no existía.^[27]​ La música juvenil de la época solía criticar al colegio o al menos referirse a él de forma humorística, sin que eso haya suscitado acusaciones que vean intenciones encubiertas. Es el caso deSchool Days deChuck Berry,^[28]​Sacre Charlemagne deFrance Gall,^[29]​Pitagora deAdriano Celentano,^[30]​Laisse tomber les filles de la ya mencionada Gall,^[31]​ o "Matemáticas" de Los Teen Agers^[32]​ y "Banco de Colegio" de Los Tammys.^[33]​ Los dos últimos temas son otras canciones de rock en español compuestas por bandas argentinas previas a 1967.

En 1960, simultáneamente con el inicio del fenómeno comercial de la Nueva Ola y elClub del Clan, un grupo de jóvenes de los suburbios industriales del sur de la ciudad de Buenos Aires, creaban una banda de rock and roll llamada Los Caniches de Oklahoma. Entre sus integrantes, como guitarrista, se encontraba Roberto Sánchez, quien se hacía llamarSandro. Sandro era el guitarrista líder y también era vocalista. El grupo se completaba con Héctor Centurión (bajo), Armando “Cacho” Quiroga (batería), Miguel “Lito” Vázquez (guitarra rítmica) y Carlos Ojeda (piano y percusión); luego formarían parte de él Enrique Irigoytía (guitarra rítmica) y Juan José Sandri (guitarra). Un año después cambiaban el nombre porLos de Fuego.

Los de Fuego fue para algunos historiadores la primera banda argentina que reunía todas las características clásicas del rock and roll, aunque esto lleva a despreciar a las innumerables bandas de rock contemporáneas a ellos o anteriores. Sin bien la mayoría de sus temas erancoversen español de los hits roqueros en Estados Unidos y Gran Bretaña (al estilo de las bandas mexicanas de entonces), también incluyeron temas de rock propios, lo cual era común en los grupos de la época tal como se ha visto antes en el artículo. El primero fue "Comiendo rosquitas calientes en el Puente Alsina", de Sandro, que grabaron en un demo en 1960 (candidato a primer rock argentino) y luego le siguieron otros como "Peggy Peggy", "No Puedo Esperarte Más Nena", "Pintados Por Dios", "El trovador", "Confíate a Mí", "Solo y sin ti", "Muchacho de la Cara Triste", "Johnny", "Compañero de Tu Amor", "Sigue Llamando Nena", Como Caja de Música", "Quiero Que Me Digas", "Queda poco tiempo", "Con Los Ojos del Recuerdo", y "Ave de Paso", compuestos por Sandro. Varios de estos temas no fueron grabados conLos de Fuego, sino con el Black Combo.^[34]​

Los de Fuego —ySandro en particular—, habían seguido una trayectoria artística completamente diferente de la delClub del Clan, tocando en bares y bailes suburbanos, por poco dinero y hasta el amanecer, ganando un espacio popular para el rock and roll. Aunque esta afirmación debe ser relativizada, ya que también tocaban en programas televisivos comoSábados Continuados, o aparecían en fotonovelas y otros recursos típicos de la promoción musical de la época.^[34]​ Sus grabaciones fueron escasas, realizando gran cantidad de actuaciones en vivo, con temas deJohnny Burnette como "El tren sigue andando" o "Gastate el Sueldo en Rock And Roll" (versión en español deRip It Up deLittle Richard, a veces citada erróneamente como Ha Vuelto el Rock And Roll). Estas canciones son mencionadas en el booklet reediciones de Sony de 1998, pero no han sido encontradas nunca. La versión deRip It Up sí fue grabado en parte en el filmeConvención de Vagabundos.^[34]​

El propio Sandro reflexionaba años después sobre su inicio en la música:

Yo me nutrí con el rock. Gracias al rock dejé las calles, las navajas y las cadenas, y agarré una guitarra. Dejé la campera de cuero y las pandillas. El rock me salvó. Me salvó de que fuera quizás un delincuente.^[35]​

En 1963 de la mano del representante artístico Mario Naón, Sandro y Los de Fuego realizaron una prueba de grabación en los estudios de Columbia con "Hay mucha agitación", cover de "Whole Lotta Shakin' Goin' On" deJerry Lee Lewis y que en la versión castellana en la voz de Sandro le valió el contrato con la grabadora. Aunque la grabadora solo se interesó en Sandro sin el conjunto y sería acompañado musicalmente por José Carli como Milo y su conjunto. Su primer sencillo erancovers de clásicos internacionales. DePaul Anka grabó "A esto le llamas amor", en versión castellana deBen Molar; y deElvis Presley hizo "Devil in Disguise", en versión castellana de Félix Villa. Su primer doblePresentando a Sandro, con temas en castellano como "Polka Rock" de Alejandro Chamica, y su primera balada "Dulce", también de Alejandro Chamica. Este era el pseudónimo empleado por los músicos argentinos Abraham Loiterstein y Micaela Cabrera^[34]​

En 1964Sandro y Los de Fuego grabaronsu primer álbum,^[36]​ que lleva como título el nombre del grupo, incluyendo "Te conseguiré", "Anochecer de un día agitado" (Beatles), "My Bonnie", "El dinero no puede comprarme amor (Beatles)", con letras en español traducidas porBen Molar,^[37]​ convirtiéndose en uno de los grupos de mayor éxito comercial del momento. Este álbum ha sido considerado histórico, un eslabón de importancia en la evolución del rock en la Argentina, que también contenía tres temas propios en castellano (Peggy Peggy, el beat No Puedo Esperarte Más Nena y Pintados Por DIos).

Sandro desarrolló un estilo de canto "convulsivo" y movimientos de significación sexual, evidentemente derivados de Elvis, pero que adquirieron características completamente personales y que fue principalmente dirigido como un acto constante de seducción hacia las mujeres. Este estilo sexual irreverente tuvo un efecto arrasador sobre las jóvenes argentinas en particular e iberoamericanas en general (donde curiosamente más incidencia tenía la prédica sexualmente restrictiva de laIglesia católica), sobre todo aquellas pertenecientes a los sectores más populares. Las fanáticas de Sandro ("sus nenas") llegaron a ser tan importantes como él mismo, devolviendo en sus presentaciones un clima de desenfreno y sexualidad, entre las que se volvió un clásico entregarle sus bombachas (bragas). Para la época, el mensaje de Sandro resultaba un revulsivo radical contra lasnormas morales establecidas sobre lavirginidad de las mujeres y lasrelaciones prematrimoniales, férreamente establecidas en todaIberoamérica.

Cuando hago los movimientos sensuales en el escenario siento que abajo, en la platea, deben de haber 450.000 ratones corriendo carreras. ¿Qué miran esas chicas? ¿Qué necesidades tienen? ¿Qué vacíos? Me intrigan. (Sandro, 2006)^[38]​

Desde fines de la década del 60 Sandro viró su estilo musical para ser uno de los principales desarrolladores de labalada romántica latinoamericana (aunque manteniendo muchas características del rock en su temática de desenfreno sexual y en ciertos arreglos musicales) que lo llevaría a una fama sin precedentes en todo el continente

AnteriormenteLos TNT oriundos de Uruguay gracias a su estilo de rock and roll adolescente y enérgico, habían cosechado el suficiente éxito a fines de los años 50 y principios de los 60 a tal punto de llegar a probar suerte en Europa. Su éxito les permitió expandir su carrera enEspaña, por lo que se fueron de la escena local. Pero aquella experiencia había mostrado que las bandas uruguayas podían llegar a coparArgentina. Como los mexicanos, que copiaban a los primeros artistas norteamericanos, los uruguayos lo hacían con los británicos.^[11]​

En 1964 al igual que en el resto del mundo el fenómenoThe Beatles tuvo una fuerte repercusión en la Argentina. El rock internacional empalmó con una generación (nacida aproximadamente entre 1945 y 1960), politizada y movilizada a través de organizaciones estudiantiles y sindicales, que comenzaba a enfrentarse en la calle a lasdictaduras militares (sobre todoa partir de 1966), con una activa participación de los jóvenes, tanto varones como mujeres, de la extensa clase media del país.^[39]​Esa generación simbolizó su identidad con el rock y larevolución sexual, que opusieron como ruptura radical altango y a ladoble moralmachista de sus padres.^[40]​

The Beatles comenzaban a remontar gran popularidad en el país, además de su música, su estética y sus desafiantes peinados tildados frecuentemente de "melenudos. La discográfica EMI-Odeón en su LP compiladoEl monstruo despierta los llamabaLos Grillos. Cuando en 1964 Canal 9 anunció la venida del grupo a la Argentina, una multitud juvenil fue a recibirlos al aeropuerto de Ezeiza y la transmisión televisiva llegó a 63 puntos de ráting, para encontrarse con la sorpresa de que no eranThe Beatles, sino The Beetles (también llamados The American Beetles), una banda americana creada para explotar el éxito de los de Liverpool. Pese a ello el grupo estadounidense desencadenó una euforia masiva equivalente a la que podrían haber desencadenado John, Paul, George y Ringo, tocaron en varios teatros y realizaron un recital en el microestadio de Huracán.^[41]​The Beatles en Argentina al igual que en varias partes del mundo fueron una sensación popular muy grande, y se terminaron de imponer, abriendo la puerta a la llegada de discos de otras bandas británicas comoThe Rolling Stones yDave Clark Five, y a la moda de los flequillos, las camisas rosadas, las botitas y los pantalones ajustados. Estas bandas fueron tan influyentes como la ola derock & roll clásico estadounidense, tanto para el gusto juvenil inicial por el rock & roll internacional como para el surgimiento del merseybeat argentino en español.^[42]​^[43]​^[44]​^[45]​^[46]​^[45]​

Pero fueron las notables «invasiones uruguayas» entre 1964 a 1965 las que contribuyeron decisivamente en Argentina para que se comenzara a tocar música beat en el país, con sus imitaciones inspiradas en el nuevo rock británico. Tres bandas,Los Shakers,Los Mockers y Kano y Los Buldogs^[47]​ tomaron el estilo deThe Beatles yThe Rolling Stones, respectivamente, cantando en inglés y así pasaron aBuenos Aires cuyo mercado era infinitamente superior al de su país.

A mediados de los años sesenta y durante pleno auge de la invasión británica, las bandasbeat uruguayas alcanzaron cierta popularidad enSudamérica.^[48]​ De entre todos los grupos uruguayos,Los Shakers se destacaron en particular. Si bien eran un grupo beat inspirado abiertamente enThe Beatles su sonido se destacó con un estilo propio, una notable calidad musical en sus interpretaciones y originalidad en muchas de sus composiciones.^[49]​Los Shakers comenzaron a presentarse en vivo en muchos programas de televisión de Uruguay, Argentina y otros países sudamericanos. Finalmente se asentaron en Buenos Aires, donde vivían en hoteles realizando una cantidad importante de conciertos cada semana para darse a conocer hasta lanzar su primer sencillo, «Rompan todo» («Break It All») en 1965 que sería un gran éxito. A diferencia de muchos grupos similares de la época,Los Shakers contaban con material completamente propio, cantado en inglés y ocasionalmente en español.

En la segunda mitad de los 60, apareció la llamada música beat en Argentina enrolando tanto a grupos que cantaban en inglés como los que preferían el español. La gran mayoría de los jóvenes músicos que con el tiempo fueron considerados pioneros del rock nacional provenían de esta movida, que pese a lo afirmado por la historiografía tenía raíces en el viejo rock and roll.Luis Alberto Spinetta dio sus primeros pasos con su grupo The Hammers, un conjunto similar aLos Teen Tops y vestidos como el protagonista de la serie de televisiónMike Hammer.^[11]​ Del mismo modo, en 1963 enRosario se habían formado los Wild Cats, una banda con influencias aElvis Presley, pero en 1964 su cantante tuvo que abandonar el grupo para hacer elservicio militar obligatorio, por lo que en su reemplazo trajeron aLitto Nebbia, de apenas quince años de edad. Pese a su temprana edad Nebbia era compositor y con su incorporación pasó a llamarseLos Gatos Salvajes.

Hacia 1965 el beat experimentó un rápido desarrollo en Argentina con la aparición de numerosas agrupaciones tales como:The Seasons conCarlos Mellino yAlejandro Medina, Los Vip's grupo deCharly Leroy,Los In, banda deFrancis Smith y Amadeo Álvarez que interpretaba algunos temas propios, Sam & Dan (dúo de laRCA que entraría con el nuevo sello "VIK La Nueva Generación"), Los Bestias (antecedente deLos Blue Men), Los Bishops y su continuación Los Jerks (célebres por interpretar un cover deYou Really Got Me, deThe Kinks, con una primera formación que incluía a Félix Pando e Hiacho Lezica, futuros miembros deLa Joven Guardia, junto al guitarrista Richard Mochulske, que después formaríaAlta Tensión conHéctor Starc yVitico Bereciartúa)^[21]​, The Snakes y su continuación The Knacks (que llegaron a grabar un simple con dos covers deThe Beatles:"Submarino Amarillo/Madera Noruega"), Los Interrogantes, Telmo y Los Stones (más apegado al sonido clásico de los cincuenta con un imitador deElvis como cantante), Los Comanches, el Cuarteto Sir John,Billy Bond (seudónimo del italiano Luciano Canterini, quien se presentaba acompañado por el Lew Cuarteto -del guitarrista Roberto Lew- o por el Gamba Trío -del guitarrista Juan “Gamba” Gentillini-), los Larkins (cuyo integrante más conocido actualmente seríaLuis Alberto Spinetta) y muchos otros que solían presentarse en el programaLa Escala Musical, competencia delClub del Clan. Sam y Dan yBilly Bond cantaban en español, aunque a veces también recurrían al inglés. El resto de los grupos también poseía composiciones propias aunque cantaran en inglés.

LosGatos Salvajes también fueron parte de esa generación, alcanzando repercusión gracias a la promoción de su compañía discográficaMusic Hall, que les dio apoyo logístico y económico y les consiguió presentaciones en programas y multitud de fiestas. En 1965 grabaron su álbum debut con influencias de bandas modernas de los años 60 comoThe Rolling Stones yThe Kinks, y que incluía el éxito "Bajo la rambla", una versión de "Under the boardwalk" deThe Drifters que también fue un éxito en la músicamainstream argentina de la época. Su disco debut poseía nueve temas propios en español, un instrumental propio y dos covers de los cuales uno solo estaba cantado en inglés. En 1966, el selloMusic Hall editó el EPGatos vs. Mosquitas, conteniendo dos canciones propias deLos Gatos Salvajes (“¿Quién vendrá por mí?” y “Ruta a go-go”); y dos covers interpretados por un grupo enteramente femenino:Las Mosquitas: “Simplemente no” (de los españolesDúo Dinámico) y “Ayer” (versión en castellano delYesterday de losBeatles).

Pero sería en la escenaunderground deBuenos Aires donde las piezas fundamentales del rock argentino de fines de los 60 comenzaron a emerger. Un reducido grupo de roqueros comenzó a encontrarse en espacios como "La Cueva", un local musical nocturno ubicado en Pueyrredón 1723, que fue un club de jazz hasta 1964, cuandoBilly Bond convenció a su dueño de empezar a dar recitales de rock.^[50]​Bond se convirtió en administrador de "La Cueva" y lo convirtió en el centro de la movida roquera hasta que fue clausurado por el comisarioLuis Margaride como parte de la campaña de «moralidad» que dirigía durante ladictadura de Onganía.^[51]​ Estaba cercano aPlaza Francia, el Auditorio delInstituto Di Tella (Florida al 900) y bares que no cerraban durante la madrugada como la legendariapizzería "La Perla" deplaza Once, donde terminaban la noche los autodenominados "náufragos" de "La Cueva". Pipo Lernoud recordó el ambiente de ese lugar por esos años: "En ese lugar [porLa Perla]se armaba una cosa muy caliente. Todo el mundo traía su cuadernito, su libretita, sus papelitos donde tenía anotado algo: una canción o una frase que había leído. No era que nos sentábamos y nos quedábamos callados. Era todo el tiempo divague, conversar y mostrar lo que teníamos escrito".^[50]​

Es en ese pequeño núcleo geográfico que comenzó a gestarse una movida de jóvenes hippies y roqueros, comoMoris,Pajarito Zaguri,Javier Martínez, losuruguayosHugo Fattoruso y su hermanoOsvaldo,Claudio Gabis,Pappo Napolitano,Carlos Mellino,Alejandro Medina, Daniel Irigoyen (Los Mentales) y losbonaerensesMiguel Abuelo yTanguito, así como los poetasPipo Lernoud yMiguel Grinberg, quienes se juntaban no sólo a hacer música sino también a intercambiar ideas. Estos estaban también fuertemente influenciados por la música de autores y bandas comoThe Beatles,The Rolling Stones,Bob Dylan,Joan Báez,Jimi Hendrix,Crosby, Stills, Nash & Young yFrank Zappa.^[52]​ Junto al sonido beat embrionario, que de a poco se iba tornando más complejo, comenzaban a desarrollar una filosofía y una actitud de vida que iba más allá de la música, y que en su argot se traducía como "naufragar":

El corazón, el espíritu de la movida no era intelectual, era musical, divagante... El naufragio creativo...
Lo que pasa es que había una diferencia entre nosotros y las generaciones anteriores, los intelectuales, los artistas plásticos, los poetas y periodistasbeatniks argentinos: Nosotros no queríamos juntarnos un par de horas a conversar en un café, queríamos vivir las veinticuatro horas. La vida libre era la obra de arte. Vivir la vida sin ataduras y descubriendo la belleza del mundo. ¡Mirá qué propuesta!
Porque... ¿Qué es el naufragio? Es llevar la charla, la creatividad, la amistad y el amor hasta el fondo. No aceptar horarios que corten las ganas de inventar o de estar juntos. Eso era lo que nos proponíamos, que después en muchos casos derivó en un delirio incontrolable. Pero había que probar. (Pedro Pujó)^[53]​

Esta pequeña movida roquera -que la revistaPrimera Plana estimaba en no más de 200 personas-^[54]​ tuvo su primer contacto con las vanguardias artísticas delInstituto Di Tella en el mes de julio de 1968 con la exposiciónImportación-Exportación: Lo más nuevo en Buenos Aires, deMarta Minujin. Según recuerdos de la misma:"Al entrar, cada persona era cubierta por una enigmática luz negra que descubría dibujos fosforescentes en el piso, mientras en el aire se escuchaban temas deJimi Hendrix,Cream,Grateful Dead,Jefferson Airplane yCountry Joe and the Fish. Pasando a otra sala, aparecían luces y figuras creadas por diapositivas y un reflector de aceite de colores. En otra área, con paredes recubiertas en aluminio, estaba la novedosa lámpara estroboscópica. Y atravesando una puerta asomaban el vaho a incienso, música deRavi Shankar y una explosión de revistas, discos y artesanías". A partir de ese momento y del interés que esto produjo en los jóvenes músicos locales, el incipiente rock nacional tuvo la entrada franqueada en esa institución:"Ese mismo invierno,Roberto Villanueva preparó la obra de teatroUbú encadenado, deAlfred Jarry, en el Di Tella, con música deCarlos Cutaia. En la Sala Payró, los hermanos Fattoruso y los integrantes deLos Gatos presentaron un show que bautizaron Canciones para argentinos jóvenes. Los sábados a la mañana,Víctor “Vitico” Bereciartúa daba clases de rock, con material que le traían unas amigas azafatas. Y a partir de fin de año sonó en vivo en el Di Tella la música deManal yAlmendra"^[55]​

Los Beatniks, grupo del cual Moris, Zaguri y Martínez eran miembros grabaron algunos de los primeros temas de beat en español con temática de protesta. Formados enVilla Gesell, una playa de la costa atlántica, grabaron en 1966 el sencillo "Rebelde" con "No finjas más", considerado incorrectamente el primer corte de difusión de rock argentino;^[56]​ pues el rock en castellano existía desde 1956. Este sencillo no tuvo mucha repercusión, y se llegaron a vender solo 200 copias.

El 3 de julio de 1967 se lanzó el sencillo «La balsa» de la bandaLos Gatos, abriendo una nueva era en la historia del rock argentino. «La balsa» había sido iniciada en la madrugada del 2 de mayo de 1967 porTanguito (José Alberto Iglesias) en el baño de caballeros de la barLa Perla del Once, quien se la pasó aLitto Nebbia para que termine la canción.Nebbia se basó para ello en una secuencia armónica emparentada con el gran hit de labossa nova “Garota de Ipanema”^[57]​ y con su grabación porLos Gatos se convirtió en un fenómeno que arrasó con toda la escena tal y como se conocía hasta ese entonces. El sencillo obtuvo un éxito descomunal que shockeó a propios y extraños: vendió 250.000 copias.

El éxito de «La balsa» instaló un nuevo modelo de hacer canciones en la escena del rock argentino: cantadas enespañol en lugar de eninglés, composiciones originales en lugar decovers, con inclusión de elementos argentinos como sujerga, y con temáticas relacionadas con ideologíascontraculturales. Para el grupo de jóvenes más influidos por el ambiente intelectual, la bohemia y la contracultura, este nuevo estilo entraba en contradicción contra la escena beat de la que provenían Los Gatos. A partir de ese momento, las ansias de diferenciarse de la misma, llevaron a adoptar posturas inflexibles con el objeto de delimitar los dominios supuestamente antagónicos de la "música complaciente" y la "música progresiva", aunque las diferencias musicales no solían ser tan claras y tajantes como pregonaban los nuevos medios.

A partir de la creación de esa nueva escena, también empezaron a establecerse diferencias entre la mismamúsica beat: los seguidores de su ala contracultural comenzaron a llamar despectivamente como"música complaciente" al otro ala de la música beat, que tenía canciones sin compromisos ideológicos. El mayor exponente de esta corriente, en esa época, eranLos Náufragos, quienes en 1968 lograron que en el selloCBS les grabara su primersimple,"La Leyenda de Xanadú", que incluía como lado B el primer tema compuesto porTanguito, el mismo coautor de "La Balsa", llamado "Sutilmente a Susana". Para el segundo simple ("Eloise /Vuelvo a Naufragar"), el grupo incorpora como productor y luego figura clave aFrancis Smith, quien más tarde se convertiría en uno de los mayores autores depoprock. Con su guía,Los Náufragos llegaron a producir a principios de los años setenta una saga de éxitos de relevancia inusitada en todaIberoamérica, hasta tal punto que en el año 1973 la revistaCashbox menciona aLos Náufragos como el grupo que más simples en español había vendido en elmundo en toda la historia. Su siguiente éxito fue«Otra vez en la Vía«; que sería el título de su primer LP de 1969. Éste incluía seis canciones compuestas porPajarito Zaguri, otro de los habitués de La Cueva, y pese a las críticas, varias de sus letras -Cómo viene la mano,Hoy un plato volador- trataban los mismos temas que las deLos Gatos y reflejaban por igual la ideología del joven movimiento roquero mientras que enHippies y todo el circo, lamentaban la rivalidad entre las distintas "tribus" de los jóvenes porteños. El escritor Jorge Dossi, autor de un ensayo sobre cantautores de rock nacional de los años setenta, resalta estas letras: "Los Náufragos –con la integración dePajarito Zaguri- no se quedan atrás con temas comoTendría que insistir,Brillan las estrellas oHippies y todo el circo, al generar canciones que bucean en una poética que no descuida la mirada sobre el cotidiano, muy a pesar del bombardeo sistemático de sus éxitos más rutilantes".^[58]​ En ese primer disco, su sonido, conducido por el inimitable sonido delórgano Hammond, resultaba totalmente en sintonía con el pop psicodélico que en ese mismo momento triunfaba en Europa, aunque a partir de ese momento, y ya consolidadoFrancis Smith como su compositor principal, perderían ese componente psicodélico para abrazar un pop bailable mucho más comercial, como en sus hits «Zapatos Rotos» y «De Boliche en Boliche».

El mismo autor cita el ejemplo de otra banda que, por un tiempo, abarcaba sin contradicciones ambas escenas, la del beat y la del rock, hasta ser defenestrada por la crítica: "Otro caso notable es el deSéptima Brigada, cuyas canciones más renombradas -Paco Camorra oJuan Camelo- desplazan (ocultan) la escucha de otras comoSeñor Brujo con inocultables influencias delSantana deBlack Magic Woman,Sureña y Solitaria, cuya rica instrumentación permite considerarla uno de los primeros ejercicios de rock progresivo en la Argentina oMis penas sobre la quena, calificada comolatinsoul en la que se destacan el guitarrista Jorge Montes, quien años más tarde formaríaMontes Mahatma; Juan Rodriguez que se integraría aSui Generis y Diego Chamorro, participe en una de las varias formaciones deLa Joven Guardia".^[58]​

Otra de las grandes bandas de la era beat que sufrió el mismo destino fueFormación 2000, quienes grababan versiones covers en inglés de los éxitos del rock anglosajón del momento, pero al mismo tiempo componían canciones en castellano en un tono de pop psicodélico de altísima calidad. La instrumentación no sólo era sobresaliente, sino que se adelantaba a su época con detalles nunca vistos en el rock nacional, como el doble bombo implementado ya desde fines de los sesenta por su baterista Juan Espósito.^[59]​ Ya en su primer simple, en 1969, mostraban esa doble cara: en el lado A,Orgullosa Mary (cover delProud Mary deCreedence Clearwater Revival) acompañada en el lado B por la bellísimaMañana será. Ese mismo año editan el que sería su único longplay,El Mundo al Revés, con un sonido impecable. Incluía dos covers deCreedence,Orgullosa Mary yAl salir la luna (su versión deBad Moon Rising) y uno del éxito de losRolling Stones,Susie Q. Pero el resto de las composiciones eran propias. La que le terminó dando nombre al álbum es un ejercicio de country rock con violín como instrumento líder y una clara influencia deCreedence. La letra de la canción, al igual queEl Extraño de Pelo Largo deLa Joven Guardia, o queHippies y todo el circo deLos Náufagos representaba una protesta hacia los prejuicios a los que se veían sometidos los jóvenes de pelo largo. También había notables momentos de psicodelia barroca e influencias británicas comoEl Castillo del Rey Sol.^[60]​Lamentablemente, y pese a la extraordinaria calidad del material propio, el solo hecho de incluir covers terminaron marginando aFormación 2000 de la categoría de "progresiva" para la prensa del momento. Vilipendiados como "complacientes", terminaron separándose poco después de la edición del disco y quedaron en el olvido. Ya en 1971, dos de sus integrantes -el baterista Juan “Locomotora” Espósito y el tecladista Luis Valenti- se unirían aEl Reloj, banda pionera del hard rock progresivo en la Argentina.

No fueron sólo ejemplos aislados. Con el tiempo, toda la actividad pop-rock en Argentina previa a «La balsa», así como la escena beat de principios de los años setenta, pasaron a ser negadas, menospreciadas o tildada de"no ser verdaderamente rock argentino". Esta visión se trasladó incluso a los trabajos académicos y formales, como los libros de la historia del rock argentino que salieron a lo largo de las décadas siguientes: todos comienzan sus cronologías en los años '60. Solo a partir de los años 2010 surgió una nueva camada de historiadores del rock argentino que empezaron a cuestionar a los historiadores clásicos, investigando y publicando acerca de toda la actividad de rock en Argentina pre-«La balsa».

Sin embargo, fue fundamental el éxito que tuvo la música beat en el público joven, ya que dio lugar a que la discográfica CBS, la principal promotora de este género, venciera a su rival RCA que hasta entonces había dominado la industria musical argentina.La Joven Guardia llegó a encarnar, en 1970, el auge de la música beat con su éxito "El extraño de pelo largo", que llevaría a que con ese nombre se hiciera en 1970 una película y conLito Nebbia actuando en ella, teatralizando la llegada deLos Gatos Salvajes de Rosario a Buenos Aires. En la película,Los Gatos comparten cartel con bandas beat como Trocha Angosta,La Joven Guardia, Conexión n.º 5,Pintura Fresca y también con el dúoPedro y Pablo, pioneros del folk rock de protesta, que por entonces acababan de editar su primer simple: "Yo vivo en esta ciudad / Los caminos que no sigue nadie". La canción que ocupaba el lado A -y que daría nombre al primer disco del dúo-, retrataba el mismo tema central de la película "El Extraño de pelo largo", esto es, las complicaciones que tenían los jóvenes "modernos" de Buenos Aires para vestirse con la ropa significativa de la moda pop (desde el pelo largo para los varones hasta las minifaldas para las mujeres):“Yo adoro a mi ciudad/ aunque me acuse de loco y de mersa/ Aunque guadañen mi pelo a la fuerza/ en un coiffeur de seccional.”^[57]​La Joven Guardia, por su parte, continuó el éxito del simple con unlong play de igual nombre, que contenía composiciones y arreglos de enorme calidad. Se permitían, como losBeatles enLucy in the Sky with Diamonds, hacer un guiño al movimiento psicodélico titulando una canción con un acrónimo deLSD ("Locos, santos, diablos"), y hasta cerrar el disco en plan conceptual, narrando la muerte del Extraño que le daba título, "víctima de la crueldad de la sociedad", asesinado por la policía, según la interpretación hecha por el mismo autor.^[61]​ Según Mario Antonelli:"Tiene muchas referencias alÁlbum Blanco beatle. "Motores de pastel" espop psicodélico con orquesta (Rodolfo Alchourrón) de gran nivel. "Después de la tormenta" sea quizás la mejor canción de Pando, con una coda que recuerda aWhile my guitar gently weeps...Roque se destaca como un guitarrísta ácido... (es un temprano guitar hero poco reconocido). La base rítmica deLa Joven Guardia es implacable, otra de las claves del grupo, que a diferencia de sus contemporáneos, en vivo SONABA. "En el pueblo de San Esteban" es una broma a Roque (un joven country boy), cantada por Hiacho -otra humorada con referencia beatle. LSD es "Loco, santo, diablo". "Otoño" es una preciosa balada de Narvaja, muyálbum blanco. La muerte del extraño hasta le da un toque conceptual, muySargent Pepper...".^[62]​

Del mismo modo, el siguiente éxito deLa Joven Guardia "La extraña de las botas rosas" también tuvo mucha repercusión cuando fue usada en una publicidad deCoca-Cola filmada enRepública de los Niños. Entre los dos primeros simples, llegaron a vender más de un millón de copias, obteniendo un doble disco de oro.^[63]​ La seguidilla de esos dos hits convirtió aLa Joven Guardia en la banda más popular del momento. Como lo recuerdaBobby Flores: "De “El extraño del pelo largo” a “La extraña de las botas rosas” no hubo más que algunos llamados telefónicos entre empresarios y publicistas. Un riff pegadizo, voces y coros prolijamente producidos, los cuatro tocaban bien:Roque Narvaja voz y guitarras, Hiacho Lezica en batería, Enrique Masllorens era el bajista y Félix Pando gran tecladista, se las arreglaban para tener un sonido bien definido e inimitable. Y la poesía de suburbio acomodado, tan bella y valiosa como la deManal oAlmendra. Hablaban de otras cosas en el mismo idioma".^[64]​

Después de estos éxitos,La Joven Guardia incluso siguió el camino de algunos de los músicos progresivos, al optar por la radicalización política. El cantanteRoque Narvaja y el bajista Enrique Masllorens habían comenzado a militar en agrupaciones de izquierda y sus letras comenzaban a alejarse de la candidez inicial para adoptar un tono de denuncia social, como ‘Fuerza para vivir' y la increíblemente explícita -para la época- ‘Los corderos engañados’. En ésta, además de agregar una guitarra distorsionada y un solo de batería,Narvaja cantaba:“Vino el águila del Norte a atender el bar / con gaseosas y películas sobre Vietnam / somos buenos, dijo el lobo sin pensarlo más /lo engañaba y le enseñaba el signo de la paz. / De vino pronto dormirán / y se hartarán sin reaccionar / el lobo es jefe del lugar / con sus amigos los va a devorar. / Lobos y corderos. / Lobos y corderos. / Lobos y corderos”.^[65]​ Este giro no fue bien tomado por el público, ni tampoco por los otros integrantes de la banda, preocupados por el descenso de las ventas. Todo ello motivó que Masllorens la abandonara para formarCuero, una banda más progresiva y pesada, junto a Nacho Smilari y Carlos Calabró. Fue reemplazado porVíctor "Vitico" Bereciartua, con quienLa Joven Guardia volvió a las fuentes beat, obteniendo un nuevo hit con "La Reina de la canción" (1971).^[66]​Tras el éxito de este simple, se edita -con igual nombre- el tercer y último álbum de la banda, en el que ya se alejan del sonido beat para incluir muestras del estilo queRoque Narvaja desarrollaría en su posterior etapa como solista. Canciones como "Tu Libertad", "Dicen Que Te Fuiste A La Montaña" o "Mi Pensamiento" se acercan a la canción psicodélica acústica con apertura al folk latinoamericano y letras comprometidas como las que, desde 1972, darían forma a la carrera solista deRoque Narvaja tras su alejamiento deLa Joven Guardia.^[67]​En palabras de Mario Antonelli:"Vamos al sol cierra el disco notablemente, "Vamos al sol, a delirar de alegría"… nada de oxidarse".^[68]​

Otras bandas de la escena beat eran:Pintura Fresca (quienes alternaban el idioma castellano y el inglés y, en pleno éxito de "El Extraño de Pelo Largo" grabaron un cover en inglés del mismo hit), Industria Nacional (cuyo primer long play,"Hurra para la banda de Industria Nacional" de 1970, traía arreglos del"Chango" Farías Gómez)^[62]​, El Grupo de Gastón (su primer simple,Oasis, cuenta con la guitarra distorsionada deClaudio Gabis),^[69]​ Los Cables Pelados, Los Bárbaros,Los Tíos Queridos,Katunga, Los In (liderados porFrancis Smith), Los Walkers,Piel Tierna, Solvente. En el interior se destacaban Alma Pura, Los Rebeldes y Manteca Rancia (de Santa Fe), Los Brujos (de Paraná), Los Bichos (de Córdoba) y Batallón Mermelada (de Rosario).Mantra fue un raro ejemplo de una banda de laProvincia de Corrientes, que llegó a tener un éxito masivo en Buenos Aires, grabando para el selloMusic Hall éxitos comoSaravah,Trinidad Tobago,Me gusta hacer las cosas,Nos amaremos en cualquier lugar, y tocando en los principales boliches de la noche porteña, entre ellos Mau Mau, Bwana y St. George.^[62]​

Trocha Angosta yBanana fueron otras dos bandas destacadas de esta movida que con el tiempo, a principios de los setenta, evolucionaron hacia las baladas y lo que luego en el mundo se denominósoft rock o rock melódico. Este camino ya había sido iniciado por los uruguayosLos Iracundos, que si bien venían de una época anterior, también eran considerados parte de la movida beat y habían definido las bases del estilo melódico con su clásico de 1968Puerto Montt.

Kano y Los Bull Dogs, banda formada en Montevideo en 1964 pero radicada en Buenos Aires desde 1967 puede ser considerada el nexo entre la "Invasión Uruguaya" y la movida beat con su sonido de baladas psicodélicas. En 1969 llegan al éxito con la canciónSobre un vidrio mojado, incluida en “Los preferidos a la luna”, que sería el compilado de mayor venta en la historia de la RCA Argentina.Sobre un vidrio mojado fue el tema más irradiado del longplay, alcanzando éxito en toda Hispanoamérica.^[70]​ Inmediatamente, la compañía intentó capitalizar este éxito editándoles su primer disco homónimo. El disco se iniciaba conVuelvo a casa, una de las mejores adaptaciones del sonido de la psicodelia californiana al Río de la Plata y continuaba con el ya consagradoSobre un vidrio mojado que abría el paso a otras diez canciones, mayormente baladas, de arreglos preciosistas y grandes climas de ensueño. Sin embargo, tal como le sucedió a otra bandas beat, el primer éxito terminó eclipsando la brillante composición de otras canciones. Letras comoHoy se rieron -todo un manifiesto del modo de vida hippie- fueron ignorados y la prensa terminó tildándolos de "complacientes" por tener un éxito masivo. A diferencia de las bandas porteñas,Kano y los Bulldogs pudo alejarse y continuar su carrera en Montevideo, donde en 1971 editaron, antes de disolverse, un segundo álbum,Carita con carita, en el que las baladas se complementaban con ritmos latinos en estilo más cercano al que en esa época popularizabaSantana (enBáilalo ya) y con pasajes similares al sonido de rock pesado que comenzaba a imponerse en Buenos Aires (La quiero ySe vistió de negro).

Desde los principales medios empezaba a lanzarse esta nueva música beat. Por radio,Modart en la noche con la música deRicardo Kleiman y conducción dePedro Aníbal Mansilla, yMúsica con Thompson y Williams, mientras que por televisión se transmitíaSótano Beat,Alta Tensión yMúsica en Libertad. Los medios también usaban la música beat para la publicidad, como "Verano naranja" deDonald que era usado en una publicidad de la gaseosaCrush, y "Tiritando" que era usada en una publicidad de cigarrillos donde aparecía una niña de 17 años fumando. En ese momento en la música beat no se hacían distinciones entre bandas que tuvieran temáticas ideológicas y las que no. MientrasDonald,Tormenta,Juan y Juan,Sabú,Heleno,Raúl Padovani,Silvestre,Quique Villanueva yCacho Castaña eran catalogados dentro del beat más comercial,Arco Iris yPedro y Pablo, entre otros, a menudo hacían música con mensaje de protesta, lo que les valía la reputación para ser elogiados como "progresivos" en nuevas revistas comoJV,Baño,Pinap,Cronopios,La bella gente yPelo.^[25]​

Esta última, fundada en 1970 por Osvaldo Daniel Ripoll se convertiría en la publicación más clásica del rock argentino, llegando a tener verdadera influencia sobre los estilos musicales y las temáticas tratadas, especialmente durante los años 70. Se editó durante 31 años, hasta diciembre de 2001. En sus primeros números, la línea editorial de la revista puso mucho énfasis en diferenciar el movimiento "progresivo" de las bandas beat a las que se catalogaba como "complacientes". Estas descalificaciones eran permanentemente mantenidas en las críticas de discos y recitales, y tenía una sección de correo de lectores donde se publicaban cartas dirigidas a Ripoll y con un tono incluso más airado que el que se permitían los periodistas. Como un ejemplo, en el correo del número 25 (de fines de 1971), se publica una carta en la que se lee: "Realmente algo debe andar muy mal en la Argentina para que gente como Francis Smith sea considerado como ejemplo de nuestra juventud. Y por supuesto no faltan las grandes mentiras, la mayor de ellas es quizás que "nosotros hacemos esta música porque es la que la gente quiere que hagamos", falso, la gente no quiere nada, la gente es inducida a consumir esa música porque los managers de las grabadoras y los productores independientes ponen las suficientes trabas como para que esas canciones "tipo Alegría", como dicen ustedes, sean la única opción".^[71]​

En el mismo número se publicitaba la nueva edición delB.A.Rock, festival organizado por la misma revista, y se dejaba en claro con rigidez cuál era el comportamiento que se esperaba del público y cuál se consideraría incorrecto: "Otro de sus fines es elevar el nivel de presentación que ambas partes, artistas y público, se merecen y necesitan, todo ello en un ambiente de amor a la música y respecto (sic)por la comunicación a través del arte. Los artistas que participan en los recitales B.A.ROCK no son los que necesitan fans chillones, coléricos y falsamente entusiastas esos prototipos idiotizados quedan para la otra música. La intención principal de B.A.ROCK es que se haga y se escuche música en PAZ; no queremos -ni vamos a permitir- hacerle el juego a nadie. Y que eso lo seguiremos cumpliendo -como ha quedado demostrado- que no quede ninguna duda".^[55]​La "otra música" a la que se rendían los "prototipos idiotizados", era, para la línea editorial de la revista, la movida beat en toda su extensión y sin distinguir matices. Y los lectores que asistían a un festival sentían la presión de adaptarse a una estricta etiqueta para no caer ellos mismos en el descrédito.

El músico Enrique Masllorens, deLa Joven Guardia, llegaría a decir: “Había alguien que regía todos los destinos en ese entonces y que se llamaba Daniel Ripoll, que dirigía la revista Pelo. Y a nosotros rápidamente nos encasillaron como ‘grupo comercial’”^[66]​.El mismo Ripoll, muchos años después, reconocería:"nos volvimos un poco fundamentalistas".^[72]​

El éxito deLa Balsa no llevó a un interés por parte de las discográficas y los medios de comunicación masiva de difundir el recién nacido estilo de música beat en castellano, llamado también a partir de la década de 1970 "música progresiva" o "rock nacional".^[73]​Las radiosFM aún estaban en su etapa experimental. El 9 de julio de 1967 comenzó a transmitir por FMRadio Nacional Córdoba.^[18]​En 1968Radio Mitre comenzó a usar la frecuencia modulada, más que nada por necesidad: les cortaban los cables y eso interrumpía la señal.^[74]​En 1970Radio Municipal fue pionera en Argentina en transmitir en FM estereofónica^[18]​ y fue la primera en brindarle espacio al rock nacional. Con la participación deMiguel Grinberg y Ángel Del Guercio, resaltaban los programasEl son progresivo,La nueva música urbana,Opus libre,La joven música,Rock en Buenos Aires yMelopea (este último conLitto Nebbia).

La difusión masiva entonces comenzó a ser realizada por medios propios. En 1968 se publicó el primer número de la revista de rockPinap (dirigida por Daniel Ripoll quien luego fundaríaPelo) y se fundó el primer sello discográfico argentino de rock:Mandioca. Fueron estas dos empresas las que impulsaron el proceso de masificación del beat en español, a través de artículos, reportajes e imágenes de los músicos y las bandas argentinas, en el primer caso, y discos en el segundo. Por otra parte, tanto Pinap como Mandioca comenzaron a organizar recitales cada vez más masivos.

El primer número de Pinap se editó en abril de 1968. La evolución en la línea editorial de Pinap marca la dirección que luego tomaríaPelo. El primer número de Pinap mostraba aSandro en la tapa y mezclaba notas sobreThe Beatles,Rolling Stones,Miriam Makeba,Los Gatos,Los Náufragos,Jimi Hendrix,Donald, Los Wizards,Johnny Winter,La Joven Guardia,Bárbara y Dick,Palito Ortega yVioleta Rivas. A partir de entonces, cada nuevo número de Pinap parece adentrarse cada vez más en la estética roquera, llegando a su apogeo en 1969, con el número 23, conJimi Hendrix en la tapa.^[75]​ La revista editó su último número en enero de 1970 y, coincidentemente. en febrero de ese año, Daniel Ripoll empezó a editarPelo, en donde se llevó al paroxismo la distinción entre música "progresiva" y música "complaciente".

La historia de Mandioca puede remontarse al año 1966 cuandoJorge Álvarez, un editor de libros políticos, históricos y culturales "comprometidos" (como se llamaba en la época a los intelectuales y artistas que tomaban posición política), comenzó a relacionarse con tres jóvenes estudiantes delColegio Nacional de Buenos Aires, Javier Arroyuelo, Silvio Ramaglia yPedro Pujó, interesados en los nuevos movimientos juveniles y los mecanismos de difusión. Álvarez y Pujó tenían el sueño de promover en Buenos Aires un barrio como elGreenwich Village deNueva York que se convirtiera en el centro del nuevo movimiento juvenil. De esos proyectos se concretó la creación de un sello discográfico que difundiera la música que estaban componiendo esos jóvenes. Este proyecto fue surgiendo poco a poco luego de que los jóvenes pusieran en contacto a Álvarez con un grupo que estaba naciendo, el tríoManal, en el que tocaba la guitarra otro compañero delColegio Nacional de Buenos Aires:Claudio Gabis.^[69]​

Gabis era un habitué de La Cueva, donde compartía "zapadas" (jams) de blues con el bateristaJavier Martínez y por esa época estaban empezando a ensayar comoManal junto a Emilio Kauderer y Rocky Rodríguez. Gabis pertenecía al sector más intelectual e informado de aquella movida:

La Biblioteca Lincoln quedaba enfrente del Di Tella y en esa época tenía una gran colección de discos, permanentemente le llegaban los nuevos, ahí lo conocí aBob Dylan porque ya tenían sus primeros discos. Dylan fue el primer tipo que me impactó realmente. Yo ya no tengo ídolos, pero si tuviera sería Dylan. Los Beatles y los Rollings Stones también estaban dando vueltas por ahí, pero me resultaba mucho más denso e interesante todo el tema del blues, el folk y sobre todo el folk de protesta. [...] Me llevaba todo, Muddy Waters, Dylan, Judy Collins, Peter Paul & Mary, New Lost City Ramblers, Pete Seeger, Mike Seeger, mucho material folk, country, folk irlandés, y me lo tragaba, tanto blues blanco como blues negro, yo sabía un pedazo de folklore americano, en esa época era casi un erudito.

Claudio Gabis.^[79]​

A comienzos de 1967 viajó con sus padres a Estados Unidos, regresando con más de cincuenta vinilos de folk, blues,música hindú yrock psicodélico, entre ellosFresh Cream deCream,Are You Experienced? deJimi Hendrix y todos los discos publicados hasta entonces de Bob Dylan,^[79]​ muy difíciles de conseguir en esa época en Argentina, ya que la industria discográfica local era ajena al nuevo rumbo que tomaba el mercado mundial.^[80]​En 1968Javier Martínez fue convocado para encarnar el personaje de "Paco" de la películaTiro de gracia dirigida porRicardo Becher, basado en el libro homónimo de Sergio Mulet. Durante la filmación, Martínez le comentó aJorge Goldemberg que tenía un conjunto musical que ya estaban grabando algunas canciones y, gracias a sus influencias, fueron invitados a tocar en el espectáculo teatralVietRock, en el teatro Payró. En esas instancias Gabis convence a su compañero Martínez de llamar al bajistaAlejandro Medina para integrarse al grupo, completándose allí el trío musical de Gabis, Martínez y Medina.^[81]​^[82]​ Poco después se terminó de filmar la película, y Becher le pidió a Manal que graben también la banda sonora. La misma iba a ser realizada por un profesional de música para películas,Roberto Lear, pero terminó aceptando que el grupo registrase la música, asistiendo incluso a una de las sesiones. El tema central de la película, "Estoy en el infierno", se había improvisado a base de experimentos en el estudio de Tagliani. La canción se volvió a grabar al igual que el resto de la música en los estudios Phonal ubicados en Santa Fe y Coronel Díaz. El trío compuso además "Tema del moderno" y "Seigmund's Zoo". El resto de las pistas, climas y efectos fueron producto de la improvisación y la versatilidad que tenía el conjunto, según los tiempos e indicaciones del director Becher.^[81]​^[82]​

No obstante el sonido experimental de esa banda de sonido difiere de la propuesta de blues rock que la banda tenía en sus ensayos y presentaciones en vivo. Para desarrollar este costado es que Pujó, Arroyuelo y Ramaglia buscaron la forma de poner en contacto a losManal con Álvarez. Para eso organizaron una fiesta en casa de una amiga en común, la periodista y escritora Pirí Lugones, con el expreso objetivo de que la banda conociese a sus futuros productores. Fue en esa fiesta dondeClaudio Gabis le enseñó aJavier Martínez un borrador con unas líneas para armar la lírica de una futura canción, y una base musical que había armado. Martínez terminó allí mismo la canción en menos de una hora. Se trataba de "Avellaneda Blues". El grupo le cantó este tema a Álvarez, quién quedó impresionado por la misma, convenciendose de que tenía que producir al grupo.^[79]​Álvarez recuerda de ese momento:

En una reunión de cumpleaños los conocí como tipos, no como músicos. Un mes después Pedro [Pujó] me llevó a la casa deAlejandro [Medina], donde el trío ensayaba, y cuando los escuché me caí muerto, era realmente espectacular como tocaban. Les pregunto que pensaban hacer, me dijeron que no querían entrar en el engranaje comercial, que eso era una porquería, que querían hacer las cosas con libertad y todo eso [...] Hacemos el primer simple en elestudio TNT y me voy con las cintas aCBS. Se lo hago escuchar a John Lear, el presidente, y me dice que eso no sirve, que es una burda imitación de lo que sucede enEstados Unidos y que eso no venderá jamás en laArgentina, que a él no le interesa. Mando a un amigo a otra grabadora y nos patean.

Jorge Álvarez.^[79]​

Luego del fallido intento en CBS, Álvarez junto aPedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo fundaronMandioca en 1968, con el eslogan "la madre de los chicos", primer sello del rock argentino,^[83]​ como una alternativa para aquellos grupos nacientes de rock que eran marginados por los grandes sellos discográficos.^[84]​ Álvarez sería el cazatalentos principal, habiendo descubierto a músicos y bandas tales comoAlmendra,Vox Dei ySui Generis (ests dos últimos bajo el consejo deClaudio Gabis),Miguel Abuelo yMoris.^[85]​^[78]​

La idea de Álvarez era, además de que las bandas pudieran grabar su trabajo con libertad, que las mismas tocasen en teatros, ya que ese momento no existían los conciertos de rock en Argentina, los grupos tocaban únicamente en clubes para que el público pudiera bailar.^[86]​

A finales de 1968, Mandioca editó su primer material al mercado, se trataba del primer sencillo de Manal: "Qué pena me das" con "Para ser un hombre más" comolado B que había sido grabado en octubre del mismo año.^[87]​ Se trataba de un corte extraño para la época, pues los temas superaban ampliamente el límite de tres minutos de duración impuesto por las radios y el sobre que lo contenía era un costosotríptico de elaborada gráfica, cuyo autor era el dibujante Daniel Melgarejo.^[88]​ Pero este primer trabajo discográfico fue recibido por los medios con escepticismo, se difundió poco y la prensa criticó especialmente el uso del castellano en las letras. En su segundo sencillo publicado a mediados de 1969, "No pibe" con "Necesito un amor",^[88]​ la banda logró un sonido más depurado yblusero, evidenciando una clara evolución técnica y de estilo en su interpretación.

Mandioca tuvo su presentación al público el 12 de noviembre de 1968 con un concierto realizado en la Sala Apolo de lacalle Corrientes al 1300 (donde funcionó luego el cine Lorange y hoy nuevamente es Apolo), en el cual participaronManal,Los Abuelos de la Nada y la cantanteCristina Plate.^[89]​ El recital se hizo con los equiposFender deLos Gatos, y al terminar el mismo subióLuis Alberto Spinetta, quien entonces estaba iniciando su bandaAlmendra diciendo "¿Se dan cuenta ustedes lo que empezó hoy? Hoy empezaste a terminar con la música comercial".^[90]​ Durante los meses siguientes el sello editó simples de los participantes del recital: el primero de Cristina Platé y el segundo deLos Abuelos de la Nada [que en marzo de ese año habían debutado discográficamente en CBS con una gema psicodélica compuesta por los temasDiana Divaga (conClaudio Gabis) yTema en Flu sobre el Planeta (conPappo)], además del primer simple deManal y la única referencia del grupoHielo.La revistaPanorama relataba casi con desprecio el primer recital organizado por Mandioca el 12 de noviembre de 1968, en ocasión del lanzamiento inicial del sello:

Recital de canciones por Manal, Cristina Plate y Miguel Abuelo.
Sobrevivientes de la tribu seudo-hippie de Plaza Francia, diezmada en parte hace un año por la tijera policial, numerosos jóvenes de sexos indefinidos con disfraz bohemio y algunos "notables" invitados especialmente, atestaron la sala Apolo durante la sesión inaugural de un ciclo auspiciado por "Mandioca", nuevo sello grabador capitaneado por el ahora barbado editor Jorge Álvarez y tres adolescentes de espíritu aventurero...
Una lánguida partidaria de este tipo de eventos explicó: "Nunca haremos nada importante. Sólo nos resta destacar nuestra insignificancia". Lo hacen tan bien, que el "arte" de aburrir tiene en ellos a sus estrellas máximas.^[91]​

En ese mismo período se organizaron cuatro grandes festivales de música beat: los conciertosJune Sunday,Festival Nacional de Música Beat,Festival Pin Up yFestival de Música Joven. También, en los domingos de junio de 1969, en el teatro Coliseo, los ciclosBeat Baires, organizados porJorge Álvarez, en los que tuvieron protagonismoMoris,Almendra,Manal,Vox Dei,Los Abuelos de la Nada,Engranaje,Los Mentales,Conexión n.º 5,Trío Galleta, Charly Leroy, Hielo, Piel Tierna y hastaLeonardo Favio.

Durante el verano de 1969 Álvarez y Pujó armaron un boliche llamado Mandioca enMar del Plata, al no existir un lugar donde las bandas pudiesen tocar. El interior del local fue pintado de negro y amarillo como un estacionamiento, y precisamente como no disponían de sillas y mesas, usaron neumáticos de autos, allí tocaron Manal conPappo como invitado, yLos Abuelos de la Nada. También se alquiló una casa para que convivieran las bandas. Pero el lugar fue cerrado al poco tiempo por la policía.^[92]​^[87]​^[88]​

En la misma ciudad deMar del Plata, y en el mismo mes de enero de 1969, pero en la discoteca Matoko's que estaba ubicada en la avenida Constitución, tuvo su debutAlmendra. El diario localEl Trabajo realizó la siguiente crónica:

El conjunto suena realmente bien. Los muchachos se llaman Carlos Emilio, Rodolfo, Teddy y Luis Alberto. Algunos tienen chivita y todos pelo largo, muy largo. Promedian veinte años y no les gusta cantar en inglés, aunque guste como cantan en inglés. "Se terminó la época de repetir lo que hacen los demás o de hacer traducciones y listo. Tenemos que cantarle a lo nuestro, a lo auténtico", dicen.^[93]​

Puede decirse que lo más destacado de este periodo estuvo, justamente, la formación deAlmendra, grupo integrado porLuis Alberto Spinetta (voz, guitarra),Edelmiro Molinari (voz, guitarra),Emilio del Guercio (voz, bajo) yRodolfo García (voz, batería) yManal —trío influenciado por la músicaAfroamericana, considerado el primer grupo de blues cantado en castellano— integrado porJavier Martínez (batería y voz),Claudio Gabis (guitarra, piano, armónica) yAlejandro Medina (bajo y voz). Junto conLos Gatos, estas tres bandas son consideradas como la trilogía fundacional del rock argentino de fines de los 60.^[94]​ Sin embargo, ninguno de estos grupos tendría una historia muy larga, ya que los tres se disolvieron a principios de los años setenta.

Almendra fue un descubrimiento deRicardo Kleiman, conductor del programa radialModart en la noche, de enorme influencia en la juventud de aquellos años.^[95]​ Fue él quien les ofreció grabar un simple enRCA conRodolfo Alchourron como director artístico, y hasta les consiguió prestados, para obtener un mejor sonido, los instrumentos deThe Tremeloes, banda de laInvasión Británica que había compartido escenarios con losBeatles y losRolling Stones, y que Kleinman había llevado por esos días a la Argentina. El disco fue editado en noviembre y salió a la venta al año siguiente, con "Tema de Pototo" como lado A, y "El mundo entre las manos", como lado B. El primero un tema compuesto por Spinetta con Edelmiro Molinari, y el segundo compuesto por Rodolfo Garcia y Spinetta.^[95]​

En agosto, la revistaPinap realizó una de las primeras crónicas referidas a Almendra:

Almendra se llama el conjunto que seguramente se va a convertir en la sensación de la próxima primavera porteña. El capo del grupo, José Luis (sic), según algunos de los entendidos, está destinado a ser una especie de prolífico Lennon argentino.^[96]​

Ese mismo año la discográfica RCA Víctor utiliza varios temas de Spinetta para que los graben otros artistas de la compañía. De este modo "Tema de Pototo" también lo grabaLeonardo Favio bajo el título "Para saber como es la soledad", obteniendo un éxito rotundo en toda Iberoamérica.Los In también graban "Where are you going Mary Sue?", un tema en inglés de Spinetta y Del Guercio que había sido el que Kleiman escuchó cuando oyó por primera vez aAlmendra, pero que ellos nunca grabaron.^[97]​El 24 de marzo de 1969 realizaron su primera actuación en público en Buenos Aires, en elInstituto Di Tella, en el marco de un proyecto llamadoTres espectáculos beat, en el que también tocaronManal y un original proyecto de corta duración llamadoEl Sonido de Hillber, que combinaba el sonido beat con un cuarteto de cuerdas.^[98]​ Dos semanas después se presentaron en el Teatro del Globo de Buenos Aires, estrenando varias canciones de Spinetta que integrarían el primer LP, como "Fermín", "Figuración" y "Ana no Duerme". Spinetta comenzaba a proponer un estilo inclasificable de música, sin preconceptos, en el que lapoesía tuviera además un papel determinante. "Spinetta prueba que el acto poético en el rock es indisociable del sonido", dice Fernando García en el número que la revistaLa Mano dedicara íntegramente al músico en 2006.^[99]​

Así sintetizaba la naciente revistaPelo en su primer número de 1970 el momento de la música popular en Argentina:

Este año, después de tanto tiempo de utilizables confusiones y música complaciente, aparenta ser el definitivo para que se produzca el necesario decantamiento de la música popular argentina. La etapa parece iniciarse con la aparición de tres importanteslong plays: el deLos Gatos,Almendra y Manal, tres elementos claves para prever la futura música nacional. A ello se agrega el renacimiento del grupoPiel Tierna, de un sonido sencillo pero bueno, y el triunfo de un conjunto nada complaciente,Arco Iris, en el festival realizados enMar del Plata.Tal vez todas estas pautas sean premonitorias de la alborada de una música popular más honesta, a pesar de la inevitable comercialización; pero realizada con mayor seriedad y estudio e integrada a la Argentina real.

Pelo, 1970.^[100]​

Almendra entró a estudios a mediados de ese año para grabarsu primer disco homónimo, con arreglos deRodolfo Alchourrón y músicos invitados especialmente para las secciones orquestadas, además deRodolfo Mederos en bandoneón. El álbum ha sido considerado en reiteradas ocasiones como el mejor álbum del rock argentino,^[101]​ y hasta uno de los mejores del mundo.^[102]​ Lanzado el 15 de enero de 1970, la tapa es un dibujo del propio Spinetta que representa a una especie de payaso llorando, con una flecha de juguete en la cabeza. La discográfica intentó desechar la ilustración perdiéndolo intencionalmente, pero Spinetta lo volvió a dibujar exigiendo que la portada se realizara según sus instrucciones.^[102]​ El dibujanteRep considera que es una de las diez mejores tapas que vio en su vida.^[102]​

El álbum está integrado por nueve temas, todos ellos de un inusual nivel y todos ellos destacados del cancionero argentino. Siete temas pertenecen a Spinetta: «Muchacha (ojos de papel)», «Figuración», «Ana no duerme», «Fermín», «Plegaria para un niño dormido», «A estos hombres tristes» y «Laura va». Los otros dos temas son «Color humano» de Edelmiro Molinari, unazapada de 9 minutos que rompía con las pautas comerciales de la discográfica, y «Que el viento borró tus manos» de Emilio del Guercio. En el tema «Laura va», se destaca la participación en bandoneónRodolfo Mederos, y puede considerarse como una reinterpretación porteña y tanguera del "She's Leaving Home" de losBeatles. El álbum refleja una variedad de raíces musicales, desde el tango y el folklore, hastaSargent Pepper's deLos Beatles, combinadas creativamente sin esquemas preconcebidos y con una complejidad poética que parecía incompatible con la difusión masiva.

La crítica de los medios fue dispar. En ese momento comenzó la actitud de Spinetta reacia hacia los grandes medios de comunicación.

A los tipos les reventaba que yo acentuara mal, tipo "plegariá" y otras pavadas así y gran parte de la resistencia que tengo hacia la prensa nació en ese momento cuando me di cuenta que varias revistas masivas comoGente oSiete Días hacían notas y tergiversaban las respuestas.

Luis Alberto Spinetta^[103]​

Las sesiones de grabación para el primer álbum de estudio,homónimo, deManal, comenzaron a mediados de 1969, prolongándose hasta los primeros meses de 1970. Se registraron nueve temas, dos de los cuales fueron descartados, aunque luego se incluyeron en elálbum doble editado en 1973 por el sello Talent, llamado tambiénManal.Manal recibió críticas elogiosas y fue uno de los álbumes fundacionales del rock argentino de fines de los 60,^[104]​ además de ser el primero de blues en castellano en todo el mundo.^[105]​ Pese a las críticas que padeció en su momento,Manal rompió con el mito que no era posible componer blues en castellano.^[106]​ Una encuesta organizada por la revistaRolling Stone, situó al álbumManal en el puesto n.º 3 en su lista de «Los Mejores 100 discos de Rock argentino».^[107]​^[86]​ De las siete composiciones del álbum, "Jugo de tomate" fue considerada por la crítica como una de las mejores canciones del rock argentino, la misma fue incluida en 2002 como la20° mejor canción del rock argentino de la lista de Los 100 Hits por la revistaRolling Stone, mientras que en 2007 fue considerada por la páginaRock.com.ar como la 54° mejor canción del rock argentino en su lista deLas 100 de los 40.^[108]​ La aclamada "Avellaneda Blues", considerada como el primer blues en español, también apareció en la lista de las "100 mejores canciones del rock argentino", en el puesto n.º 18.^[109]​ La obra evoca imágenes de un amanecer melancólico enAvellaneda, un suburbio portuario e industrial deBuenos Aires. El tema se gestó a partir de una caminata por las vías deAvellaneda yGerli y su letra, como la de "Avenida Rivadavia" menciona explícitamente lugares y situaciones propias de la geografía y la cotidianidadporteñas, dando nacimiento a una inédita, hasta entonces, relación entre el blues y la Ciudad de Buenos Aires. La canción "Una casa con diez pinos" fue incluida entre los15 mejores mitos del rock nacional en el puesto 13.^[110]​ Está inspirada en un lugar real, una casa quinta situada en la localidad deMonte Grande, al sur de la ciudad deBuenos Aires. Con cinco pinos a cada lado de la entrada, ese inmueble había sido alquilado por Marcela Pascual (una amiga deTanguito) al pintor Roy Macintosh, su propietario. A la casa concurrían artistas como Tanguito,Pajarito Zaguri,Pappo yJavier Martínez. Durante el día, los visitantes ocupaban el parque de una hectárea componiendo música, pintando o dibujando, como dice la letra de la canción. Por la noche se juntaban en la casa y se mostraban sus obras. En ese contexto bohemio Martínez compuso la canción.^[111]​ Es la canción máshippie del álbum. Habla de escapar de la vida solitaria en la ciudad, para irse con los amigos a una casa en el campo, al margen de la sociedad.

Por la misma época,Los Gatos, después de su primera disolución, se reúnen, pero agregando como guitarrista aNorberto "Pappo" Napolitano, que había tocado conLos Abuelos de la Nada, pero en ese momento estaba trabajando como sesionista conCarlos Bisso y su Conexión N°5. Admirador del movimiento de blues blanco inglés, Pappo le daría su impronta a la banda, que así pasaría sin escalas del beat y el pop psicodélico a ser un grupo de rock y psicodelia con momentos experimentales. La nueva formación debuta con un gran concierto en elTeatro Gran Rex. Esta segunda etapa dura algo más de un año y en su desarrollo también registran tres LPs.^[112]​^[113]​^[114]​
Beat Nº 1 aparece a fines de 1969, yRock de la mujer perdida a mediados de 1970. Con ellos,Los Gatos se incorporaban de lleno al pujante movimiento demúsica progresiva que tenía en el país como principales exponentes aManal (1968) yAlmendra (1967).
EnBeat Nº 1 (curioso nombre para un álbum con el que precisamente estaban abandonando esa música por elblues rock), las composiciones de un inspirado Nebbia se unen fluidamente a la evolución musical del grupo, con espléndidos resultados como "Sueña y corre", "Escúchame, alúmbrame" y especialmente "Fuera de la ley", un tema de once minutos con extensos pasajes instrumentales, algo que nunca habían encarado anteriormente y que puede considerarse como la primera suite de rock progresivo hecha en Argentina.Pappo yFogliatta son quienes, con su improvisación, sostienen esta pieza adelantada a su tiempo.
EnRock de la mujer perdida —el título original eraRock de la mujer podrido— las tendencias derock y blues dentro del grupo —encabezadas por Pappo y Ciro— se hacen mucho más pronunciadas, incluyendo hasta una improvisación colectiva, como "Invasión". Pero Nebbia también compuso espléndidos temas, como elrock’n’roll que da título al álbum, "Mujer de carbón", losblues "Los días de Actemio" —homenaje a unplomo de la banda— y "Blues de la calle 23".
Pappo, que recibió numerosas ofertas para convertirse en solista, dejaLos Gatos para perseguir una orientación aún más blusera con su propio trío,Pappo's Blues (conDavid Lebón enbajo y elbateristaBlack Amaya). Aun así,Los Gatos deciden perseverar, pero sin reemplazar el guitarrista. Alfredo Toth pasa a la guitarra, Litto Nebbia se hace cargo del bajo, y el grupo continúa como cuarteto. Los nuevos temas de esta etapa reflejan nuevamente los cambios que se estaban produciendo a nivel internacional, con el movimiento deVuelta a la naturaleza representado por grupos comoThe Band, y las carreras solistas deGeorge Harrison yEric Clapton. Se trata de temas simples y melódicos, con una instrumentación más acústica.

A raíz delFestival de Woodstock de 1969, que había reunido 500 mil personas, pronto se despertó el interés de repetir una experiencia similar en territorio argentino. Fue entonces cuando el locutor radialEdgardo Suárez organizó con el apoyo deCoca-Cola y la municipalidad deLobos el Primer Festival de la Música Joven de 1970. Este estaba programado para los días 19, 20 y 21 de septiembre (a modo de coincidir con el inicio de la primavera), a realizarse en un predio de 75 hectáreas del Country Club al lado de laLaguna de Lobos. Fue el primer intento de armar un megafestival en Argentina): se armó una megaestructura nunca antes vista en Argentina, preparada para recibir a 200 mil personas, se pusieron 80 baños portátiles y un gigante escenario que albergaría artistas detango,folklore y el plato fuerte del festival, los artistas de la música jovenbeat:La Barra de Chocolate,Manal,Los Gatos,Miguel Abuelo yLa Cofradía de la Flor Solar. Hacia el 19 ya se habían juntado 30 mil personas dispuestas a tener buenas ubicaciones para ver un megafestival sin antecedentes en Argentina. Pero entonces, el gobierno militar bajo el dictadorLevingston se aterró y canceló el megafestival antes de que pudiera realizarse. Argentina se quedaba así sin una oportunidad histórica de tener una experiencia como la que había sido elFestival de Woodstock, o como la que sería el año siguiente enMéxico elFestival de Avándaro. Décadas más tarde se hicieron hallazgos en los documentos de mensajería de laPolicía bonaerense:

El informe deja ver que la policía se topaba con un fenómeno sin precedentes. Piden el apoyo del intendente porque la realización del evento “aparejaría una responsabilidad enorme para las autoridades, ya que no se cuenta con experiencias de estos festivales”.

^[115]​

Más de un año más tarde, Ripoll desdePelo, comenzó a organizar el ciclo de losB.A.Rock (Buenos Aires Rock). La primera edición se llevó a cabo en noviembre de 1970, congregando a las bandas más notables de lo que la revista consideraba "música progresiva" (Moris,Almendra,Manal,Arco Iris,Pappo's Blues,Vox Dei,Los Gatos, etc). También en ese ciclo debutaAlma y Vida, que eran los músicos de acompañamiento deLeonardo Favio, pero con su propio proyecto de fusión enmarcado en el género que luego será denominado Brass Rock. Se trata de un género de fusión entre el jazz y el rock que, sin abandonar el formato canción de rock con su patrón de verso / estribillo, incorpora el sonido de los metales a través de una sección de vientos común de la música deBig Bands.Alma y Vida fue el único exponente de ese género en la Argentina, tomando como ejemplo bandas estadounidenses populares en el momento comoChicago Transit Authority yBlood, Sweat &Tears. El mismo nombre del proyecto,Alma y Vida, estaba inspirado en el de esta última banda.

El mes de septiembre de 1970 se dan dos novedades de importancia en la escena: el debut dePappo's Blues y la separación deAlmendra. Pappo's Blues debutó en el Teatro Pueyrredón de Buenos Aires. Con una formación provisoria (el bajista era Poli Martínez, deLa Banda del Oeste, que después de ese único show sería reemplazado por un adolescenteDavid Lebón, recién llegado de los Estados Unidos donde había vivido desde los 8 años de edad), sentaba las bases de un nuevo estilo en el país: un blues rock psicodélico y con pronunciados riffs de guitarra distorsionada y ritmos potentes. Era la tendencia que por entonces comenzaba a imponerse en el Reino Unido y Estados Unidos, a la que con distintas variantes se conoció posteriormemte comohard rock. En la jerga argentina de ese tiempo se la llamabarock pesado.

Por la misma época llega el desbande deAlmendra. Las razones son complejas y cada integrante varía en el análisis. Lo cierto es que Almendra no pertenecía al grupo de roqueros «del centro», con un estilo de vida más duro, relacionado con las drogas y cruzado por intereses y luchas de poder. Spinetta en ese momento iba incursionando cada vez más en un ambiente del que luego buscaría separarse, pero que en esa instancia lo alejó de su primera banda. Por esas épocas,Spinetta vivía una etapa de definición estética y de vida que él mismo considera su «etapa más oscura» y «caótica».^[116]​ Se había roto su relación con Cristina Bustamante, de la que estaba profundamente enamorado y se involucró fuertemente con un grupo de músicos y personas del ambiente artístico, con alto consumo de drogas, especialmenteLSD. En ese grupo se destacabaPappo, con quienSpinetta estableció una relación de mucha admiración y afecto, que terminaría en ese momento con un fuerte resentimiento mutuo, que se atenuó con el paso de los años.^[116]​^[117]​Pero en la segunda mitad de 1970, Spinetta sentía una profunda admiración por la estética y forma de pensar dePappo, quien expresaba un modo más agresivo de llevar adelante el rock and roll, basado en elblues, que se oponía al camino comercial que el éxito y la fama de Almendra le ofrecían aSpinetta, impulsado por la empresa discográficaRCA. Spinetta rechazó radicalmente el camino comercial y entró de lleno al círculo social de Pappo y el sello discográficoMandioca. Intentó también formar una banda de blues rock pesado (similar a Pappo's Blues) junto aEdelmiro Molinari, Pomo Lorenzo yCarlos Cutaia. La banda llevó el nombre deTórax, pero no llegó a grabar ningún disco aunque sí realizó algunos recitales en Ezeiza.^[118]​

Después de ese intento, y en paralelo a Pappo's Blues, Pappo y Spinetta formaron un trío blusero con el nombre deAgresivos, en el que Spinetta tocaba el bajo y se completaba conHéctorPomo Lorenzo en batería.Miguel Cantilo recuerda la actuación de aqueltrío ultrarrockero en un festival organizado por el padreCarlos Mujica en laVilla 31:^[119]​

Nunca me voy a olvidar un festival organizado por el Padre Mujica, en el que también fue Pappo, Spinetta y Narvaja. Tocamos a un techo de una casa de una villa. Todos los del público eran bolivianos vestidos tradicionalmente que festejaban una fecha patria de Bolivia y bailaban la música que hacíamos nosotros. Pappo, Spinetta y Pomo en trío zapaban rock & roll del más cuadrado y podrido y todos los bolivianos miraban con sus gorritos al techo. Esas son imágenes para no olvidarlas. Encima cuando terminábamos de tocar salía el Padre Mujica y decía por el micrófono -¡El pueblo unido jamás será vencido!

Miguel Cantilo^[120]​^[119]​

De hechoPappo grabó en ese momento su primera canción como solista,Nunca lo sabrán (que integra el recopilatorioPidamos peras a mandioca), acompañado de Spinetta y Pomo, que no figuran en los créditos.^[121]​ Una de las canciones que ensayóAgresivos fueCastillo de piedra, que pocos meses después los tres grabarían enSpinettalandia y sus amigos.

Éste fue un disco experimental, grabado con Pappo y Pomo Lorenzo, sumando también aMiguel Abuelo en algunas canciones. El álbum expresa ese momento de opción estética y de vida que le estaba proponiendo Pappo, dilema que es el eje deCastillos de piedra. El disco, a la vez de ser un experimentopsicodélico sobremúsica aleatoria -algo que Spinetta ya deseaba hacer conAlmendra- bajo efectos delLSD, fue también un castigo para la opción comercial con que lo presionaba la empresa discográficaRCA, que lo intimaba a cumplir con el tercer álbum comprometido en el contrato firmado para Almendra. Spinetta decidió entonces hacer un «antidisco», "que no se lo pudieran vender a nadie", como él mismo lo definió.^[116]​

La grabación se realizó en treinta horas consecutivas de estudio durante febrero de 1971, con una gran cantidad de invitados en el estudio, sin cuidar de hacer silencio, con las letras siendo escritas en el mismo momento.

Yo quería hacer un ritual: realizar músicas en estado casi tribal.

Luis Alberto Spinetta^[116]​

En el disco la presencia de Pappo y Pomo es determinante. Pappo aporta los temas, «Castillo de piedra» y «Era de tontos») y Pomo compuso con Spinetta «Descalza camina». También participaMiguel Abuelo interpretando laflauta en "Dame, dame pan" y "Ni cuenta te das". Entre los temas compuestos por Spinetta se destaca "La búsqueda de la estrella".

RCA lanzó el disco en marzo de 1971, pero la empresa no respetó el diseño de tapa ni el título original y lo tituló sucesivamenteAlmendra,Luis Alberto Spinetta yLa búsqueda de la estrella, lo que llevó a un juicio de los ex Almendra que perdió la discográfica, debido a lo cual lo retiró del mercado. Recién en 1995 el álbum sería publicado por la empresaSony tal como fue concebido originalmente.

Luego de grabar el disco Spinetta le regaló su preciada guitarra acústica a Pappo, buscando transmitirle que él estaba buscando otro estilo artístico y de vida, que no fuera el del negocio musical y la fama, pero tampoco el de "sexo, drogas y rock and roll" y la negatividad:^[122]​

Para mí era una forma de mostrarle a "Pappo" que no existían solamente las guitarras con el volumen al mango. Que así como él me había inculcado algo de esa dureza del rock pesado, y la mano, copar y todo eso, por otro lado yo trataba de demostrarle que existía una fuente de ternura que él no podía ignorar. Fue como decirle: mirá, tomá, no te desprendas jamás de esto, para no traicionarme en tu vida, para darme tu fe, aunque no tocáramos nunca juntos, aunque jamás nos viéramos...

Luis Alberto Spinetta^[122]​

Spinetta se enteraría después que Pappo vendió la guitarra que le había regalado.^[123]​ El 10 de marzo de 1971 se fue con dos chicas a un viaje de destino indeterminado que abarcó Brasil, Estados Unidos y Europa durante siete meses.^[116]​^[122]​^[124]​

Este estilo dentro del rock argentino fue impulsado, también, porJorge Álvarez. Él fue el principal impulsor, en el inicio, de la carrera dePappo´s Blues, banda a la que le consiguió los primeros shows y le impuso, como marca, comercial, ese nombre (Pappo había pensado en usar el nombre Los Rancheros). Y, por la misma época, desarrolló junto a Billy Bond el inusual proyectoBilly Bond y La Pesada del Rock and Roll. Se trataba de un "grupo abierto", un espacio en el que músicos de todos los orígenes se acercaban con el mismo espíritu con el que compartían "zapadas" (jam sessions) en la noche porteña, para compartir canciones, cantadas con la voz de Billy Bond, dentro de un formato de hard rock psicodélico. Por La Pesada pasaron reconocidos músicos argentinos comoPappo,Luis Alberto Spinetta,Javier Martínez,Claudio Gabis,Alejandro Medina oDavid Lebón, entre otros. En 1971 editan su primer álbum,Volumen I, que abría con la canciónSalgan al Sol, todo un himno del hard rock argentino en sus inicios, compuesto porJavier Martínez, y conDivertido Reventado, un descarado plagio alYou Got Me Floatin' de laJimi Hendrix Experience, firmado porPappo, quien con su guitarra imitaba el sonido de la deHendrix. También aparece la formación completa deAgresivos (Spinetta,Pappo yPomo más el agregado deBlack Amaya en el bajo) tocando un tema de Spinetta, «El parque».

Después de eso, Spinetta intentó radicarse en elReino Unido, pero recién llegado a ese país le fue negada la visa. Terminó recalando enÁmsterdam, donde vivió durante más de un mes la experiencia del hippismo tardío europeo. Como lo expresara Marcelo Fernández Bitar, "completó un periplo digno de un poeta maldito, psicodélico y hippie".^[125]​ En esa ciudad, el 12 de junio de 1971 vio en vivo aEmerson, Lake & Palmer, una de sus bandas favoritas por esa época y de la que tuvo gran influencia. El 22 de julio de 1971 volvió a la Argentina con nuevos planes: ni bien llegó formó el tríoPescado Rabioso junto aBlack Amaya (baterista, al mismo tiempo, dePappo's Blues) yOsvaldo «Bocón» Frascino. Es otra de las bandas pioneras en la introducción de los sonidos delhard rock,blues yrock psicódelico a la escena nacional, reflejando además un estado de ánimo general en la escena roquera que ya difería bastante de la utopía hippie. Como recordaba Bocón Frascino de aquella época:“En esa época Luis cambió mucho cuando conoció al Negro Black, que tomaba mucho alcohol y anfetaminas; estaba muy agresivo y no le podías decir nada. Yo me peleé mucho porque a veces estábamos haciendo arreglos para las violas y él venía con ganas de tocar rock pesado y zapar. Las pastas y el alcohol fueron lo que reventó y jodió mucho a esa época. Eran días y días en ese estado, tocando horas y horas seguidas”.^[55]​

La banda fue presentada a la prensa en octubre de 1971, aún antes de bautizarla y debutó el 5 de mayo de 1972 en el cine teatro Metro. Luego, participó del Festival Buenos Aires Rock II e hizo diferentes presentaciones enBuenos Aires yLa Plata. En septiembre de 1972 grabaronDesatormentándonos, el primero de sus dos álbumes, en los estudios Phonalex, que fue editado por Microfón. El disco original contiene cinco temas compuestos por Spinetta (dos de ellos en coautoría), entre los que se encuentran "Blues de Cris", tema despedida de su "muchacha"; "El jardinero (temprano amaneció)", un blues progresivo que dura nueve minutos; "Dulce 3 nocturno", tema fundacional del grupo, compuesto junto a Black Amaya y el Bocón Frascino, referido al trío que fue en el origen; "Algo flota en la laguna", considerada la 61.ª mejor canción del rock argentino;^{[Nota 2]}​ y "Serpiente (viaja por la sal)", un ejercicio derock sinfónico. A finales de la grabación de este disco la banda cambió de formación: el Bocón Frascino decide abandonar la banda, debido a que no se sentía a gusto tocando el bajo y deseaba desarrollarse como guitarrista.^[126]​ Lo reemplazóDavid Lebón que venía deColor Humano donde tocaba la batería. También se incorporó en forma definitivaCarlos Cutaia en teclados, quien colaboró en el tema "Serpiente (viaja por la sal)". El LP traía en su interior un papel con el siguiente texto de Spinetta:

El pueblo es la estrella mágica. Todos la vemos parecerse al río. Los gusanos de los emperadores trepidan en apocalíptico festín. Ellos no tienen tiempo de recurrir a las armas. La estrella las fusionó todas en un plano infinito. La cabellera de los torturadores sangra en mi carro. Nosotros: desatormentándonos para siempre.PD: Yo te amo Beatles.

Editado poco después deDesatormentándonos y delprimer disco de La Pesada, elprimer álbum de Pappo's Blues conforma la trilogía fundacional del rock pesado en la Argentina, conteniendo este último canciones que se convertirían en clásicos, como "Algo ha cambiado", "Adónde está la libertad", "El hombre suburbano" y "El viejo". Después de su edición, la banda tuvo su primera separación.Black Amaya se sumó como baterista dePescado Rabioso, mientras queDavid Lebón se sumó aColor Humano en el mismo rol.Pappo, por su parte, emprendió su segundo viaje internacional, terminando en Inglaterra en donde conoció aJohn Bonham, deLed Zeppelin y aLemmy Kilmister, deMotörhead. Estuvo casi ocho meses tocando la guitarra y armónica en la isla británica. Volvió a Argentina para grabar elsegundo álbum dePappo's Blues. Sin alineación definitiva, para la grabación de segundo álbumPappo convocó a Luis Gambolini (baterista deBilly Bond y La Pesada del Rock and Roll) y al bajista Carlos Pignatta, que venía de tocar en el grupo beat paranaense Los Brujos. (Aun así,Black Amaya participaría en algunas canciones del álbum en batería¨). Este segundo disco perfecciona la fórmula de blues pesado, urbano y psicodélico. Fue incluido por la revista Rolling Stone en el puesto 11 entre los 100 Mejores discos del rock nacional, con este comentario:

En esteVol. 2 todo es perfecto, desde la portada con el dibujo naif de Juan O. Gatti hasta la foto interior con su estampa de guitar hero porteño, la Gibson SG conectada a un Robertone y un único crédito: "Compositor, autor, dirección orquestal e intérprete: Pappo". En el comienzo, un solo de batería de Luis Gambolini introduce «El tren de las 16», en que Pappo convierte la simple estructura de un blues de 12 compases en una canción inolvidable, con un recurso simple: la letra continúa a lo largo de dos estrofas, lo que extiende la "vuelta" armónica del tema a 24 compases. Hay riffs memorables «Tema I9 (-que bajo el nombre «Castillo de Piedra» había aparecido enSpinettalandia-), «Pobre Juan», «Insoluble» con muestras de su genial ingenuidad lírica ("ese monstruoso,que caminando va/ no se da cuenta de que no tiene lugar/ y con el tiempo desaparecerá") y solos improvisados que son libros de texto para generaciones de guitarristas. «Desconfío» se convertiría en el standard del género en Argentina.

Nota de laRolling Stone de los100 mejores discos del rock nacional.

El segundo y último disco dePescado Rabioso,Pescado 2 (1973), es considerado por la revistaRolling Stone como el 19.º mejor álbum de la historia del rock argentino.^[127]​^[128]​ En ese mismo año, se publicóArtaud bajo el nombre de la agrupación, aunque se trató de un trabajo solista de Spinetta, ya que para ese entonces la banda ya se había disuelto.^[127]​ En un estilo muy diferente al hard rock de los dos discos anteriores,Artaud sería una de las obras culminantes no sólo de la discografía de Spinetta sino del rock argentino. El sonido del álbum es primordialmente acústico e intimista, aunque también sobresalen sonidos de guitarra eléctrica, como el distintivo riff de"Cementerio Club" o el más "latino" de "Las Habladurías del Mundo". Se emparenta en este sentido con el que tendría nueve años después el álbumKamikaze. Numerosas guitarras acústicas, piano, cencerros, un ascetismo marcado en los arreglos y un viraje abrupto respecto de su disco anterior. Las canciones son complejas y ya señalan una incorporación armónica deljazz en su música, que sería notable a partir de 1977, con el álbumA 18' del Sol y luego con laBanda Spinetta ySpinetta Jade.

Una particularidad deArtaud es su original portada, que no es cuadrada, como era y sigue siendo usual en los discos, sino que fue diseñada por Spinetta para que tuviera una forma octogonal irregular de cuatro puntas, de fondo verde y con una mancha amarilla en su cuadrante inferior izquierdo. En el frente lleva una pequeña foto de Artaud viejo, en el ángulo superior derecho, mientras que en el contrafrente lleva una pequeña foto de Artaud similar, pero joven y en el ángulo superior izquierdo.

El disco original tiene un sobre interno blanco, con la lista de temas y los créditos, así como una cita de Artaud escrita en mayúsculas, que dice:

«¿Acaso no son el verde y el amarillo cada uno de los colores opuestos de la muerte. El verde para la resurrección y el amarillo para la descomposición, la decadencia?»

Antonín Artaud (Carta aJean Paulhan)
París - 1937

En la parte inferior del sobre, figura la dedicatoria:

«Este L.P. se denomina "Artaud" porque está dedicado a Antonin Artaud, poeta francés (1896-1948)»

La idea del diseño de la portada fue del propio Spinetta y el diseñador fueJuan Gatti, el artista responsable de la tapa dePappo's BluesVolumen 2 y varias otras de los primeros años delrock argentino. Es considerada una obra maestra para toda una generación, y recordada como una de las joyas del diseño de portada de todos los tiempos.

«En ese momento la hicimos con Luis Alberto y quedó como un delirio, porque realmente estábamos volados, pero no por las drogas, sino como en estado de permanente alucinación. Hicimos esa tapa que no entraba en ningún stand y las tiendas de discos nos querían matar porque no sabían cómo exhibirlo, la gente no lo podía guardar. Fue un objeto muy incómodo y movilizador para la época.»^[129]​

Sus excompañeros de Almendra, seguían un camino similar (también interpretando unhard rock de inspiración psicodélica):Edelmiro Molinari fundó el tríoColor Humano junto aRinaldo Rafanelli en bajo yDavid Lebón en batería (este último abandonó la banda tras el primer disco para irse a tocar el bajo enPescado Rabioso, siendo reemplazado porOscar Moro), mientras queRodolfo García yEmilio del Guercio integraban el grupoAquelarre, cuya estética musical ya tendía a la fusión progresiva -aunque el particular sonido de la guitarraGibson Les Paul distorsionada deHéctor Starc, especialmente en el homónimoprimer disco, lo convierte en un claro referente de la escena "pesada" de la Argentina de principios de los 70-.

A principios de la nueva década, y ya disueltosLos Gatos,Almendra yManal, el grupo de rock que más repercusión tuvo fueVox Dei. Oriundos deQuilmes, e integrado porRicardo Soulé (voz, guitarra y violín),Willy Quiroga (bajo y voz), Rubén Basoalto (batería) y Juan Carlos 'Yodi' Godoy (guitarra y voz), con una mezcla dehard rock y melodías sutiles, esta banda amplió el espectro musical del movimiento y le sumó importantes audiencias en el área suburbana que circunda a la capital argentina. Después de grabar su debut para Mandioca,Caliente, que incluía su simple más popular, "Presente(El momento en que estás)", en marzo de 1971 editanLa Biblia, un doble vinilo de corte conceptual basado libremente en lasSagradas Escrituras, el cual es una anomalía en todo sentido. Mientras todas las bandas jóvenes se preocupaban en lograr el estrellato y se obsesionaban por el sexo y las drogas, losVox Dei posaban su mirada en las historias bíblicas, a las que intentaban imprimirle una óptica marcadamente humana, abandonando el ángulo ortodoxamente religioso. El resultado es que la banda nunca cae en los clichés del llamado "rock cristiano", sino que produjo una obra entre el hard rock y el folk rock con tintes de blues y psicodelia. Se grabó en un total de 150 horas de estudio, lo que era totalmente desacostumbrado para la época. La prensa lo amó desde el principio, llegando a sentenciar la revista Pelo:“La Biblia de Vox Dei es un hito fundamental en la música rock”. Las primeras presentaciones de este disco tuvieron lugar en el Teatro Alvear de Buenos Aires y en el Teatro Don Bosco deSan Isidro, seguido por una gira nacional, con el guitarrista Nacho Smilari (exLa Barra de Chocolate) en reemplazo de Godoy, hecho éste que afectó al sonido más compacto que tenía el grupo previamente.^[130]​Al terminar la gira, empiezan las sesiones del siguiente disco. A fines de 1971 se edita el simple con los temas «Donde Has Estado Todo Este Tiempo» y «Tan Sólo un Hombre» y tras esto Smilari se retira del grupo para formar su propio proyecto de rock pesado, el tríoCuero, con lo cual laVox Dei pasa a ser un trío con la alineación conocida como "la formación clásica": Quiroga - Basoalto - Soulé.

Por su parte, el tríoLa Cofradía de la Flor Solar, surgido de la comunidad alternativa homónima establecida hacia 1967 en laciudad de La Plata e integrado originalmente por Kubero Díaz (guitarra y voz), Morci Requena (bajo y coros) y «Manija» Paz (batería), generó la obra musical más destacada de la estéticapsicodélica argentina. Después de un simple editado por RCA que pasó desapercibido, fueron recibidos por el selloMandioca. La canciónJuana integró el compiladoPidamos Peras A Mandioca, y terminaron grabando un solo álbum —para el sello Microfón, deBilly Bond— en el cual colaboraron, entre otros, dos jóvenes y versátiles guitarristas: Quique Gornatti ySkay Beilinson, este último futuro integrante dePatricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Más tarde participaron en la banda músicos de notable trayectoria posterior, como el violinistaJorge Pinchevsky. Varios de sus miembros terminaron alternando entreLa Cofradía yLa Pesada. Tras la disolución de ambas bandas, en 1974, fueron varios los que se autoexiliaron, primero en Brasil y después en España. En este país, junto aMiguel Abuelo, se presentaban bajo el nombre combinado de "La Cofradía de la Nada".^[131]​

En 1972, la formación deLa Pesada se hizo estable, incluyendo a Kubero Díaz (ex -La Cofradía de la Flor Solar) yClaudio Gabis en guitarras,Alejandro Medina en bajo y voz,Jorge Pinchevsky en violín, Isa Portugheis y Jimmy Márquez en batería yBilly Bond en voces y producción. Con esos integrantes, la banda grabó tres volúmenes más, además de discos solistas de cada uno de ellos y varios con artistas que luego serían famosos. Entre ellos, acompañaron aRaúl Porchetto enCristo Rock, su disco debut con el que abandonó el sonido acústico de sus primeras actuaciones y se volcó al sonido Hard Rock psicodélico, buscando generar una obra conceptual cristiana en la misma vena queLa Biblia deVox Dei, pero con letras en primera persona desde la voz de Jesucristo, y conteniendo una crítica mucho más directa y explícita a la jerarquía de la Iglesia Católica.

Pero el disco más extraño y que más fue valorado con el paso del tiempo fueBuenos Aires Blus, el único álbum que se acreditó sólo a la banda (sin mencionar en la tapa aBilly Bond, pese a que fue ya no el frontman sino el productor artístico que le dio el sonido tan particular), con la participación de la cantante de jazzDonna Caroll y la orquesta deOscar López Ruiz. El sonido, realmente avanzado para la época, incluía pasajes de un experimentalismo que fue reconocido mucho tiempo después. En una nota aBilly Bond del año 2011 en la revista Experimenta, se recuerda el disco en estos términos: "Rock y blues orquestal con bandoneón, bronces, guitarras distorsionadas, una jazz singer (Donna Caroll), pasajes instrumentales con sonoridades nuevas, improvisación cercana al free, jazzeros y rockeros entremezclados, gritos y estruendos, por momentos parece un ritual" (...) "Hay pequeñas piezas como “La Mufeta”, con Javier (Martínez)cantando un lánguido blues con el fondo de la calle, los canillitas, el bar, los mozos, etc, que se despegan de la lógica de producción de un disco de rock y blues".^[132]​

Ese mismo añoLa Pesada dio su célebre recital en el Luna Park en el que el público destrozó el estadio arengados por el cantanteBilly Bond ("Rompan todo..."). El incidente quedó en el imaginario colectivo como un símbolo de la rebeldía para el público roquero, y como un peligroso antecedente para las autoridades, que cada vez se mostraban más reacias a autorizar recitales masivos.

Junto con el surgimiento del rock pesado, un sector de su público que generalmente eran de clase media baja, usaban pelo largo, vestían con chaquetas negras y a veces tenían cadenas en forma decorativa, fueron apodados comofirestones debido a su aspecto, a un cartel publicitario dedicha compañía que había entonces en la Rotonda deLlavallol (frente a la cual existe desde 1932 una fábrica de la misma empresa -en la intersección de las rutas provinciales4 y205-) y a su afición por los automóviles y las motocicletas. Este tipo de público disgustaba de los hippies y seguía a bandas comoPappo's Blues,Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll,Vox Dei yOrion's Beethoven. En la década de 1980 algunos de estosfirestones se fanatizaron con elheavy metal, tomaron la estética asociada al mismo y así pasaron a estar entre los primerosmetaleros argentinos (ya que dichasubcultura provenía de Reino Unido); mientras que otros que eran fanáticos deThe Rolling Stones (o se habían vuelto fanáticos en esa nueva década) pasaron a formar parte de una nueva subcultura originada en Argentina en torno al fanatismo por esta banda británica y denominadastone orolinga.^[133]​^[134]​^[135]​^[136]​^[137]​^[138]​^[139]​^[140]​^[141]​^[142]​^[143]​^[144]​^[145]​^[146]​

En contrapartida a esta escena, crecía la escena de la música acústica, inspirada en las distintas formas de música folk que en EE. UU. y Europa eran adoptadas por la contracultura hippie. La aparición deArco Iris en 1970 fue la primera señal de esta nueva tendencia. La banda, integrada en un principio porGustavo Santaolalla (guitarra y voz),Ara Tokatlian (vientos),Guillermo Bordarampé (bajo), yHoracio Gianello (batería y percusión), ganó en enero de 1970 el "Festival Beat de la Canción Internacional" deMar del Plata con el tema "Lo veo en tus ojos", que se transformó en un éxito. Pocos meses después editan una recopilación de sus sencillos bajo el título deBlues de Dana, y en mayo del mismo año editan su primer álbum oficial,Arco Iris, publicado por RCA Vik, un disco que, si bien no es enteramente acústico y contiene pasajes de alta experimentación psicodélica (como enCanción de cuna para el niño astronauta), llamaba la atención por su sonido caracterizado por la complejidad y la fusión con ritmos folklóricos, de la mano del talento del guitarrista y cantante Gustavo Santaolalla como compositor, y de Ara Tokatlian, aportando el sonido de laflauta o delsaxofón, como así también cellos y diversos instrumentos de percusión inusuales en el rock argentino de entonces. La particularidad deArco Iris no residía sólo en su propuesta musical sino también en su modo de vida mucho más conectado con la filosofía hippie que cualquier otra banda contemporánea en la Argentina. En ello fue fundamental la presencia deDanais Winnycka (Dana), una modelo ucraniana radicada en Buenos Aires, varios años mayor que los integrantes de la banda, quienes por entonces eran adolescentes viviendo en la localidad suburbana de El Palomar, en el Gran Buenos Aires. Fue ella quien introdujo a los miembros deArco Iris en el ambientemístico,vegetariano y comunitario que caracterizó a la banda y de la cual fue reconocida como "guía espiritual".

Bajo su influencia los músicos deArco Iris y Dana pasaron a vivir en comunidad en un departamento ubicado en el barrio dePalermo deBuenos Aires, en la calle Honduras y Bulnes. La comunidad se regía por estrictas reglas espirituales y de vida cotidiana, que Dana establecía, como la prohibición de carne, alcohol, drogas, y especialmente el sexo. El hecho era respetado por los seguidores de la banda, pero también provocaba el desprecio de algunos sectores, incluso dentro del mundo del rock nacional, que cuestionaban el hecho de tener a una mujer como"Maestro", llamándolos"las amas de casa del rock".^[147]​ Como también lo expresóBilly Bond:"A Arco Iris lo puteábamos, porque eran un desastre. Primero, porque andaban con una mina que les hizo la cabeza: no podían fumar ni coger, tenían que comer hierbas… Para nosotros eran unos pelotudos".^[148]​

No obstante ello, entre 1970 y 1972, mientrasArco Iris va evolucionando musicalmente hasta volcarse definitivamente al rock progresivo, comienza a surgir una nueva camada de músicos jóvenes que siguen su camino en el formato acústico. Esta tendencia alcanza su punto máximo en noviembre de 1972, cuando se lanzó el primer álbum deSui Generis,Vida, marcando el primer éxito comercial para el movimiento acústico.Sui Generis había nacido como un sexteto de rock elaborado, pero había adoptado el formato de dúo acústico, conCharly García yNito Mestre, de un modo casi casual, para actuar en el Teatro de la Comedia deMar del Plata, como teloneros dePedro y Pablo.

Pedro y Pablo (Miguel Cantilo yJorge Durietz) fue el primer dúo acústico en tener un éxito masivo con la canción «La marcha de la bronca», tema incluido en su primer álbum,Yo vivo en una ciudad, de 1970. Este álbum fue sin duda el primero en abrir el camino de canción acústica en el rock argentino. Producido porFrancis Smith, el dúo de guitarras era apoyado por una magnífica instrumentación de la Orquesta deJorge Calandrelli. Por esa época el dúo se presentaba en el circuito de café concert y, tal como lo expresóJorge Durietz, "ese primer disco casi no es rock", resaltando la influencia que tenía, sobre las composiciones de Cantilo, lachanson francesa de artistas comoGeorges Brassens, y de una pequeña escena de cantautores argentinos surgidos delInstituto Di Tella que seguían ese modelo, comoJorge Schussheim yJorge de la Vega oNacha Guevara.^[149]​ Las canciones combinaban dulces melodías y armonías vocales que, en canciones como «Dónde Va La Gente Cuando Llueve» y «La Quimera Del Confort» llegaban a asemejarse a las canciones por entonces en boga deSimon and Garfunkel, a la vez que se despachaban con críticas mordaces y ácidas ironías contra las contradicciones que hallaban en la cultura predominante de las clases medias porteñas, y lo que llamaban, justamente, "La Quimera del Confort". Pero a partir de su éxito, el dúo comenzó una etapa de experimentación a través de la vida comunitaria en una pensión delbarrio de Belgrano, en calle Conesa n.º 2563, donde convivían Cantilo y Durietz y recibían, todo el tiempo, la visita de amigos comoKubero Díaz,Roque Narvaja,Moris,Charly García,Rocambole yPappo, quienes se reunían en el patio interno de la pensión a ensayar y zapar. Fue esta experiencia la que inspiraría, poco después, a varios de los integrantes de esa comunidad a intentar la creación de una comuna hippie rural enEl Bolsón (hecho al que hace alusión la canción «El Bolsón de los Cerros», compuesta en esas sesiones). El resultado de esta experiencia comunitaria quedó plasmado, en el año 1972, en dos discos que fueron editados por el sello independiente Trova, que era manejado con gran sentido artístico por Alfredo Radoszynski. Se trata de dos álbumes muy emparentados en cuanto a su estilo, su temática y al personal que intervino y que marcaba el terreno para una fértil escena de rock acústico:Conesa, segundo álbum dePedro y Pablo, y meses despuésOctubre (mes de cambios), debut deRoque Narvaja en solitario. Dos álbumes de cantautores "comprometidos" que adoptan el sonido de folk rock lisérgico con guitarras de cuerdas de acero acompañadas por instrumentos autóctonos y climas andinos (Roque Narvaja estrenaba charango y lo cruzaba con las quenas deUña Ramos y los tambores deDomingo Cura y armonías vocales inspiradas enCrosby, Stills & Nash).^[150]​ El disco de Narvaja era el de contenido político más explícito que el rock argentino había visto hasta ese momento, con letras dedicadas aCamilo Cienfuegos y elChe Guevara ("Camilo y Ernesto") y al dirigente delPRTLuis Pujals ("Balada para Luis"), pero fijando su posición en "Revolución, mi amor", de apoyo a las posturas de lossacerdotes tercermundistas que en ese momento tenía como su gran representante en la Argentina alPadre Carlos Mugica:"Revolución con Dios/ Sueño del trabajador”. JustamenteMiguel Cantilo era quien había empezado a frecuentar el trabajo deMugica en la Villa de Retiro, llevando aRoque Narvaja y a otros músicos de rock a colaborar.^[151]​ YConesa se iniciaba, justamente, con una canción claramente inspirada en el sacerdote: "Padre Francisco", mientras que "Blues del Éxodo" y "El Bolsón de los Cerros", celebraban el abandono de las ciudades y el sueño de comunidades utópicas en el interior del país.

Pero el éxito comercial deVida terminó dejando en el olvido a esos antecedentes. Producidos por Pierre Bayona,Sui Generis había sido presentados aBilly Bond, quien consigue queJorge Álvarez los haga grabar para el sello Microfón, con todos los músicos deLa Pesada actuando como sesionistas en el estudio. El disco se grabó en dos días y llegó a vender 400.000 copias, una cifra nunca antes alcanzada por ningún disco de rock. En una nota del año 1973, la revista Pelo señala como particularidad que a los recitales deSui Generis iban mujeres, algo que casi no sucedía en el rock nacional de esa época: la nota destaca la presencia de «muchachas que no son las habituales dentro de los recitales, habían concurrido en racimos de cuatro o cinco», convocadas por canciones en las «que se entremezclan el amor de verdad, la ternura como auténtico gesto de entrega». El éxito abrumador de «Canción para mi muerte» generó en ese momento una especie de malentendido temático y musical, que tendía a encasillar al dúo fuera del rock, dentro del género pop romántico.Nito Mestre reconocía esta situación en un reportaje de 1973:

Muchas chicas que nos vienen a hacer reportajes para revistas de colegios se asombran de que nosotros tengamos ideas políticas y otras cosas; muchas creen que nosotros somos personajes románticos, sufridos lectores de poesías o empedernidos intelectuales. El público en general cuando escucha nuestro show se asombra de no encontrar lo que esperaba pero no se decepciona.

Nito Mestre^[152]​

Sui Generis fue uno de los primeros grupos de rock argentino cuyas canciones se tocaron en los fogones de los campamentos juveniles y en las reuniones de estudiantes. La banda transmitía un mensaje poético y sutil, con historias fácilmente comparables con cualquier vivencia cotidiana de los adolescentes, siendo así la primera banda de rock argentino de aceptación masiva. En un primer momento la crítica de rock, que le era adversa, lo atribuía al éxito radial de «Canción para mi muerte», que fue elegida por la revistaRolling Stone (edición argentina) y la cadenaMTV, como la canción #11 entre las100 canciones más destacadas del rock argentino. Se los veía como un simple grupo de moda con un solo hit, pero el éxito se mantuvo al año siguiente con el segundo disco,Confesiones de Invierno, un disco que incluye canciones de instrumentación más roquera, como el nuevo hit "Rasguña las piedras", y "Bienvenidos al tren", pero también conservó el atractivo de las baladas acústicas como "Aprendizaje" y "Un hada, un cisne".

El masivo éxito de los dos primeros álbumes deSui Generis abriría las puertas para toda una serie de bandas y solistas acústicos:León Gieco (quien en 1973 editaría suprimer disco homónimo, grabado y producido en forma independiente porGustavo Santaolalla, deArco Iris),Raúl Porchetto, el tríoPacífico y otros dúos comoMesías (fundado por un exintegrante del sexteto original deSui Generis,Juan Bellia, y cuyo único simple se editó merced a la ayuda deCharly García),^[153]​Pastoral yVivencia. Este último proyecto ya tenía editado un disco conceptual muy elaborado, pero alcanzó su forma definitiva en 1973 cuando, seguramente por influjo del éxito deSui Generis, se vuelca al formato folk acústico para editar su segundoálbum de estudioMi cuarto, el más exitoso del dúo en toda su carrera. Sus temas: «Los juguetes y los niños» y especialmente «Mi cuarto» se convirtieron en clásicos delrock nacional argentino.

La proliferación de estas bandas y su creciente popularidad, sumado al hecho de que a comienzos de la década se dio el auge del movimientohippie en laArgentina, llevaron al "Acusticazo" de 1972 conLeón Gieco,Raúl Porchetto,Miguel y Eugenio,Carlos Daniel Fregtman,Miguel Krochik,Litto Nebbia,David Lebón yGabriela.^[154]​ Ahí se grabó el primer disco en vivo del rock argentino.^[55]​ En los años siguientes, la mayoría de estos intérpretes terminaron alejándose del formato acústico. Pero fue en esta etapa cuando, por primera vez en su historia, el rock argentino comenzó a aparecer en el exterior, cuandoSui Generis yPastoral ganaron popularidad en Iberoamérica y el segundo grupo hasta llegó a editar unEP enJapón.^[155]​

Entrados en la década de los años 70, y siguiendo la creciente influencia de las bandas que triunfaban en Europa y Estados Unidos, también en Argentina comenzaron a aparecer intentos de acercarse alrock progresivo o sinfónico. Distintas bandas abandonaron el corto sencillopop en favor de técnicas de instrumentación y de composición más frecuentemente asociadas con eljazz o lamúsica clásica en un esfuerzo por dar a la música rock el mismo nivel de sofisticación musical y respeto de la crítica^[156]​. En el caso de Argentina, como en otros países iberoamericanos, esta fusión también se extendía a los estilos musicales típicos de esta región, como eltango y distintos géneros folklóricos.

Ya a principios de los años 70 la bandaContraluz había combinado el rock con matices progresivos yfolk. Este sería uno de los grupos más influyentes en los años previos al surgimiento delrock progresivo ysinfónico.^[157]​ El grupo participó de la primera edición del festivalB.A.Rock el miércoles 11 de noviembre de 1970 y de la segunda del mismo en noviembre de 1971,^[158]​ obteniendo gran éxito en la respuesta del público, aunque recibiendo críticas por el excesivo parecido entre su sonido y el de la banda inglesaJethro Tull. La banda no negaba esa influencia primordial; ellos también basaban gran parte de su sonido en la flauta traversa (interpretada por Alejandro Barzi), e incluso interpretaban un cover de ellos, de la canciónBourée. Su único disco,Americanos, se editó en 1973 porMusic Hall con la producción deBilly Bond, y tuvo una repercusión moderada.^[159]​

Por la misma época, enVilla del Parque, surgióMateria Gris, banda liderada porJulio Presas, que tuvo la rareza de centrar su obra no en long plays, sino directamente enóperas rock que estrenaban en teatros.Oh perra vida de Beto, estrenada en teatro en 1972 fue luego editada en long play con la presencia deLitto Nebbia yBernardo Baraj como músicos invitados. Poco después estrenaronPandemonium en teatros de Capital y Gran Buenos Aires, pero ésta no llegó a ser editada en disco^[159]​. Otra ópera rock que no llegó a ser editada en disco fueIndio, compuesta en la ciudad de Santa Fe. por Horacio Bidarra y Miguel Bertolino, ex tecladistas de la banda beatAlma Pura, quienes la presentaron el 21 de septiembre de 1973 en el Teatro Municipal de Santa Fe con su nueva bandaVirgem. Tenía casi dos horas de duración^[160]​ y su temática era la destrucción de las culturas nativas americanas tras la llegada del hombre blanco. Tras la muerte de Bertolino en un accidente de tránsito en 1975, Bidarra rearmó la banda en 1976 y en 1978 estrenó una nueva ópera rock:El principio de lo infinito, que tampoco llegó a editarse.^[161]​

En el mismo año 1971 aparecióOrion's Beethoven que en 1973 editó en Phonogram su placa debutSuperángel. Se trata de un álbum integrado, esencialmente, por dos grandes suites -compuestas ellas de temas interconectados por secuencias instrumentales- que lideran sendos lados del vinilo y son acompañadas de dos canciones más. La primera de ellas le da título al álbum, y consiste internamente de tres movimientos: “El Camino De Los Superhombres”, “Soy El Sol” y “Nirmanakaya”. Acompaña a esta suite “Retrato De Alguien”, un rock'n'roll muy en la vena de la época, que cierra el lado A. El lado B lo abre “Hijo Del Relámpago (Fuego)”, doce minutos de vadeante improvisación, climáticos crescendos y una atmósfera bastante lograda, para luego cerrar el álbum con algunos fragmentos de la “Sinfonía Nº 8 En Si Menor” deFranz Schubert arreglados al rock. Su segundo álbum ''Tercer milenio'' ya fue más convencional y para 1981 la banda lograría su momento de fama -abandonado ya el sonido progresivo, cerca del formato de hard rock de los 80 y con el nombre abreviado aOrion's- con su único éxito "Toda la noche hasta que salga el sol".

En 1972 naceAve Rock, una banda que, si bien enraizada en el blues y el hard rock, lograba sus mejores momentos cuando se alejaban de esos estilos y se adentraban en formatos progresivos deudores deYes. Con el impresionante trabajo de guitarra de Luis Borda (un adolescente en ese momento), y sus contrapuntos con los teclados de Osvaldo Caló (quien más tarde integraría la banda deAstor Piazzolla), se adelantaron aEspíritu yCrucis en la creación de un rock progresivo de influencia europea, aunque nunca llegaron a tener la popularidad de estas bandas. Ese mismo año,Arco Iris abandona su tradicional sonido acústico y, a partir de las placasTiempo de Resurrección y sobre todoSudamérica o el Regreso a la Aurora (ambos de 1972), adoptan un sonido que combinaba el progresivo y el jazz rock con el folklore local.

Cuero fue una banda efímera demúsica experimental cuyo primerLP,Tiempo después (1973), aborda el estilo de rock y blues de los años 70 con marcadas influencias de grupos británicos comoBlack Sabbath o los primeros discos deDeep Purple. Estaba integrada por Ignacio Smilari (ex -La Barra de Chocolate,Piel de Pueblo yVox Dei) en guitarra, Enrique Masllorens (ex -La Joven Guardia) en bajo y Carlos Calabró en batería. El primer disco fue bien recibido tanto en Argentina como en países latinoamericanos comoPerú,Venezuela,Brasil yMéxico. No obstante ello, luego de esteálbum el grupo se separa, cuando tanto Masllorens como Calabró deciden radicarse en los Estados Unidos.^[162]​^[163]​Ante las buenas ventas y críticas, ladiscográfica vuelve a llamar a Nacho Smilari para editar una segunda placa con el nombre de la banda.^[164]​^[165]​

Smilari, tras intentar fallidamente reclutar a sus anteriores compañeros para el segundo trabajo, convoca entre otros aOsvaldo López en batería —exLos In- y aBernardo Baraj en saxos —exAlma y Vida—,^[166]​ además de otros múltiples saxofonistas y percusionistas, buscando la influencia de los ritmos afro y larguísimos pasajes instrumentales. Por ese entonces, Smilari vivía una etapa de fascinación por el costado más experimental de la obra deSantana.^[167]​Así, este segundo LP,Crecimiento (1974), marcaría un giro en el estilo comparado con el primer disco, ya que se enfocaría más en eljazz-rock latino. Este cambio de estilo no convenció a sus antiguos seguidores y poco después de su edición la banda terminó disolviéndose sin siquiera presentarlo en vivo.

Por la misma época, otros dos exintegrantes deLa Joven Guardia, Hiacho Lezica y Félix Pando, dan vida a un proyecto que no llegaría siquiera a debutar en vivo.Gorrión quedó como una banda fantasma que encaró un proyecto ambicioso: grabar una versión adaptada al rock deLa Misa Criolla, la obra folklórica conceptual deAriel Ramírez. El mismo compositor dio su aprobación para el proyecto y supervisó las grabaciones en las que, además, participó elChango Farías Gómez. El disco se editó de manera independiente y con una portada cuando menos provocadora, con un dibujo que remitía a la contraversial obra deLeón Ferrari "La Civilización occidental y cristiana", que mostraba una imagen de Jesucristo crucificado sobre un avión de guerra estadounidense, de los que en ese momento eran utilizados en la guerra contra Vietnam. El álbum no tuvo gran repercusión al momento de ser publicado recibiendo, como todas las grabaciones relacionadas conLa Joven Guardia, una dura crítica de parte de la revista Pelo, que cerraba diciendo: "Síntesis: ni rock, ni folklore".^[168]​Nunca fue presentado en vivo y la banda se disolvió.

La bandaEspíritu formada en 1973 fue un grupo que marcó el apogeo del rock sinfónico en la Argentina. Recomendados porDavid Lebón (quien se incorporó brevemente al grupo como tecladista, pero acabaría abandonándolo para formarPolifemo) se convirtieron en protegidos deJorge Álvarez, quien ansiaba producir una banda de rock progresivo en el país. Álvarez les produce, para el sello Microfón, su primer simple: “Hoy Siempre Hoy” y “Soy la Noche”, que empieza a sonar bastante en las radios.^[169]​ Su primer álbumCrisálida, fue pensado como una obra conceptual completa de 50 minutos de duración, por lo que no aparecen silencios entre los cambios de una canción a otra, es citado como su mejor trabajo y se le atribuyen influencias deYes,Genesis y del progresivo italiano, especialmente de bandas comoPremiata Formeria Marconi,Celeste,Biglietto per L'Inferno, ySemiramis.^[170]​ Las presentaciones en vivo también estaban concebidas como una performance teatral, con escenografías y vestuarios especiales para cada show.

CuandoEspíritu se rebeló contra las directrices que pretendía imponerlesJorge Álvarez, éste intentó reactivar su proyecto contratando aCrucis, banda formada en agosto de 1974 porGustavo Montesano (guitarra y voz),José Luis Fernández (bajo), Daniel Frenkel (batería) y Daniel Oil (teclados). Cuando Fernández dejó la banda para unirse aLa Máquina de Hacer Pájaros, Montesano pasó al bajo. Luego se les uniríanPino Marrone yAníbal Kerpel. Su música, de una gran técnica y calidad musical única, atrajo seguidores en la escenaunderground, para luego comenzar a tocar en lugares más grandes. Hacia 1975 su música comenzó a tener más éxito, al punto de que el mismoCharly García fue a ver uno de sus conciertos para "comprobar superfomance", ofreciéndose a producir su primer álbum, homónimo.^[171]​ En cuanto al segundo disco,Los Delirios del Mariscal, grabado y editado en 1977, lo mezclaron en Nueva York. Con este material realizaron giras por Estados Unidos, dejando impresionado al público que iba a verlos y escucharlos. Poco después de haber lanzado este disco y de regreso a la Argentina, se conoce la imprevista noticia que se separan por conflictos personales entre ellos.^[172]​

En 1974 hace su debut la bandaMadre Atómica, que tomaba su nombre de un álbum dePink Floyd. Formado en 1973, este trío constituía elboom del circuito underground:Lito Epumer en guitarra,Mono Fontana en la batería y Rubén Darío Alcaraz en el bajo ―luego reemplazado por el adolescente de 15 añosPedro Aznar―, conformaban uno de los grupos más virtuosos del medio.Pedro Aznar tocaba el bajo sin trastes con claras influencias deJaco Pastorius y toda la banda tendía hacia la fusión con el jazz, manifestando la influencia del sonido de bandas comoWeather Report yReturn To Forever. En 1975Quique Sinessi sustituyó a Epumer, pero diferencias internas disolvieron la banda.

Por esa misma épocaSui Generis inició una transición de un rock acústico a un sonido más eléctrico y visceral con su tercer álbum,Pequeñas anécdotas sobre las instituciones. La banda había dejado de ser un dúo y pasaba a ser un cuarteto, con la incorporación deRinaldo Rafanelli en bajo y guitarras yJuan Rodríguez en batería. El disco sorprendió a la crítica y a losfans, con un estilo derock sinfónico, incluyendo instrumentos electrónicos novedosos para la época y una marcada temática de crítica política. Este nuevo rasgo surge de las conversaciones que por ese momento teníaCharly García con el intelectual izquierdistaDavid Viñas y que lo llevaron, por un breve espacio de tiempo, a militar en elPartido Comunista Revolucionario, de tendenciamaoísta.^[173]​ Con el tiempo, García se apartó de la militancia y llegó a burlarse de aquella época, pero de este período quedó un disco con letras explícitas y una visión totalmente ácida sobre las «instituciones» básicas de la sociedad: la familia, el Estado, las Fuerzas Armadas, al tiempo que denunciaba la represión policial, la censura, los asesinatos políticos. Musicalmente, el álbum mostraba un cambio estilístico de fondo, más complejo, conceptual y orientado alrock sinfónico. “Tema de Natalio” es un instrumental que bien refleja este cambio o“El Show de los Muertos”, en el que cuatro de los ocho minutos que dura la canción están ocupados por distorsiones con teclados. Suena extraño escuchar estos sonidos adaptados a un grupo que, hasta ese momento, se había identificado por un sonido casi opuesto. Contaba además con los coros deMaría Rosa Yorio, pareja deCharly García por la época, y aportes de numerosos músicos invitados. El disco fue muy elogiado aunque no vendió como se esperaba. Al público y a los productores, le costaba entender la evolución musical de Charly y les exigía volver al estilo acústico y sencillo de los dos primeros álbumes. Por otra parte tanto García como Mestre y el resto de la banda, habían comenzado a consumirácido lisérgico. Charly decidió entonces realizar un nuevo álbum conceptual alrededor de lapsicodelia y pensó en un nombre:Ha sido. La banda llegó a grabar todo el álbum, pero losmanagers y productores se negaron a editarlo, presionando para que el grupo volviera a las baladas iniciales que tenían asegurado el éxito comercial. Finalmente tuvieron que resignarse a lanzar unEP, con uno solo de los temas del álbum nuevo («Alto en la torre») y tres temas de los álbumes anteriores.^[174]​ El contenido completo y las grabaciones del frustrado álbumHa sido nunca han sido dados a conocer públicamente. Se sabe que al menos lo integraban «Entra eléctrico», «Nena (Eiti Leda)», «Bubulina», «Fabricante de mentiras» y probablemente también, «La fuga del paralítico», un instrumental deRinaldo Rafanelli. El propio Rafanelli dijo al respecto:

Jamás llegué a entender por quéHa sido no se editó; porque lo grabamos y todo. Era una cosa muy loca, con letras de Charly que hablaban de los gusanos de la mente de la gente. Eso sí: no era Sui Generis tal cual se lo conoció.

Rinaldo Rafanelli.^[175]​

Después de eso, García y Mestre intentaron darle un nuevo impulso al folk rock acústico con el proyectoPorSuiGieco, una especie de superbanda con otros dos cantantes acústicos,Raúl Porchetto yLeón Gieco, además de la mencionadaMaría Rosa Yorio. Pero incluso en este proyecto terminaron filtrándose elementos eléctricos en sus canciones más destacadas, como "Quiero ver, quiero ser, quiero entrar" y "El Fantasma de Canterville".

En Rosario, en 1973, nacePablo El Enterrador, una banda progresiva que contaba con la presencia deLalo De los Santos yRubén Goldín, dos músicos que luego alcanzarían notoriedad al margen del rock, con la llamadaTrova Rosarina. El 11 de enero de 1974 tocan en la sala Evita como soporte deRaúl Porchetto, que presentaba su ópera rockCristo Rock, obra grabada junto a los músicos deLa Pesada, y que puede ser considerada otra de las obras fundacionales del rock progresivo en Argentina. En esa actuación, Porchetto se deslumbra con Goldín y De Los Santos invitándolos a formar una nueva banda en Capital. El resultado esReino de Munt, otra banda de rock progresivo, que contaría, además con el tecladistaAlejandro Lerner en sus filas.^[155]​ Tras unos pocos meses, y sin llegar a debutar con la banda, los rosarinos deciden volver a su ciudad natal, siendo reemplazados por el guitarristaGustavo Bazterrica y el bajistaFrank Ojstersek, respectivamente. En Rosario,Rubén Goldín forma otra banda progresiva,Exordio de Bruja, mientras que De los Santos vuelve a integrarPablo El Enterrador, que grabaría un único disco homónimo en RCA en 1983. Por esa época, en laProvincia de Santa Fe existió toda una escena de rock progresivo, tanto enRosario (con bandas comoIrreal y Síntesis), como en la capital provincial conVirgem yAgnus, una banda que fusionaba climas folklóricos con pasajes medievales y coros femeninos.

El rock progresivo argentino alcanzaría su pico de popularidad en 1975. En ese año,Sui Generis pone fin a su carrera, dando dos conciertos conocidos comoAdiós Sui Generis en elLuna Park el 5 de septiembre de 1975. En un principio las once mil localidades se habían agotado en dos semanas, por lo que se agregó una función, según Mestre fue el primer concierto multitudinario de rock en Argentina.^[176]​^[177]​ Se grabó una película a colorcon el mismo nombre sobre aquellos conciertos, en donde se pudo escuchar por primera vez canciones como "Bubulina", "Nena" (que luego integraría el primer disco deSerú Girán con el nombre cambiado a "Eiti Leda") y "El blues del levante". La película, estrenada ya durante la dictadura instalada en 1976, fue prohibida para menores de 18 años.^[178]​Se sugiere que los conciertos de despedida deSui Generis fueron el punto final de la tendencia hacia el formato acústico predominante en la escena, el rock acústico se fue disolviendo y las bandas se separarían o cambiarían su sonido. Las que continuaron en ese estilo, comoPastoral y el nuevo proyecto deNito Mestre,Los Desconocidos de Siempre, conservaron algo de popularidad pero, salvo algún éxito masivo durante la dictadura, como "Sólo le pido a Dios" deLeón Gieco, se fueron alejando cada vez más del centro de la escena del rock nacional.^[179]​Raúl Porchetto, quien ya se había acercado al rock progresivo con su conceptualCristo Rock y posteriormente con su bandaReino de Munt, se alejaría definitvamente del formato acústico y rozaría la new wave en discos comoMetegol (1980) yTelevisión (1981), con la participación de los futurosG.I.T. Pablo Guyot, Willy Iturri y Alfredo Toth.

El mismo año 1975 nace en Villa AdelinaMúsicos Independientes Asociados (MIA) como una cooperativa independiente para impulsar la aparición de nuevos músicos. Era impulsada básicamente por el matrimonio del docente musical Rubens "Donvi" Vitale y la antropóloga, arqueóloga, profesora, escritora y gestora Esther Soto. La idea era crear una forma de productora independiente y no comercial para sus hijosLiliana Vitale yLito Vitale (por entonces un joven pianista de apenas 12 años). A estos se fueron sumando alumnos de Donvi Vitale, pasando por el proyecto alrededor de cincuenta músicos^[180]​ tales comoAlberto Muñoz,Verónica Condomí yJuan del Barrio, así como también sonidistas, iluminadores, diseñadores gráficos, etc.^[180]​ Así, la cooperativa llegó a tener alrededor de 60 personas^[181]​ que producían sus propios recitales y grabaciones fuera del circuito comercial, convirtiéndolos en precursores del rock independiente en Argentina. Muchos de los músicos participantes lograron editar sus propias placas solistas en la pequeña discográfica, en distintos géneros musicales, que iban desde la proyección folklórica al jazz-fusión. Además, bajo la denominación deMIA se presentaban como banda y lanzaron cuatro discos directamente enraizados en el rock progresivo de influencia británica, empezando conTransparencias, en 1976. Su segundo disco,Mágicos juegos del tiempo, centraba su argumento en la vida de un personaje imaginario llamado Juliana Gabina, desde niña hasta su adolescencia.^[181]​

La bandaEl Reloj, que había nacido con una propuesta más cercana alblues y alhard rock a principios de los ‘70, con una fuerte y notable influencia deDeep Purple, viraría hacia un estilo de progresivo barroco, con tintes sinfónicos y mucha distorsión en su placa homónima de 1975.

César "Banana" Pueyrredón, nombre con el que es conocido César Honorio Pueyrredon (n. 7 de julio de 1952 en Buenos Aires) había formado la bandaBanana en 1969, junto a su hermano Daniel Pueyrredón y su primo Alejandro Giordano y con temas como "Conociéndote" y "Toda una Noche" definieron con su impronta el rock melódico y romántico en la Argentina, obteniendo un éxito comercial que excedía al ambiente del rock nacional y los acercaba al circuito de la música melódica. Sin embargo en 1975, influido por la escucha de la banda holandesaFocus, decide adoptar un sonido más roquero y elaborado, reemplazando a los otros dos miembros por músicos con trayectoria en el rock, como eranPablo Guyot yWilly Iturri, que venían de tocar enReino de Munt. Con esta nueva formación, continúan tocando sus hits en vivo, pero dándole un sonido más potente e incorporando en sus shows el cover deSmoke On The Water deDeep Purple. Finalmente, a partir de 1979, y pese al alejamiento de Guyot e Iturri, una nueva formación deBanana incorpora este cambio estilístico a sus grabaciones, editando el disco "Aún es tiempo de soñar", de clara impronta progresiva sinfónica. Este sonido tuvo cierta continuidad en dos discos posteriores:Licuado (1980), yDe Entrecasa (1983), aunque en estos se combinaban las canciones progresivas con baladas románticas como las que le habían dado éxito a la banda. En 1984 el grupo se separaría y Pueyrredón daría inicio a una exitosa carrera como solista dentro de la canción pop y la balada romántica.^[182]​

En 1976 surgió la banda sinfónicaAlas, cuando el trompetista, tecladista y cantanteGustavo Moretto se alejó deAlma y Vida y convocó aCarlos Riganti (exbaterista de la bandaMateria Gris), y aÁlex Zuker (bajista y guitarrista dePedro y Pablo). En su efímera existencia (entre 1975 y 1978) se caracterizó por un estilo que fusionabarock con influencias deltango,folklore argentino yjazz. Después de un auspicioso debut en el teatro IFT (de Buenos Aires), a mediados de 1976 apareció su álbum debut,Alas, que contenía solo dos extensas composiciones, «Buenos Aires solo es piedra» y «La Muerte contó el dinero», divididas en seis y siete subtemas respectivamente. En el primero predominaba un sonido tanguero, mientras que el segundo estaba basado en un ritmo de vidala, aunque siempre guiado por los sintetizadores y un sonido que recibió comparaciones con el deEmerson, Lake & Palmer, aunque con más influencias jazzeras. Tras el verano de 1977, Álex Zucker se radicó en Estados Unidos. Su lugar enAlas fue ocupado por un muy jovenPedro Aznar (de 17 años), que venía de tocar enMadre Atómica. Con esta nueva formación, más el aporte deDaniel Binelli yNéstor Marconi en bandoneón,Alas realizó una nueva serie de presentaciones, pero volvió a ser trío para la grabación de un segundo álbum, bautizado comoPinta tu aldea, que se grabó en 1977, pero recién sería editado en 1983, cuando la banda ya no existía. El segundo disco muestra un esfuerzo por alejarse del sonido deEmerson, Lake & Palmer y profundizar la influencia deltango.

Esta misma fusión con los sonidos rioplatenses fue llevada aun más lejos porSaloma, banda liderada porAlejandro Del Prado que generaba ambientes musicales de claro corte progresivo, pero incorporando en grandes dosis sonidos de música tradicional rioplatense; principalmente delcandombe, pero también de tango y milonga con el bandoneón deDaniel Binelli. En 1977 editaron su único longplay,Canciones de Buenos Aires, que tiene la rareza de musicalizar textos de poetas comoRaúl González Tuñón,Osvaldo Ardizzone yJorge Boccanera.

Luego de disolverseSui Generis,Charly García formóLa Máquina de Hacer Pájaros, otro exponente de rock progresivo, introduciendo la novedad de dos tecladistas simultáneos en escena (García yCarlos Cutaia), además deOscar Moro (exLos Gatos yColor Humano) en batería,Gustavo Bazterrica (exReino de Munt) en guitarra, yJosé Luis Fernández (exCrucis) en bajo. Esta banda, como dijo García, pretendía ser “elYes del subdesarrollo”. Los críticos le reconocen fuertes influencias deGenesis,Yes,Camel,Focus ySteely Dan. TambiénInvisible, el trío formado porLuis Alberto Spinetta tras la disolución dePescado Rabioso, puede ser catalogado como progresivo, especialmente desde su segundo disco,Durazno Sangrando, una obra conceptual inspirada en nociones tomadas por Spinetta de la obra del filósofo y psicólogo suizoCarl Jung basada en el tradicional libro chinoEl secreto de la flor de oro.

En esa época se formaron otros grupos sinfónicos y progresivos comoBubú,Anacrusa (más enraizado en la proyección folklórica, pero con instrumentación e influencias del rock progresivo), Canturbe, Rayuela, Redd de Tucumán o Trigémino, de Quilmes.Arco Iris continuó expandiendo su folk/rock jazzero-progresivo, primero en la Argentina y después en Estados Unidos, donde la banda se radicó en septiembre de 1977. Después de esta partida, uno de los exintegrantes que se quedó en Argentina,Horacio Gianello, fundóAvatar, una curiosa formación con dos baterías que continuó el legado del rock fusión progresivo hasta 1983. Gianello, que no participaba de la formación, actuaba como director musical y asesor, mientras que el líder y compositor de casi todos los temas eraCarlosPiraña Piégari, un ex Sui Generis. Otro de los ejemplos más tardíos de acercamiento al rock progresivo se dio en 1981 conSobre miedos, creencias y supersticiones, el debut solista deLito Vitale. Este álbum denota una inspiración de las bandas progresivas y sinfónicas de la época, comoYes,Emerson, Lake & Palmer,Genesis, y una mezcla con la música nativa.

El 24 de marzo de 1976, el gobierno democrático deMaría Estela Martínez de Perón fue derrocado por un golpe de Estado cívico-militar que se autodenominóProceso de Reorganización Nacional, abriendo uno de los períodos más oscuros de la historia argentina, marcado por la represión, censura y la masivadesaparición forzada de personas. El rock argentino, al igual que la sociedad en su totalidad, sufrió el período de mayor censura de su historia. El rock era percibido como de caráctersubversivo por los militares, y en un discurso de 1976 el almiranteEmilio Massera, denunció a sus músicos y fanáticos como potenciales subversivos. Paradójicamente, esta antinomia no pasó de ser un enfrentamiento meramente retórico. Durante la dictadura hubo miles de desaparecidos, de todas las profesiones y orígenes sociales, pero no hubo ni un solo músico de rock que integre esa lista. Tampoco ninguno sufrió prisión. En términos del periodista Mariano Dal Mazo:"lo que se oficializa en la dictadura es el exterminio de la guerrilla, y en ese plan sistemático el rock no fue perseguido porque no era un peligro”.^[183]​O, como también lo expresó el músico Iván Noble:"No hay ningún desaparecido del rock. No hay un Víctor Jara en la Argentina, un tipo al que le martillaron los dedos en Chile. En la música popular hubo tipos que tuvieron que exiliarse por supuesto, pero después volvieron y siguieron cantando".^[184]​ Entre los músicos de rock que se exiliaron se encuentranMoris,Litto Nebbia,Crucis,Edelmiro Molinari,Gabriela,Gustavo Santaolalla,Arco Iris,Miguel Cantilo yRoque Narvaja, e inclusive el productorJorge Álvarez. Todos ellos lo hicieron por voluntad propia temiendo por sus vidas, pero muchos de ellos retornaron antes del regreso de la democracia. También regresaron, incluso, algunos que se habían ido antes del golpe de Estado (comoMiguel Abuelo yAquelarre). Los músicos que quedaron en la Argentina, en general, no sufrieron molestias adicionales a las de la generalidad de la población durante aquella difícil etapa marcada por el terrorismo de Estado. Y si bien la movida nocturna y el ambiente cultural se tornó difícil, con permanentes patrullajes policiales y militares en las calles, espacios distintivos del underground, con signos tan diversos como "Jazz y Pop" y el Café Einstein, nacieron en este período y se erigieron en refugios para músicos y artistas. Incluso es en 1978 cuando se inaugura el Estadio de Obras Sanitarias, que pronto pasaría a ser denominado "El Templo del Rock Nacional".

El principal daño ocasionado por el Proceso al rock nacional se relaciona con la censura impuesta por el régimen y la autocensura a la que se vieron arrastrados sellos discográficos y medios de prensa. El intercambio informativo con el exterior dejó de fluir y, en una época en que el rock a nivel mundial sufrió sus mayores cambios, en la Argentina quedó detenido. El punk, el post punk, la new wave y las principales tendencias internacionales no llegarían a plasmar en la Argentina sino hasta después de la apertura originada por la Guerra de Malvinas. En pleno apogeo mundial del punk, las bandas que se disputaban todo el público en Buenos Aires eranSerú Girán ySpinetta Jade, ambas procedentes del rock progresivo con apertura hacia el jazz rock.

"Este género que hizo su ingreso triunfal durante la dictadura militar nunca existió en ninguna otra ciudad excepto en Buenos Aires. Quizás fue algo orquestado o el fruto de mezclar lo poco que nos llegaba del resto del mundo".

Con estas palabras inicia el DJ y periodistaBobby Flores su artículo titulado "¿Es el jazz rock un invento argentino?".^[185]​ Señala, con precisión, que en los primeros años del Proceso, junto con la merma en las ediciones nacionales de discos de rock internacional, las disquerías porteñas, comenzaron a separar, en sus bateas, sectores con música catalogada como "Jazz - Rock", algo que nunca se vio en otras ciudades."Siempre sospeché que el jazz rock era un invento argentino. Lo comprobé en Río de Janeiro, en París, en Londres, en Lima, en New York, en Bogotá y en Los Ángeles. En ninguna disquería de esas grandes ciudades encontré alguna batea que dijera Jazz-Rock."^[185]​ Resulta llamativo que, ya en épocas de internet, no es común encontrar fuentes en idioma inglés que traten como género al "jazz-rock", sino que más bien lo engloban en otras tendencias como "jazz-fusión".

De cualquier modo, se ha definido alJazz-Rock como un término paraguas que engloba distintas manifestaciones musicales que tienen en común "la fusión de instrumentos y elementos sonoros propios del jazz y la experimentación con los ritmos e instrumentos eléctricos del rock".^[186]​ Dentro de este género se engloban los primeros experimentos llevados a cabo en los años '60 por músicos de jazz comoMiles Davis,John MacLaughlin yHerbie Hancock para incorporar sonidos del rock, y más por el lado del rock a grupos comoSoft Machine,Grateful Dead yFrank Zappa, quienes incorporaron a sus jams roqueras ritmos y sonidos del jazz tradicional. También se suele prodigar este mote a bandas derock menos experimentales que incorporaron sonidos e instrumentación del jazz dentro de canciones de estructura pop más convencional (comoChicago,Blood, Sweat & Tears oSteely Dan, esta última de enorme influencia en el rock argentino, entre otras cosas porque varios de sus discos eran los que sonaban antes de los recitales deSerú Girán ySpinetta Jade. Se dice que los sonidistas ponían sus discos para calibrar el PA antes de los conciertos). Ya en los 70, en pleno auge del rock progresivo, se usó esta etiqueta para músicos de jazz que, con instrumentación eléctrica, trataban de adaptar el sonido del jazz al formato de álbumes conceptuales, divididos en canciones y suites, propio del rock progresivo. En esta categoría es donde brillanWeather Report,Return to Forever, y laMahavishnu Orchestra.

En la Argentina, donde existía una escena de jazz muy desarrollada, las fusiones con el rock siempre existieron. En la acepción más convencional del concepto, como es el de incorporar vientos y modismos jazzeros a canciones pop,Alma y Vida resulta la banda pionera y la primera en imponer la fusión a nivel comercial, especialmente a partir de su segundo disco,Volumen 2, de 1973, que incluía éxitos radiales como «Hoy te queremos cantar», «Don quijote de barba y gabán» y «Para mí no hay jaula». Pero también el desarrollo del rock progresivo llevó a múltiples y variadas fusiones. Justamente el trompetista, pianista y compositor deAlma y Vida,Gustavo Moretto, es quien abandona la banda para formarAlas, banda progresiva de gran influencia jazzera especialmente a través del sonido del bajo dePedro Aznar. Éste provenía deMadre Atómica, otra banda de clara impronta jazzística. También había marcas de jazz en el sonido de otras bandas progresivas comoMIA o los últimosArco Iris.

En 1973, uno de los considerados padres fundadores del rock argentino,Litto Nebbia, había dado un paso fundamental en esa fusión, al grabar el álbumMuerte en la Catedral, acompañado por dos músicos de enorme prestigio en la escena del jazz porteño: Jorge "Negro" González en bajo y Néstor Astarita en batería, conformando lo que se llamó el "Litto Nebbia Trío", experiencia que duró hasta 1978 y que dejó como resultado la mejor sucesión de álbumes en la extensa carrera de Nebbia. Al históricoMuerte en la Catedral le siguióMelopea (1974, en el que suma también al guitarristaRodolfo Alchourron y al bandoneonistaRodolfo Mederos, ambos procedentes del ensambleSanata y Clarificación, agrupación pionera en la fusión entre jazz y tango),Fuera del cielo (1975),Bazar de los milagros (1976) yEl vendedor de promesas (1977), todos discos de innegable tinte jazzístico sin dejar de lado el tono de canción psicodélica.

El siguiente músico del núcleo fundacional del rock argentino que se suma a la confluencia con el jazz esLuis Alberto Spinetta. EnEl Jardín de los Presentes (1976), el tercer y último disco de su bandaInvisible, el original power trío de hard rock progresivo se convertiría en un cuarteto, con la inclusión deTommy Gubitsch, un joven guitarrista que tendría un paso efímero por el rock argentino, ya que tras la disolución deInvisible se radicó definitivamente en Francia donde desarrolló una extensa carrera como compositor, arreglista y director de orquesta. Se trata de un álbum orientado más hacia la canción y con matices de jazz y música autóctona (con la presencia de un bandoneón en las cancionesLos Libros de la Buena Memoria yLas Golondrinas de Plaza de Mayo, mientras queGustavo Moretto ejecutaba en esta última canción y enRuido de magia el sintetizador polifónicoARP String Ensemble).

Tras el fin deInvisible, todos sus exintegrantes comienzan a intentar un acercamiento al jazz rock.Pomo yMachi creanSr. Zutano, una banda con la intención de servir de expresión para las canciones que venía componiendo el baterista Pomo. A poco de iniciar su andadura,Machi Rufino se va para unirse a otro proyecto de similares características: en 1977 habían regresado al país los músicos deAquelarre, que se hallaban viviendo en España desde 1975. Vinieron a dar su concierto de despedida (en el Luna Park) y, a continuaciónHéctor Starc yRodolfo García convocaron a Machi para formar un trío de jazz rock experimental:Tantor, que editó sudisco debut a principio de 1979, conLito Vitale yLeo Sujatovich como tecladistas invitados. En ese momento,Pomo reformaSr. Zutano incorporando al guitarristaLito Epumer (deMadre Atómica), el bajista y cantanteFrank Ojstersek, (exReino de Munt), y el tecladistaJuan Del Barrio (del grupoM.I.A.).Sr. Zutano recibió gran apoyo de la prensa por los músicos involucrados, pero sólo tocaron en vivo unas pocas veces y luego se disolvieron sin llegar a editar ningún material.

En cuanto a Spinetta, ni bien terminó su etapa deInvisible, se volcó de lleno al sonido entonces conocido como jazz rock con el álbumA 18' del sol, un disco al que años después, el propio Spinetta caracterizó como "la mejor grabación que hice en mi vida".^[187]​ La atmósfera del disco, algo alejada delrock, es delicada y suave, priorizando el mood antes que la melodía en buena parte del disco. Años después, en una entrevista con Pipo Lernoud, Spinetta recordaría: "Sabía que lo que estaba haciendo era suficientemente peligroso a nivel musical. Me propuse investigar. Que aparecieran cosas en la guitarra que no fueran parecidas a otras, escuchar un tipo de música que nunca me había permitido escuchar con libertad, porque tenía la sensación de que el jazz era música para tipos con un whisky en la mano, apoyados en la barra de un boliche oscuro. Y después me di cuenta de que el jazz es la libertad, que no se fija límites a la inspiración, te podés imaginar cualquier temática y trabajar sobre eso”^[187]​. El acercamiento sin restricciones al jazz surgió principalmente de la influencia que tuvo sobre Spinetta haber empezado a trabajar conDiego Rapoport, quien había participado de la última formación deArco Iris y llegó a Spinetta por mediación del exAlma y VidaGustavo Moretto. Rapoport le abre las puertas a las posibilidades musicales que ofrecía eljazz-pop de ese momento, sobre todo el que expresaba laMahavishnu Orchestra deJohn McLaughlin. La influencia de ese encuentro con el jazz se sentiría, con posterioridad, en toda la obra de Spinetta, tanto desde el punto de vista armónico como en la forma de concebir la instrumentación y los arreglos.

Para interpretarA 18' del sol, Spinetta organizó una banda con el propio Rapoport en teclados, Machi Rufino en el bajo (continuando la relación deInvisible) yOsvaldo Adrián López, un baterista de formación jazzística, que había integradoSanata y Clarificación y había llegado a tocar con elMono Villegas. También contó con la participación de su hermano Gustavo y Marcelo Vidal en el temaViento del azur. Así comenzó lo que Spinetta llamaba su "proyecto jazzero",^[188]​ y a formarse la banda con la que Spinetta tocó en esos años finales de la década de 1970, conocida con el nombre deBanda Spinetta. A fines de 1977, laBanda Spinetta se fue ampliando por la convocatoria a nuevos músicos para profundizar este período de orientación al jazz de Spinetta, comoLeo Sujatovich (teclados),Gustavo Bazterrica (guitarra),Rinaldo Rafanelli (bajo), por primera vez instrumentos de viento a cargo deBernardo Baraj (saxo),Gustavo Moretto (trompeta),Ricardo Sanz (bajo),Eduardo Zvetelman (teclados) yLuis Ceravolo (batería).

Poco después delMundial de 1978,Litto Nebbia decidió abandonar el país y se radicaría durante tres años en México. Pero ya en ese momento, los otros dos integrantes de su trío, los jazzeros Néstor Astarita y Jorge González, junto a Gustavo Alessio, habían creado elJazz y Pop, un boliche con música en vivo en el que compartían escenario músicos de jazz, de rock, tango y bossanova. Allí diferentes géneros y artistas convivían y se mezclaban en un mismo espacio de libertad. El local se convirtió en el reducto cultural donde a partir de la expresión artística, se escapaba de la censura y persecución de la época. El equipo periodístico y de dibujantes de revistaHum®, el artistaFederico Peralta Ramos oLuca Prodan se mezclaban entre otros de sus personajes habitués. Sobre el escenario, músicos y artistas de la escena local comoLuis Alberto Spinetta,Dino Saluzzi,Litto Nebbia,Walter Malosetti, el Chivo Borraro,Bernardo Baraj,Gustavo Bergalli,Leo Sujatovich oBaby López Fürst, compartían jams entre sí mientras que músicos de la escena internacional comoHermeto Pascoal,Chick Corea,Larry Coryell,Jean-Luc Ponty oGilberto Gil, pasaban por Buenos Aires y, después de sus shows en teatros, pasaban sin aviso previo porJazz y Pop y hacían pequeños sets o se sumaban a las jams con los músicos locales. Entre los músicos extranjeros que frecuentaban el lugar se contaban los uruguayosHugo yOsvaldo Fattoruso yRubén Rada, que por entonces tenían renombre mundial con su proyectoOpa, uno de los nombres más destacados por la época de la escena de fusión jazz rock. A partir de 1979, el afrouruguayoRada se radicó (al principio de modo provisorio pero luego definitivamente) en Buenos Aires, y desde entonces fue un nombre crucial de esta escena, actuando semanalmente en el local. Siendo un gran percusionista,Rada marcó una novedad en la misma, puesto que a la fusión de jazz y rock le agregó los ritmos bailables y la influencia del candombe, creando sonidos bailables y, a través de su personalidad desbordante y siempre cercana al humor, shows divertidos sin perder la complejidad jazzística. Su primer proyecto en Argentina fue la creación de una banda a partir de los músicos con los que zapaba enJazz & Pop (Gustavo Moretto luego reemplazado porJorge Navarro,Bernardo Baraj,Benny Izaguirre, Ricardo Lew,Ricardo Sanz yLuis Cerávolo). El proyecto se llamó, simplemente,La Banda, y consiguió no sólo romper con la solemnidad de la escena jazz rock de la época, sino que hasta tuvo un discreto hit radial con la canción que abría el disco:Rock de la Calle. Según la crónica de la Revista Pelo: "La Banda es un grupo que apareció en 1978 con la finalidad de registrar un álbum y autosepultarse, ya que su directo, Rubén Rada, pensaba emigrar nuevamente a Estados Unidos, de donde había llegado ese año. Sin embargo la formación se convirtió en un fenómeno de éxito en los locales nocturnos donde actuó, hasta que finalmente dio una serie de conciertos (en julio) que la afirmó como una de las bandas más sincronizadas de la música popular argentina, aun cuando la caracteriza una fusión de rock, jazz y candombe. El deslumbramiento que provocan en las audiencias proviene, en buena parte, de Rada, quien, además de cantar y encargarse de la percusión, le adiciona una cuota de desacostumbrado humor".^[189]​

La Banda tocaba semanalmente en Jazz & Pop y alternaba con otros boliches jazzeros como Satchmo -donde había debutado- y Music Up más algunas apariciones en teatros del centro. Sergio Marchi destaca las presentaciones en elTeatro Margarita Xirgu:^[190]​

(...) donde se generaba una atmósfera especial. Sobre todo cuando al final del concierto entraba por el pasillo del teatro una fila de tamborileros, se subía al escenario y después bajaba seguida por todos los músicos y por todo el público. La verdadera conclusión acontecía en la calle Chacabuco con la gente enloquecida por el ritmo del tambor en tiempos de dictadura, donde aquello constituía una verdadera afrenta al orden público. Rada siempre tenía el buen timing para la llamada final antes que apareciera algún patrullero. Calle, que le dicen.

Ese era el ambiente en que el público del rock comenzaba a moverse y a acostumbrar su oído a fusiones estilísticas y sonidos procedentes del jazz. Este ambiente de experimentación y cruce de estilos se extendía a otros locales como Music-Up, en pleno centro porteño (funcionaba en el primer piso de la disquería Zivals, en Corrientes esquina Callao), donde tocaban asiduamente músicos comoRodolfo Alchourron yRodolfo Mederos y elMono Villegas, pero también músicos de rock comoLitto Nebbia, su esposa Mirta Defilpo,Rubén Rada conEmilio Del Guercio,Saloma ySolopororo (la primera banda liderada porAlejandro Lerner).^[191]​ Otro punto focal de la escena fue, desde 1979 "La Trastienda", donde estaba instalado permanentemente el piano deEnrique "Mono" Villegas, y se creaban ciclos de un día de semana fijo para artistas de distintos estilos como el mismoVillegas,Alejandro Lerner y folkloristas de fusión comoManolo Juárez yChango Farías Gómez.^[192]​ Los músicos de rock nacional que frecuentaban este circuito comenzaban a dar forma a proyectos más relacionados con el jazz, y este estilo se volcaba desde Buenos Aires, hacia los festivales del interior, donde sorprendían bandas como los santafesinosSíntesis yFata Morgana y los cordobesesGarage yGrupo Encuentro, luego convertido aLos Músicos del Centro. Con este nombre, y desde 1982, se convertirían en la banda de acompañamiento deLitto Nebbia tras su regreso al país, grabando juntos el álbum "Llegamos de los barcos".

Fue ese el ambiente que recibió aCharly García en 1978 cuando, tras sus vacaciones en Buzios, volvió a presentar aSerú Girán, grupo que fusionaba sonidos derock progresivo, jazz y pop en formato canción, convirtiéndose en pieza estelar de la escena del rock nacional. La única banda que, desde 1980, se acercaría a ese éxito, fueSpinetta Jade,superbanda con la queLuis Alberto Spinetta dio el salto desde su "proyecto jazzero" otra vez al formato canción con una formación especialmente diseñada para incorporar sonoridades del jazz rock. Para ello, Spinetta se reservó el rol de único guitarrista y se rodeó por dos teclados. En una formación siempre variable, porJade pasó la flor y nata de la escena jazz rock argentina, junto aSpinetta yPomo que fueron los únicos dos integrantes fijos durante toda su trayectoria. En uno de los teclados se sucedieronJuan del Barrio (deMIA),Leo Sujatovich (deSr. Zutano) y elMono Fontana (deMadre Atómica). En el otro teclado se sucedieronLito Vitale (deMIA) yDiego Rapoport (exArco Iris yBanda Spinetta), hasta que la banda dejó de tener dos teclados. En elbajo se sucedieronPedro Aznar (Madre Atómica,Alas ySerú Girán),Beto Satragni (Raíces),Frank Ojstersek (Reino de Munt ySr. Zutano),César Franov (deLos Músicos del Centro) yPaul Dourge. En la última formación se suma tambiénLito Epumer (deMadre Atómica) en segunda guitarra.

Los primeros intentos por formar bandas denew wave procedían en general de los músicos que se habían ido al exterior al principio de la dictadura y que, al ver que no había riesgo en regresar, intentaban venir con esa información privilegiada para crear una nueva sensación en la escena local. Fue el caso deMiguel Cantilo con su grupoPunch, deMiguel Abuelo con la nueva formación deLos Abuelos de la Nada yGustavo Santaolalla cuando grabó su álbumSantaolalla, acompañado por una banda integrada porAlfredo Toth (bajo),Willy Iturri (batería),Alejandro Lerner (teclados),Rubén Rada (congas),Oscar Kreimer (saxo),Osqui Amante (percusión) yMónica Campins (coros). El álbum ha sido considerado «el primer disco de rock moderno de la Argentina».^[193]​ También el periodistaUki Goñi, tras su estancia en Londres, intentaría generar el primer producto new wave de la Argentina con su bandaLos Helicópteros, que en 1982 editó el discoMúsica Pep.

Algo similar ocurrió conPappo que, tras sus años en Estados Unidos y Europa, volvió a Argentina intentando influenciar a la escena local con las primeras influencias de lanueva ola del heavy metal británico en la región. Así, junto aVitico Bereciartúa,Michel Peyronel yBoff Serafine, fundóRiff, que si bien adoptaba la imagen del heavy metal —basado en la estética deRob Halford—, su sonido era dehard rock. Con sus primeros tres álbumes (Ruedas de Metal -de 1981-,Macadam 3...2...1...0 -de 1981- yContenidos -de 1982-), llegó a generar un fenómeno de seguimientotribal que hasta entonces no se había visto en el rock nacional. Para la época del tercer álbum, ya era la banda argentina que más gente llevaba a los recitales. La estética de sus integrantes y seguidores combinaba la ropa de cuero con tachas propia de los metaleros, con el uso de logos de marcas de automóviles y motocicletas propias de los denominadosfirestones de la década de 1970 (los cuales eran seguidores, entre otras bandas, dePappo´s Blues). El éxito de Riff alimentó el crecimiento de una generación de bandas de heavy metal y hard rock comoThor,V8,Bloke,Púrpura yLa Torre, que hicieron que el rock pesado argentino ganara popularidad. El productorMundy Epifanio supo ver el fenómeno y comenzó a organizar recitales cruzados de Riff acompañados porV8 y por la primera banda depunk rock en resaltar,Los Violadores. Consiguió generar una escena diferenciada de la del resto del rock nacional y así se adelantó, ya en 1982, a lo que sucedería a partir del recambio democrático.

Es preciso aclarar que todas estas nuevas tendencias chocaban, inexorablemente, contra los prejuicios del público roquero para el cual, como consecuencia de la relativa desvinculación con las modas del resto del mundo, el tiempo parecía no haber pasado desde la primera mitad de la década de 1970.Charly García, a través de la canciónMientras miro las nuevas olas deSerú Girán, se burlaba de la new wave a la que relacionaba, confusamente, conEl Club del Clan,Jolly Land y el "Baile del palo de escoba". Como puede apreciarse en la película "Buenos Aires Rock", todavía en noviembre de 1982, para el público la experiencia de ir a un festival de rock aún seguía el modelo de los festivales hippies, como Woodstock. Gran parte del público llegaba vestido como se acostumbraba desde la década de 1960, con símbolos de paz (entre otra iconografía hippie) y usando pelo largo y barba, lo cual era un estilo completamente distinto al del público de rock del resto del mundo en esa época. De hecho, la palabrahippie había caído en desuso durante la dictadura y quienes usaban en ese momento esa imagen, se autodefinían como "rockeros" (en ese tiempo surge el personaje humorístico dePaolo El Rockero -interpretado porJorge Montejo-, el cual parodiaba a los roqueros de la época del régimen militar). Esta película incluso captura la interpretación de la canciónPantalla del mundo nuevo por parte de Riff. La cámara muestra las primeras reacciones del público más joven a un recital de hard rock. Mientras al lado del escenario se desencadenaba un rudimentariopogo, se llegan a ver en el fondo parejas ataviadas con típicos ropajes hippies que bailan tomadas de la mano, imitando los pasos del rock and roll de los años cincuenta.^[194]​

La reacción contra esa mentalidad y esa estética, que en todo el mundo se dio con el punk rock, a la Argentina llegó muy lentamente a través de pequeñas grietas informativas que llamaban la atención, especialmente, del público más joven.

En "Mordisco", la sección de música de la revistaExpreso Imaginario -justamente, una revista comprometida con la cosmovisión hippie y "rockera"- se editó en junio de 1978 "La Nota Punk", un extenso dosier firmado por el periodistaAlfredo Rosso. El periodista comenzaba la presentación exponiendo la visión característica de los roqueros argentinos:"la primera vez que oí hablar sobre el punk me dio asco. Así nomás: ASCO. ¿Quiénes eran esos tipos de pelo revuelto y ropas rotas que querían tirar abajo diez años de prolija y esforzada evolución musical con sus tres tonos de mmmmorondanga?".^[195]​ Pero posteriormente presentaba una completísima información sobre lo que pasaba en Inglaterra y Estados Unidos. Esa nota despertó la imaginación de muchos jóvenes argentinos, proceso que se completó en 1979 cuando se edita en el país "Punk: La Muerte Joven", una crónica de la escena punk londinense de 1977 escrita "en caliente" por el periodista argentinoJuan Carlos Kreimer, quien vivía en Londres en ese entonces.

Ese mismo año de 1979 nace la primera banda de punk rock del país, Los Testículos, formada por Pedro Braun -bajo el seudónimo de Hari B- después de sus acostumbradas vacaciones europeas, donde visitaba a su familia dePolonia, y había pasado porLondres. Llegó con una gran variedad de discos de punk rock de bandas casi desconocidas en Argentina en ese momento, tales como:Sex Pistols,The Clash,The Stranglers,The Jam,The Damned,Buzzcocks,Generation X,Ramones, etc. Para Braun, que luchaba por dominar laguitarra, el descubrimiento de este estilo musical fue toda unaepifanía, la cual configuró su futuro estilo. Para formar la banda publicó un aviso en la revista Pelo, al que respondieron Sergio Gramática y el bajista Beto Mafioso, con quienes quedó completa la banda. Tras el reemplazo de este último porPil Trafa como cantante y Gustavo Fossa a.k.a.Stuka como bajista, cambian su nombre aLos Violadores. No sólo imitan el sonido del punk rock sino la temática de sus letras.Pil Trafa traía desde su anterior bandarockabilly Don Gato y su Pandilla la canciónRepresión, que desde los primeros shows, se convirtió en el himno de la banda, con una letra de protesta totalmente explícita que contrastaba con la autocensura de las bandas y solistas tradicionales. Basada en el jingle promocional deMantecol que decía “Mantecol a la vuelta de tu casa, Mantecol a la vuelta de la esquina…”, pero cambiando la palabra "Mantecol" por "Represión" Además, Gramática también incursiona en la particular forma de transmisión de información editando “Vaselina”, el primerfanzine de la Argentina.

A fines de año, en el Abba Café Concert, de propiedad del actorEsteban Mellino debuta la segunda banda punk de Buenos Aires,Los Laxantes, formada cuandoHoracio “Gamexane” Villafañe, en unas vacaciones enMar de Ajó, y de forma azarosa descubre el simpleGod Save The Queen de losSex Pistols en la fonola de un local de flippers (algo realmente inusual en la Argentina de esa época).

EnGerli, por la misma época surgen Los Psicópatas que, en un primer momento, era un dúo psicodélico de guitarra y batería, absolutamente disonantes y con voces o aullidos que nadie comprendía en sus primeras actuaciones.^[196]​A comienzos de 1981 incorporan al bajista Daniel García quien, influido por las mismas fuentes escritas, los va orientando hacia el punk, cambiando su nombre a Estado de Sitio. Debutaron en un show junto aLos Violadores en el Teatro del Plata y pronto fundaron su propio sello, Pelmaso Records para autoproducirse lo que sería el primer sencillo punk de la Argentina:Desocupación, con el lado B deJipi Japa, el primer himno anti hippie del rock argentino. El simple se editó recién después de laGuerra de Malvinas. Se hicieron sólo 50 copias de las que se regalaron 48. Ya para entonces habían incorporado al cantante Sergio “Mongo” Spadavecchia, con lo que volvieron a rebautizarse adoptando el nombre deAlerta Roja. Con esa denominación se convertiría en una de las bandas más renombradas del movimiento, llegando a establecerse una clara rivalidad conLos Violadores, así como una gran amistad conSumo, banda con la que compartieron muchos recitales. En 1983 grabarían su único casete,Derrumbando la Casa Rosada, que reunía 21 temas en 45 minutos.

En 1981 se formó en La PlataLos Baraja, banda liderada por Marcelo Montolivo y Claudio Apas, dos jóvenes amantes del rock progresivo que se habían conocido en la disquería "JEU", donde trabajaba el segundo de ellos, y organizaban viajes a la Capital los fines de semana para buscar material nuevo en las disquerías especializadas porteñas. Los dos tomaron conocimiento del punk por medio de "La Nota Punk" de Alfredo Rosso en "Expreso Imaginario" y, según cuentan, escuchar por primera vez aSex Pistols, los llevó a la decisión de crear su propia banda para recrear ese sonido. Los Baraja debutaron el 16 de octubre de 1981 en el teatro del Club La Protectora, perteneciente a la mutual de empleados públicos. La banda por entonces tenía fuertes influencias deSex Pistols,The Damned yDead Boys, y una imagen provocativa con pelo revuelto, remeras agujereadas y pins artesanales. Para darle el tono de "ritual rupturista", comenzaron el recital con Claudio Apas destrozando, sobre el escenario, un disco deJulio Iglesias.^[197]​

Más en el círculo íntimo deLos Violadores, naceTrixy y los Maniáticos, con la novia deStuka, Sandra Elena Chaya a.k.a. Trixy, y contando como guitarrista conRobert Zelazek (más tarde bajista deLos Violadores). Los hermanos Juan Pablo y Alejandro Correa, dos de los primeros miembros de esa incipiente movida, consiguieron organizar un ciclo de conciertos juntos en el lugar más impensado: Le Chevalet un restaurant francés que durante unos pocos meses albergó la movida punk en sus trasnoches de los fines de semana.^[34]​ Sus dueños eran los artistas Botto Jordán y Teresa Idoyaga. Jordán exponía sus cuadros en el lugar y la gente cenaba mientras Diana Nylon recitaba a un costado de un pequeño escenario donde tocaban, según las noches,Los Violadores,Trixy y los Maniáticos yLos Laxantes. Por imposición del dueño del local, las bandas punk debían compartir escenario con La Elmer's Band, una banda que había formadoAndrés Calamaro exclusivamente para tocar en ese lugar, y cuyo estilo no tenía nada que ver con el punk rock.

Entre todos ellos se va formando una pequeña escena de recitales en lugares minúsculos en el que los miembros de cada una de las bandas van a ver a las demás y creando de a poco una subcultura que, con su particular y provocativa imagen, empieza a hacerse notar en las calles.

En julio de 1981 esta pequeña escena cobra notoriedad a través de lo que se llamó el "primer festival punk de la Argentina", en el auditorio de laUniversidad de Belgrano. Hari B, que estudiaba en esa Universidad, había conseguido el auditorio para una actuación deLos Violadores que serviría, además, para el debut de Trixy y Los Maniáticos como soporte. Pero, al tomar en cuenta que debían pagar el sonido, debieron incluir en el line up a una banda que no tenía nada que ver con el punk, La Rosanroll Band, cuyo líder, Eduardo “Rosanroll” Camilli, era conocido entonces como plomo de Pappo, Spinetta y Nebbia. Los jóvenes punks engañaron a Camilli para que pagara el sonido, con la falsa promesa de que su banda sería el número central, que tocaría el doble de tiempo que las otras y que le rembolsarían parte del dinero. Los músicos y público de La Rosanroll eran ejemplo de los jóvenes "rockeros" de pelo largo a los cuales se enfrentaban los punks. La unión de estos dos públicos terminó en un disturbio y Camilli denunció lo ocurrido en una indignada carta publicada en el Correo de Lectores del número de octubre de ese año deExpreso Imaginario:“Durante la actuación de éstos (Los Violadores), había una barrita punk dirigida por el guitarrista deLos Laxantes (Horacio “Gamexane” Villafañe; Los Laxantes no tocaban esa noche sino que estaban como público), que se pasó quemando papelitos, insultando a las rockeras y pegando patadas a los rockeros de Belgrano (éstos no hacían nada). El cantante de Los Violadores, cuando cantaba Represión decía: “Represión en la U.B…. los rockeros de Belgrano están tirados en la plaza sin un c… que hacer, hippies de m… rockeras p… etc.: ustedes sacarán sus propias conclusiones”^[198]​ Hubo sillazos, pelea y terminó con músicos y público detenidos en la Comisaría 33. Más tarde se dijo que el escándalo fue buena publicidad, pues significó“el desembarco de la prensa escrita de espectáculos, que llevaría a Los Violadores y al punk a sus tapas”.^[199]​

Con posterioridad a ese escándalo, Gamexane compone, paraLos Laxantes, otro de sus himnos, basado en ese incidente:Rockero Pajero, que sólo quedaría grabado en un demo:"Estas siempre en la esquina y yo te veo pajero / estas siempre en la esquina y yo te veo rockero/ sos un baba grasa rockero pajero / estas siempre en la esquina y de ahi nunca te vas / rockero pajero quien te pario? Walt Disney??". Este tipo de provocaciones conseguían el fin perseguido por la banda: enervar a la prensa tradicional del rock nacional. Es célebre la nota escrita porGloria Guerrero para la revistaHumor ("Punks Go Home") en la que los acusaba de “denigrar a la generación de Woodstock con insultos y frases hirientes”.

La siguiente muestra de ese desfasaje se dio en 1982 cuando, con la organización de la Revista Pelo, se realizó la cuarta edición del festival Barock, bajo el lema "Adiós a la pálida, bienvenido rock", que quedaría documentada en el film "Buenos Aires Rock". Las imágenes del film dan muestra del ambiente de "festival hippie" que aún se vivía, si bien en el line up del festival coexistieron todos los estilos musicales. Las bandas que intentaron mostrar nuevos estilos fueron, en general, denostadas -siendo emblemáticos los casos deLos Encargados, sepultados bajo una lluvia de frutas y deV8 peleándose, desde el escenario, con los hippies que les arrojaban fruta y botellas^[200]​- mientras el público llegaba al clímax conRaúl Porchetto cantandoAlgo de Paz, una letra que parecía sacada de un álbum hippie de fines de los 60.

Durante los años más duros de la dictadura, el mayor hito para el rock nacional había sido la inauguración, el 25 de mayo de 1978, delEstadio Obras Sanitarias, que con el correr del tiempo se ganaría el apodo deel templo del rock argentino, por su crucial importancia: llegar al primer Obras como número propio era para las bandas un certificado de que se habían convertido en uno de los números principales de la escena argentina de rock. El primer recital en Obras, aunque prácticamente un ensayo con invitados, fue deBanda Spinetta, sin embargo el primer recital oficial fue el 3 de noviembre conSerú Girán. Esta fue, sin duda, la banda más exitosa de todo el período de la dictadura.

Serú Girán nació, como concepto, de la mente de los músicosCharly García, yDavid Lebón durante su estadía de tres meses en el nordeste de Brasil, concretamente enBuzios, en 1978. A los dos meses, Charly regresó a Buenos Aires para arreglar contrato conOscar López yBilly Bond como productores. También reclutó al resto de la banda: Oscar Moro fue seleccionado como baterista y éste le recomendó como bajista al jovenPedro Aznar que había coincidido con él en una de las formaciones dePastoral. Con esa formación se instalaron en los estudios El Dorado deSao Paulo, donde entre zapadas y ensayos comenzaron a darle forma a las canciones del primer álbum. Contrataron a Daniel Goldberg para agregarle arreglos orquestales, de modo que ni bien terminada la grabación, éste viajó a los ABC Recording Studios deLos Ángeles (Estados Unidos) a grabar la orquesta de 24 miembros.

La primera presentación en vivo de Serú Girán tuvo lugar en elRiachuelo, a bordo de un barco anclado. Este recital ―al cual solo asistieron periodistas, músicos y amigos― tenía la finalidad de observar la respuesta de la crítica especializada. Esa noche el grupo se mostró sólido y contundente, lo que parecía abriría las puertas del público masivo.

El debut en vivo de la banda ante el público porteño ocurrió dos semanas después, el 28 de julio de 1978, en el estadioLuna Park, en elFestival de la Fundación de la Genética Humana. Se trataba de una fundación científica que tenía por objetivo obtener y facilitar los medios para proveer información diagnóstica y preventiva de las enfermedades genéticas y estaba presidida por la primera dama,Alicia Hartridge Lacoste de Videla.Serú Girán fue promocionado como el número central del festival, provocando gran expectativa en el público. También se presentaronNito Mestre y los Desconocidos de Siempre,Pastoral,León Gieco,Horizonte, además de la que sería la única presentación en Argentina de una de las bandas más reconocidas del rock progresivo en Latinoamérica: los brasileñosCasa das Maquinas, que pese a dar un estupendo show fueron abucheados por su sola condición de brasileños por un público enfervorizado por la reciente obtención delMundial de Fútbol de 1978. ParaSerú Girán, el resultado fue aún peor por la expectativa que existía: el sonido fue malo y el público no entendió la nueva propuesta. Sufrieron abucheos y mucha gente les arrojó las pilas de los grabadores que habían llevado para registrar el momento. Tuvieron que abandonar el escenario tras tocar sólo tres temas.^[201]​

Después de eso, viajaron a Estados Unidos para mezclar el discoSerú Girán (1978), en el cual contaron con la colaboración de Daniel Goldberg, quien tenía a su cargo los arreglos musicales y la dirección de la orquesta de 24 músicos que participó en algunos temas como «Eiti Leda» o «Serú Girán». La complejidad armónica de este proyecto demuestra que, desde el comienzo, las ambiciones que tenían apuntaban mucho más alto que la de la mayoría de los músicos nacionales del momento. El resultado final del disco los entusiasmó: sonaba como una fusión dejazz rock conmúsica brasilera. Aznar recuerda:«...cuando apareció ese álbum, la prensa le dio una importancia infernal, se creó todo un caso... había un inmovilismo total». LarevistaPelo, una de las publicaciones especializadas de la época, decía:

Serú Girán es un álbum compacto, extremadamente pulido en su producción, a pesar de lo cual suena menos armado que La Máquina de Hacer Pájaros. (...) Serú Girán debuta con un buen álbum. Una música que trasluce los nuevos horizontes de García y sus nuevos compañeros de ruta.RevistaPelo, n.º 104

El álbum fue editado por Sazam, un sello subsidiario de Music Hall que era regenteado por el productor de la banda, Oscar López. No obstante, el entusiasmo de la prensa especializada no se contagió en nada a un público escéptico, aunque ofrecía temas como «Seminare» y «Eiti Leda», que posteriormente se convirtieron en himnos. De regreso, hacia fin de 1978 estrenaron de manera oficial elEstadio Obras (el 3 de noviembre), con orquesta (sección de cuerdas y vientos) y circuito cerrado de televisión. En la parte trasera del escenario, una pantalla gigante mostraba a los músicos dirigiéndose a escena. Lebón, Aznar y Moro salieron vestidos de blanco, mientras que Charly eligió una malla negra, saco y zapatillas. El comienzo del recital, con la orquesta a pleno interpretando la poderosa introducción del tema «Serú Girán», presagiaba una noche inolvidable. No fue así. Otra ve< hubo fallas en el sonido y en la pantalla que predispusieron mal al público. Cuando tocaron el tema «Disco shock» ―una sátira de lamúsica disco, tan en boga en el momento― la gente creyó que era en serio y, tras un coro de silbidos, empezaron a pedirle a García el «Blues del levante», el tema que había compuesto con motivo de la despedida deSui Generis. El público quedó desconcertado y el resto del recital transcurrió ante la indiferencia general. La prensa les dedicó titulares como "Serú Girán: lo peor del rock nacional?" o "García: ¿Ídolo o qué?".^[202]​

Ante este fracaso, García tomó una serie de decisiones para reiniciar desde cero la historia de la banda. En primer lugar desvinculó a los dos productores y desde ese momento, los mismos músicos se encargaban de vender los shows (poco tiempo después, esa función fue asumida por un jovenDaniel Grinbank). Empezaron a hacer shows más pequeños en teatros y lugares chicos, y tomaron la decisión de evitar los arreglos orquestales y optar por composiciones cuidadas, pero más simples y directas.

Con estas premisas,Serú Girán lanzó su segundo disco, intituladoLa Grasa de las Capitales en 1979. Como respuesta a los ataques de la prensa, se editó con una llamativa portada que parodiaba a las tapas de la revistaGente y llevaba como titular superior, el mismo que había ofendido a Charly enLa Opinión: "García: ¿Ídolo o qué?". El disco se iniciaba con la canción que le daba nombre, de un potentísimo ritmo bailable -siguiendo la apropiación de la música brasileña contemporánea que ya habían hecho en el primer disco en "Autos, Jets, Aviones, Barcos"- construido alrededor del mismo solo de órgano que García había tocado en "Tango en Segunda" (deSui Generis), pero con su velocidad aumentada al máximo^[34]​. El resto del material contenía canciones memorables como "Viernes 3 AM", "Noche de Perros" o "Frecuencia Modulada". Este álbum sí fue bien recibido por la prensa especializada y por el público y cimentaría su lugar como la banda más convocante de la época.Tras la experiencia frustrante del comienzo, prefirieron no exponerse y escogieron un lugar pequeño, el Auditorio Buenos Aires, para su presentación en seis shows. A fuerza de recitales y tenacidad, Serú logró revertir las opiniones de la crítica y del público. Allí comenzó a gestarse el fenómeno masivo. Dentro de la campaña de promoción,Charly García incluso logró un hito: convertirse en el primer músico de rock nacional en ser invitado a la mesa deMirtha Legrand, el show televisivo más visto y emblemático de ese momento.^[34]​

Al inicio de la décadaSerú Girán seguía siendo una de las bandas más populares, aunque ya sus composiciones no eran tan pretenciosas. El tercer álbum del grupo,Bicicleta editado en 1980, fue recibido tibiamente al principio, pero con el tiempo se convirtió en uno de los clásicos del grupo. Tanto este como su anterior trabajo,La Grasa de las Capitales editado en 1979 se van alejando del rock sinfónico del primer álbum, mientras que el panorama musical argentino en general se vuelve más visceral y "simple", con menos arreglos. Serú Girán no se mantendría al margen de estos cambios, mientras en el rock argentino comenzaba a disolverse las composiciones sinfónicas y progresivas.

En agosto de 1980, se presentaron en el Rio Jazz Monterrey Festival,^[203]​ en Río de Janeiro, donde los representantes argentinos siempre estaban más vinculados aljazz o altango que alrock progresivo que proponía Serú. Ese año, el concierto se dividió: En la primera parte, se presentaban Serú, el guitarristaPat Metheny yGeorge Duke. El éxito obtenido por los argentinos fue tal, que los organizadores les ofrecieron tocar en la segunda ―la principal― junto aJohn McLaughlin,Hermeto Pascoal,Egberto Gismonti yWeather Report.

Cuando tocaba McLaughlin, la gente patinaba y le tiraba avioncitos de papel. ¡Yo me quería morir! Si a McLaughlin le hacían eso, a nosotros nos achuraban.

Charly García^[204]​

Esa predicción resultó errónea. La principal razón de la respuesta favorable residió en la variedad de matices en sus temas y algunos de marcada cadencia que invitaba al baile.

Este festival marcó dos hechos importantes para el grupo. Por un lado, se hicieron conocer y dejaron una muy buena impresión entre los cariocas, hecho destacado incluso por la prensa argentina (Clarín, 28 de agosto de 1980). Por el otro, allí fue dondePat Metheny conoció a Aznar.^[205]​ Impresionado por los demos caseros que le entregó el bajista de Serú, Pat Metheny le ofreció costearle sus estudios en Bercklee y sumarlo a su banda. Este sería, a la larga, el detonante para el fin de la banda.

Antes de terminar el año se presentaron en Obras junto aSpinetta Jade. Este recital resultó histórico.

Spinetta Jade era la banda con la queLuis Alberto Spinetta canalizó su creciente acercamiento a músicos de jazz desde el discoA 18' del sol, de 1977. Después de la experiencia fallida de viajar aEstados Unidos a grabar un disco en inglés,Only love can sustain, los interludios de este último, titulados "Jade", darían a Spinetta la idea para el nombre de su próxima banda, al volver a la Argentina. La primera formación de Spinetta Jade estuvo integrada por el propio Spinetta (guitarra y voz),Juan del Barrio (teclados) que venía deM.I.A. ySr. Zutano-,Lito Vitale (teclados) -que también venía de M.I.A.-,Pedro Aznar (bajo) -que estaba enSeru Giran- yPomo Lorenzo (batería) -que venía de Sr. Zutano y había integradoInvisible.

Al comienzo de Spinetta Jade, Spinetta estaba también ocupado con el regreso deAlmendra, con la que estaba preparando el álbumEl valle interior, y era consciente que se trataba aún de una formación provisoria. Por esa razón Aznar y Vitale integraron la formación inicial como músicos invitados para el debut, el 3 de mayo de 1980, en elEstadio Obras Sanitarias. Un mes después,Lito Vitale se retiró de la banda y en su lugar ingresóDiego Rapoport. Con esta nueva formación se presentan en el teatro Ópera el 3 de junio de 1980. Por últimoBeto Satragni ingresó en lugar dePedro Aznar, así anticiparon su primer álbum que saldría en el mes de octubre.

Charly García ySpinetta eran por entonces los dos máximos exponentes del "rock nacional" argentino, y solían ser presentados como dos figuras enfrentadas. El recital conjunto fue considerado como «el evento musical del año». Era un hecho histórico que García y Spinetta, con dos grupos de semejante magnitud, estuvieran simultáneamente en el escenario. Pocos meses antes se había publicado el primer número de la revistaHurra con un título de tapa que decía: "Charly Garcia vs. Louis Al Spinetta ¿El rock es un partido de fútbol?", ilustrado con una foto de García y Spinetta, uno con la camiseta deRiver y otro con la deBoca.^[206]​

El show comenzó con Spinetta cantando el tema deSui Generis,Cuando ya me empiece a quedar solo. Luego, de la oscuridad, surgióCharly García acompañando con el piano y coros el temaQué ves el cielo, deInvisible. Bajo un clima enfervorizado,Lebón interpretó "Música del alma". A continuación subieronPedro Aznar yOscar Moro, completando el elenco de Serú Giran, que desarrolló una actuación contundente y fue largamente ovacionado por la gente.

Luego fue el turno de Spinetta, Pomo, Satragni, Rapoport y Del Barrio. La actuación deSpinetta Jade fue muy aplaudida, pese a su difícil estilo. Fue notorio el esfuerzo de Spinetta por lograr mayor simpleza en su música, para que el público pudiera entender su mensaje.

El recital cerró con los dos grupos sobre el escenario interpretandoCristálida -un clásico dePescado Rabioso al que perteneció Lebón- yEl mendigo en el andén. El bis final correspondió aDespiértate nena, un tema de Spinetta que en Pescado Rabioso cantaba David Lebón.^[207]​ Las palabras finales fueron de Spinetta:

Gracias, esto fue todo. Sin camelos, sin demagogias, esto quiere decir que algo de unión hay.

Luis Alberto Spinetta^[207]​

Fue unos días después de ese recital queSpinetta Jade editó su primer disco,Alma de Diamante (1980), muy influido por los textos sobre chamanismo deCarlos Castaneda, y tiene dos canciones, "Dale gracias" («recuerda que un guerrero no detiene jamás su marcha») yCon la sombra de tu aliado (el aliado) («en el desierto ves la verdad»), que se refieren a la obra del autor deLas enseñanzas de Don Juan.^[208]​"El repertorio incluía temas que hoy son verdaderos clásicos, comoAlma de diamante,Dale gracias ySombras en los álamos. También traía dos instrumentales (Amenábar yDigital ayatollah) y otras canciones comoCon la sombra de tu aliado yLa diosa salvaje, que años más tarde también fue el nombre de su célebre estudio casero", decía una nota de prensa deSony Music, para la reedición en CD de 1995. En 1981 le seguiría el más accesibleLos Niños que escriben en el cielo (1981). En éste el sonido se orienta más hacia el pop, aunque continúan las atmósferas cuidadas y el uso de sintetizadores,^[209]​ línea que se confirmará en el álbum siguiente,Bajo Belgrano (1983).^[210]​^[211]​ Este álbum ha sido incluido por la revistaRolling Stone, en la lista de los 100 mejores álbumes derock argentino, en el número 69.^[127]​ Entre las canciones del disco, dos han sido consideradas entre las 100 mejores de la historia del rock argentino: "Maribel se durmió" (número 79 para larevista Rolling Stone y MTV) y "Resumen porteño"(número 70 en la encuesta del sitioRock.com.ar).^[212]​

A partir de esa producción discográfica, y en poco tiempo,Spinetta Jade se convirtió en la otra gran banda en materia de convocatoria, con shows de un marcado preciosismo musical. A partir de 1982 las presentaciones de esta banda se volvieron más esporádicas debido al trabajo solista de Spinetta, que editóKamikaze ese mismo año. Se trata de un disco que llegó a ser considerado entre los mejores del rock argentino de todas las épocas y, con sus ediciones digitales desde los 90, se convirtió en un objeto de culto no sólo en Argentina sino también en el exterior. Es una recopilación de canciones viejas que Spinetta solía tocar en vivo pero no integraban ningún álbum, desde el sentidoBarro tal vez (la primera composición de Spinetta, una zamba que escribió a los 15 años de edad) hastaÁguila de Trueno, una canción que habla sobre el suplicio deTúpac Amaru que había sido compuesta originariamente para el primer disco deInvisible. Pese a provenir de diferentes períodos, estaban unificadas por un clima de una gran austeridad, en el que la guitarraOvation de Spinetta sólo está acompañada por los teclados deDiego Rapoport, sin más base rítmica que una máquina de ritmos y una sobria percusión a cargo deDavid Lebón.

Por su parteSerú Girán lanzó su cuarto álbum,Peperina en 1981, pero a finales del añoPedro Aznar abandonó la banda para aceptar la invitación de unirse alPat Metheny Group en los Estados Unidos. El 6 y 7 de marzo de 1982,Serú Girán tocó por última vez en elLuna Park. El recital fue grabado y se editó en forma del disco en vivoNo llores por mí, Argentina. Se trata de una repaso en vivo de los éxitos más importantes de la banda, con la excepción de dos canciones muy diferentes al estilo de la banda y que pueden interpretarse como un fallido intento de aggiornar su sonido a la new wave que comenzaba a escucharse en la Argentina y terminaría imponiéndose pocos meses después, tras la Guerra de Malvinas: eltema homónimo (sin relación con la canción de igual título del musicalEvita) yPopotitos, una versión del clásico del rock deLos Teen Tops. Años después se ironizaría sobre el destino de la banda, diciendo que "Serú Girán pasó del rock sinfónico a Popotitos en sólo cuatro años". Si bien en un primer momento se barajó la posibilidad de continuar como trío (Lebón pasó a la doble función de guitarrista y bajista) y, en todo caso, buscar algún reemplazo para las presentaciones en vivo (como reemplazante de Aznar, fue pensadoBeto Satragni, deRaíces.^[213]​), la falta de motivación fue evidente y el proyecto quedó descartado. Lebón trabajaba en su proyecto solistaEl tiempo es veloz y García ya estaba embarcado en lo que sería su álbum dobleYendo de la cama al living /Pubis angelical.

La economía argentina se encontraba en plena recesión hacia 1982, y el descontento contra el gobierno militar iba en aumento. El 2 de abril, laJunta Militar inicióun desembarco de tropas militares en lasislas Malvinas (territorio históricamente reclamado por Argentina), más tarde dando inicio a laguerra de las Malvinas, como un intento desesperado por mantenerse en el poder mediante la manipulación del apoyo popular a través de una reivindicación que databa de casi 150 años, concretamente del año 1833. El conflicto duró 74 días y terminó con larendición argentina el 14 de junio, volviendo las islas al control británico. En total, 649 militares argentinos, 255 militares británicos y tres isleños civiles de las Malvinas murieron durante las hostilidades. Tras este fracaso militar que acentuó su desprestigio, el gobierno llamó a elecciones tras siete años de dictadura. Si bien la guerra de las Malvinas fue uno de los episodios más trágicos de la historia argentina reciente, tuvo el paradójico efecto de revitalizar el rock argentino. Mientras la guerra se desarrollaba, se prohibió la música en inglés, lo que dio todavía mayor impulso a la música en castellano.

El 16 de mayo de 1982 elFestival de la Solidaridad Latinoamericana juntó a algunas de las bandas y solistas más destacados de "la Vieja guardia" del rock nacional (Ricardo Soulé conEdelmiro Molinari,Pedro y Pablo,Dulces 16 conPappo como invitado,Litto Nebbia,Rubén Rada,Moro - Satragni,Tantor,Spinetta,Javier Martínez,Nito Mestre,León Gieco,Raúl Porchetto yCharly García, entre otros). El objetivo declarado por los organizadores del recital era el de apoyar a las tropas que luchaban en las islas, pero sin dejar de apelar a la paz.^[214]​ Para dejar en claro la vocación pacifista, calmando así la conciencia de los músicos, al organizadorDaniel Grinbank se le ocurrió la idea de un final que, unos seis meses después, se replicaría en el B.A. Rock IV: reunir a varios de los principales músicos sobre el escenario para cantar "Algo de Paz", deRaúl Porchetto. En esta ocasión los invitados fueronCharly García yDavid Lebón quienes posteriormente llamaron al escenario aNito Mestre yLeón Gieco para una inesperada reunión dePorSuiGieco, pero con 8 años más y sin ninguna contemplación a los intensos cambios que la música rock había tenido en ese tiempo. Cerraron con otro hit "clásico" de la década anterior: "Rasguña las piedras". Ningún músico, en las 4 horas que duró el festival hizo ninguna mención, ni siquiera sutil, al momento político, al intento de la dictadura por eternizarse en el poder ni a cómo se suponía en ese momento -a 15 días del inicio de las operaciones bélicas- que podría llegar "algo de paz" sin mediar el retiro de las tropas argentinas.

Los músicos pertenecientes a las nuevas camadas y los nuevos géneros no participaron del festival por considerarlo, en lo político, complaciente con la operación de autorrescate de la dictadura, y por no sentirse representados en la estética anticuada de la música elegida.Virus fue el único en decir que no a la invitación, por considerarla "desagradable", y a esa negativa se sumaronLos Violadores.^[215]​ No obstante, estas nuevas tendencias terminarían siendo, indirectamente, las más favorecidas por la guerra. De pronto, el rock en inglés fue censurado en las radios y los programadores debían llenar el espacio que dejaba el rock en inglés con rock en español.^[216]​^[217]​ Entre las canciones que se convirtieron en hit en esa época estaban “Botas sucias” de los españolesBarón Rojo (que significó, para muchos jóvenes argentinos, su primer acercamiento al sonido de heavy metal contemporáneo), "Gente del Futuro" deMiguel Cantilo y Punch, “Ayer te vi” del uruguayoRubén Rada, “Ando rodando” deGustavo Santaolalla, “Va por vos” deZas, "Radio Venus" deLos Helicópteros, "Colapso Nervioso" deLa Torre, junto a canciones más alejadas del sonido rock pero que igualmente convivían con él, como “Solo le pido a Dios” deLeón Gieco (con popularidad renovada ya que lo solía interpretar en sus recitales la folkloristaMercedes Sosa tras su regreso al país), “Era en abril” y “Mirta, de regreso” deJuan Carlos Baglietto (punta de lanza de la efímera moda de laTrova Rosarina) además de distintas canciones deSandra Mihanovich. Más allá de la confusión de estilos, ese fue el mayor impulso obtenido por el rock nacional en toda su historia y fue el motivo por el que muchas bandas llegaron a obtener un contrato de grabación, especialmente aquellas que, por tener propuestas cercanas a los estilos de rock más novedosos, no eran bien vistas por el público de los festivales masivos. Fue el momento exacto en el que comenzó el recambio estilístico y generacional que el rock argentino necesitaba y que se consolidaría definitivamente tras el restablecimiento de la democracia operado en 1983.

Así fue como en las radios de la época comenzaron a aparecer una serie de bandas más enfocadas en el aspecto divertido, bailable, y hasta«humorístico» de la música, comoVirus,Los Twist,Suéter y lasViuda e Hijas de Roque Enroll.^[218]​

En 1979, enLa Plata, los hermanosJulio,Marcelo, yFederico Moura, habían formado una banda pionera del géneronew wave llamadaVirus quienes debutaron en vivo el 11 de enero de 1981, y para el 21 de septiembre de ese mismo año se habían presentado en el Festival Priima Rock en Ezeiza. En ese evento (ante un público hippie o "rockero") tuvieron la misma recepción que todas las bandas que representaban a las nuevas tendencias. Los asistentes les comenzaron a arrojar naranjas y les dieron la espalda. Mientras Federico pateaba las naranjas que recibía, provocó al público diciendo:

«Levantamo' el culo del piso, y bailamos un poco. ¡Muestren como hacen temblequear sus piernuchas!»

Aunque la banda no fue bien recibida en el festival, captó la atención de algunos sellos discográficos. Una semana después del Prima Rock, entraban a grabar en la discográfica CBS (conocida actualmente comoSony Music) su álbum debut,Wadu Wadu. «Soy moderno, no fumo» y «Wadu-wadu» fueron elegidos como cortes de difusión, que lograron tal propósito gracias aLalo Mir, que conducía "9PM" porRadio del Plata y Alejandro Pont Lezica, deRadio Rivadavia. En 1982, para acompañar la nueva explosión pop, grabaronRecrudece, un disco que se convirtió en objeto de culto con los años, pero que en ese momento tuvo casi nula difusión. Sería el siguiente álbum,Agujero Interior, editado en diciembre de 1983, en los mismos primeros días de la restauración democrática, con la producción deMichel yDanny Peyronel (deRiff) y, este sí, con todo el apoyo publicitario de CBS, el que convertiría al sonido deVirus en masivo y prácticamente inescindible de ese momento histórico de la Argentina, con himnos comoEn mi garage,El Probador yHay que salir del Agujero Interior. Los hermanos Peyronel le agregaron guitarras fuertes al ritmo pop bailable típico deVirus, y su representante Carlos Rodríguez Ares completó el concepto estético dándoles un lookrockabilly, con camperas de cuero y peinados a lo Elvis,^[219]​que le dieron gran notoriedad a la banda.

En 1981,Miguel Mateos, luego de hablar con el empresario artístico Alfredo Capalbo, quien había alumbrado la idea de traer a tocar aQueen a la Argentina (aprovechando el éxito comercial que estaba teniendo en el país su discoThe Game) se ganó la oportunidad de telonear a la banda en su show en elestadio de Vélez Sarsfield con su bandaZas. Hasta ese momento sólo habían tocado en pubs y cultivaban un estilo derock latino influido por lasalsa. A raíz del impensado éxito en su actuación como teloneros deQueen, obtienen un contrato discográfico en el sello Sazam Records, subsello de Music Hall (de su productor Oscar López) y editan en 1982 su primer LP homónimo, con una propuesta más volcada hacia el pop. Como sucedió con tantas otras bandas, la fuerte difusión radial que obtuvo durante laGuerra de Malvinas debido a la prohibición de la música en inglés convirtió en hit a la canciónVa por vos, para vos.

Por ese mismo momento estaban surgiendo dos grupos íntegramente compuestos por mujeres, con gran dedicación en sus puestas en escena y muy emparentados con elrock teatral:Las Bay Biscuits yViuda e Hijas de Roque Enroll. En una época donde la participación de las mujeres en el rock argentino era muy limitada, las primeras se ganaron su espacio a fuerza de ser parte de la troupe circense que acompañaba aPatricio Rey y sus Redonditos de Ricota en sus presentaciones, y las segundas efectuando una mezcla singular: usar la músicapop comercial de lanueva ola de los años '60, pero en lugar de hablar de temas ligeros y juveniles, buscar hacer críticas a la sociedad argentina, la clase política y la dictadura militar, de una forma ácida y burlona a través de letras humorísticas.^[220]​^[221]​^[222]​

Suéter por su parte también tendría su ladocómico con letras bailables como «Mamá planchame la camisa», «Métodos» y «Ciudadano ilustre». Pero a diferencias de las dos primeras agrupaciones se caracterizaron por su lado másserio y llegaron a lo más alto del pop rock de la década con temas como «Amanece en la ruta», «Vía México» y «Él anda diciendo».

Gran parte del mérito por imponer mayoritariamente el nuevo sonido new wave en el rock nacional viene del inicio de la carrera solista deCharly García, uno de los músicos más respetados del momento que, tras la disolución deSerú Girán avanzó decididamente en esa dirección con su trilogía inicial. Su primer disco de canciones solista,Yendo de la cama al living (1982) tuvo un gran suceso siendo uno de los primeros beneficiarios de la prohibición de la música en inglés en las radios. Se trata de un disco de transición en el que baladas tradicionales como "Inconsciente Colectivo" coexisten junto a canciones de pop "moderno" como la que da nombre al disco, "Yo no quiero volverme tan loco" o la casi improvisada "Peluca Telefónica". Para este trabajo, la banda estaba formada porWilly Iturri en batería,Gustavo Bazterrica en guitarra,Cachorro López en bajo yAndrés Calamaro en teclados. Los tres últimos eran al mismo tiempo integrantes deLos Abuelos de la Nada y esta banda fue una influencia directa para García. Desde el regreso deMiguel Abuelo al país venía usando el nombre de su vieja banda de siempre para esta nueva formación con la que se propuso popularizar el estilo new wave en la Argentina, con fusión de ritmos latinos y algunos ritmos reggae.

Desde sus primeros shows en 1981, los nuevosAbuelos de la Nada, adoptaron un estilo alegre, descontracturado ypop, a tono con el movimiento de lamúsica divertida de inicios de los años '80. Rápidamente se volverían uno de los grupos principales delrock nacional de los'80, gracias a sus temas pegadizos y al excelso dúo artístico conformado porMiguel Abuelo y el jovenAndrés Calamaro. En junio de 1982, grabaron su primer álbum homónimo producido porCharly García.García no hacía mucho que había compuestoMientras miro las nuevas olas, y su opinión de la new wave seguía siendo negativa. Durante la grabación, las peleas entre Miguel y Charly eran constantes, lo que provocaba situaciones incómodas para el grupo. Sin embargo, en el ambiente de transición democrática, el disco resultó ser un éxito en las ventas y en la difusión radial, sobre todo por el hitSin Gamulán, compuesto porAndrés Calamaro. El trabajo conLos Abuelos de la Nada terminó cambiando el enfoque deCharly García, quien enYendo de la cama al living llega a una síntesis entre su estilo anterior y el pop divertido que pedían los nuevos tiempos.

Este material fue presentado en un imponente recital (ante 25.000 personas) en el estadio deFerrocarril Oeste, el 26 de diciembre de 1982, donde también interpretó el que sería otro de sus éxitos críticos, «Los Dinosaurios», metáfora delPRN y los miles de personasdesaparecidas. En ese mismo show de Ferro, y como reconocimiento e intento de inauguración de una escena, llevó como teloneros aLos Abuelos de la Nada junto con el incipienteSuéter, aunque este último fue muy mal recibido, con insultos y objetos arrojados al escenario. En 1983 García hizo su primer viaje aNew York. Ni bien llegó se cortó el pelo, renunciando a la típica imagen hippie y "rockera" que era la norma en el rock argentino. Guiado porPedro Aznar y por la fotógrafa Ada Moreno, su amiga desde la época deSui Generis, comenzó a transitar la movida cultural de Manhattan. Alquiló los estudiosElectric Lady, creados porJimi Hendrix, y contrató al productorJoe Blainey, que había producido el que era su disco de cabecera en esos días: "Sandinista!" deThe Clash. Según su relato:“Fui a comprar instrumentos y no tenía ni idea de que iba a grabar un disco, pero sentí una buenísima onda, así que pensé que iba a ser muy bueno quedarme un tiempo y curtir ahí, tener amigos, ir a clubes, tratar de tocar con alguien y todo eso. Empecé a trabajar y a hacer cosas en mi casa, con grabadores, y después encontré un tipo que mata, que se llamaJoe Blaney, que venía de grabar con losClash y se copó mucho conmigo, y encaramos el proyecto de grabar en estudios grandes con poca plata y mucha onda”.^[55]​El resultado fueClics modernos. Este nuevo trabajo presenta un giro en la música deGarcía, con la introducción de ritmos bailables, canciones más cortas y por momentos más irreverentes, acordes a los aires de renovación que empezaron a llegar con la apertura democrática. Canciones que reflexionaban lúcidamente sobre el pasado inmediato, como «Los dinosaurios» y «Plateado sobre plateado», convivían con «Nos siguen pegando abajo (Pecado mortal)» y «No me dejan salir» cuyos ritnmos bailables llegarían incluso a las pistas de las discotecas, terreno hasta ese momento vedado al rock nacional. Este material fue editado en noviembre de 1983, a poco menos de un mes de la asunción del gobierno democrático. Previo a ello, un mes antes, García también había producido "La Dicha en Movimiento", el primer disco deLos Twist, banda a la que había visto tocar en el Café Einstein y que le habían sorprendido por su propuesta rompedora y humorística. Charly resaltó este aspecto, dotándolos de detalles de sonido para que sonaran vintage, como a banda comercial de los años '60. Por último, en 1983, produjoHotel Calamaro, el primero disco solista deAndrés Calamaro, con una propuesta de pop simple y bailable y producción mínima, que marcaría tendencia en los años de auge comercial del rock argentino.

Clics Modernos fue presentado los días 15, 16, 17 y 18 de diciembre en el estadioLuna Park, con una banda integrada por músicos deLos Twist, comoDaniel Melingo (saxo),Fabiana Cantilo (coros), además dePablo Guyot (guitarra),Alfredo Toth (bajo),Willy Iturri (batería), y un joven rosarino en los teclados:Fito Páez. El disco no fue, en principio, bien entendido por el público. Recibió críticas por incluir (por primera vez en la carrera de García) temas «bailables», es decir: el ritmo tomaba otra dimensión, recortando las letras, hasta entonces concepto primordial delrock nacional. Tuvo un reconocimiento más tardío. La trilogía esencial de García se completa conPiano bar, un álbum grabado en los estudios ION, en directo, con un mínimo uso de sobregrabaciones, que tiene en «Demoliendo hoteles», la balada «Promesas Sobre el Bidet», «Rap del Exilio», y «Cerca de la revolución» sus máximos logros. Es un disco con mucho de New Wave en sus ritmos, pero un poco menos bailable e incluso con ciertos matices más experimentales.

Argentina entró en diciembre de 1983 en una nueva etapa de su historia, con la inauguración del gobierno democrático deRaúl Alfonsín. Como si fuera un símbolo, la ceremonia del traspaso de mando y asunción de las autoridades democráticas, se dio en los mismos días en que se editaban, con enorme éxito,Clics Modernos deCharly García yAgujero Interior deVirus. El último día antes de la democracia, en la noche del 9 de diciembre de 1983, losRedonditos de Ricota dieron uno de sus shows multimediáticos en el Teatro Bambalinas. Una de sus bailarinas, "Monona", subió al escenario vestida con uniforme militar e inmprovisó un striptease hasta quedar desnuda, en un gesto de reafirmación de la libertad, que recién en ese momento parecía posible sin censura ni represión. Entrar en democracia significó la desaparición del aparato represivo y de censura del gobierno militar, por lo cual la libertad de expresión volvió a florecer. Toda una generación que no había disfrutado de esta libertad durante la dictadura, de pronto se sintió atraída por toda una serie de músicas populares que habían sido prohibidas y que no tenían que ver directamente con el rock. Cantautores de protesta comoPiero,Víctor Heredia, laNueva Trova Cubana, laTrova Rosarina y músicos folklóricos comoMercedes Sosa, coparon ondas radiales y escenarios que antes eran privativos del rock nacional.

Pero las nuevas generaciones, que no se sintieron identificadas con estas propuestas, fueron creando la escena que llevaría al desarrollo de las bandas mencionadas en primer término. El clima social festivo y de alegría marcó que avanzaran lanew wave y elpop rock argentinos, que con sus ritmos enérgicos y su estilo desacartonado promoverían grupos que se harían con el protagonismo de la escena musical argentina y, a la postre, de todaIberoamérica. Este tipo de bandas, que pasaban del sonido «solemne» y progresivo del rock sinfónico a una música más irreverente y accesible -lo cual ayudaría al rock nacional a expandirse en el exterior- representaban a la perfección el espíritu optimista y festivo del momento histórico. El progresivo avance de este estilo en el mercado discográfico, tenía su correlato en una fértil escena underground que durante toda la década representó un laboratorio de creatividad y nuevas propuestas.

Ya a mediados de mayo de 1982, y en plena guerra de Malvinas, el actor teatralOmar Chabán, el periodistaSergio Aisenstein (de la redacción delExpreso Imaginario, que conducía el programa radial de rockEl Tren Fantasma en las madrugadas deRadio Rivadavia) y el chef descendiente de alemanes Helmut Zeiger abrieron el Café Einstein. Inspirado por un bar holandés llamado No Name al que concurría Aisenstein cuando vivía en Ámsterdam, el espacio abría de martes a domingos. Los martes eran "de olla popular". Se realizaban en el localollas populares similares a las que por entronces organizaban sindicatos y organizaciones vecinales, con mandarinas de postre.^[223]​ Esos martes no había espectáculos. El resto de los días, se brindaba comida y bebidas con actuaciones teatrales y musicales en vivo.Katja Alemann, pareja de Chabán, bailaba un tango erótico,Vivi Tellas hacia un show que se llamaba La Nadadora y tocaba con la bandaLas Bay Biscuits,Chabán yAisenstein daban un show como el dúo Pis y Caca, el clown Geniol actuaba como mimo al tiempo que iniciaba la andadura de su mítico proyecto de rockGeniol con Coca,Arturo Carrera recitaba su poesía oGuillermo Kuitca, aún desconocido en el mundo del arte, pintaba en el escenario del lugar. Hasta hubo actuaciones de un histórico delInstituto Di Tella,Federico Manuel Peralta Ramos, como marcando un nexo entre dos momentos de máxiima creatividad en Buenos Aires. En cuanto a la música, fue un escenario preferencial para las nuevas tendencias dentro del rock nacional. En el día de la inauguración debutaron en vivoLos Twist, la banda dePipo Cipolatti, que era quien había realizado la instalación eléctrica del local. Su propuesta artística, basada en el humor y la música bailable con estéticakitsch, representaba un auténtico parteaguas entre el sonido progresivo del rock argentino de los '70.Luca Prodan, quien no tenía un hogar en Buenos Aires y había hecho gran amistad con los dueños, llegó a dormir en el local o en la casa deSergio Aisenstein, y tocaba prácticamente todos los días. Los fines de semana conSumo y los días de semana con sus proyectos paralelos: La Hurlingham Reggae Band y Sumito (un grupo acústico que lo completabanRoberto Pettinato en saxo yDiego Arnedo en contrabajo), o un proyecto sin nombre con el que, junto aPipo Cipolatti,Diego Arnedo yDaniel Melingo, hacían covers acústicos deBob Marley,Dean Martin yFrank Sinatra.^[223]​De ese modoSumo, banda que por cantar en inglés no se había visto beneficiada por la prohibición de música extranjera durante la guerra, comenzaba a cimentar su prestigio como abanderados del under porteño, mientras que el histrionismo de Prodan sobre el escenario combinaba a la perfección con el ambiente teatral del lugar.

La otra banda que encontró su lugar de privilegio en esa mixtura de rock y teatro fueron los platensesPatricio Rey y sus Redonditos de Ricota, quienes, ya desde el año 1976, venían exhibiendo un estilo derock teatral donde se incursionaba por otros tipos de espectáculo, además de lo que es estrictamente un recital de una banda de rock: unatroupe circense de monologuistas, magos, payasos, acróbatas, bailarinas desnudistas y músicos subían al escenario y hacían sus números. No había integrantes fijos, eran alrededor de quince músicos arriba del escenario que se iban alternando entre los instrumentos. Este formato de mezcla de recital con show de variedades surgió también por el contexto particular de la escena platense de laera dictatorial, donde se hacía difícil realizar un recital de rock como tal:

Por aquel entonces la mayoría de los grupos de rock de la ciudad no estaban afiliados al sindicato de los músicos, y esto hacía que fueran perseguidos y que no los dejasen tocar. En Buenos Aires era mucho más fácil entrar al gremio, pero en La Plata los requisitos eran tantos que ningúnrocker aceptaba esos condicionamientos burocráticos. De esa forma realizar lo que propiamente se podría llamar un recital era casi una ceremonia clandestina, o camuflada con otros condimentos, principalmente expresiones culturales como teatro, poesía, muestras artísticas, etc.

RevistaSudestada, abril de 2014.^[224]​

Si bien llevaban años de historia, losRedonditos de Ricota nunca habían logrado tener continuidad y sus shows eran muy espaciados. Pero desde el 2 de enero de 1982, cuando resultan la revelación del Festival a beneficio de la revista Pan Caliente, su nombre comienza a crecer en el boca a boca de la Capital y la apertura de locales under les da una regularidad que nunca antes habían tenido. Ese mismo año, aunque no llegaron a editar comercialmente, grabaronsu primer demo profesional. Este contaba en el lado A con grabaciones en estudio y en el lado B con registros del recital del Festival Pan Caliente. «Nene, nena», «Un tal Brigitte Bardot», «Mariposa Pontiac», «Superlógico» (que incluía en coros aLas Bay Biscuits:Fabiana Cantilo,Isabel de Sebastián,Diana Nylon yViviana Tellas) y «Pura suerte» estuvieron entre las canciones registradas allí, y algunas de ellas engrosaron posteriores álbumes de la banda. Aunque la RCA no se interesó en ese trabajo y no fichó a la banda, el demo recibió una buena acogida del público y tanto las canciones de estudio como los registros en vivo ganaron difusión en las emisoras FMporteñas, especialmente en el programa "9 PM" que, a esa hora, hacíanLalo Mir yElizabeth Vernaci enRadio Del Plata.

A partir de aquel lanzamiento, inició un crecimiento progresivo en la convocatoria de losshows, fomentado principalmente por el «boca a boca» de sus adeptos. Tal como lo atestigua un testimonio de la época, de la periodista de rockGloria Guerrero:

Una es imparcial, trata de no tomar partido por nadie, pero a veces es imposible. El grupo que más me interesó en los últimos tiempos hace un recital y quiero que lo sepan. Y además porque es muy difícil que se enteren por otro medio, ya que estos delirantes tipejos no publicitan un cuerno nada de lo que hacen. Las noticias 'se corren' y los teatros se llenan.

Gloria Guerrero, revistaHumor, diciembre de 1982.^[225]​

El encumbramiento en el under deSumo y losRedonditos, como las joyas ocultas de la movida fue simultáneo. Como señala el periodista Mariano Dal Mazo:"Sumo creció de manera simultánea a losRedonditos. Compartían público.Patricio Rey expresaba la cara política, más intelectual;Sumo la anarquía.Luca parecía congelado en ese rostro de bebé perplejo, esa mirada honda y triste, esos mohines callejeros y aristocráticos, siempre en el filo que separa la brutalidad de la ternuna. Siempre se mostraba con una ginebra en la mano. Todos tomaban ginebra en Buenos Aires. En los pubs, en La Paz y en todos los bares de laavenida Corrientes, los jóvenes, los viejos, los tangueros, los rockeros".^[226]​ Rebelándose contra los horarios controlados y la represión delProceso, la ginebra y la cocaína se convertían, de pronto, en las señas de identidad de toda aquella movida nocturna deBuenos Aires.^[227]​

En el mismo escenario de Einstein tocaron en sus comienzos otras bandas underground comoSoda Stereo,Los Encargados,Casanovas, oAlerta Roja.Los Violadores, después del escándalo del Festival de la Universidad de Belgrano, comenzaron a tocar en el Einstein casi todos los domingos, convirtiéndolo en el primer lugar donde las nuevas tribus urbanas como lospunks y darks comenzaban a darse cita mostrando su peculiar estética.

Poco después, en la esquina de República de la India y Las Heras en el barrio de Palermo, nace el Zero Bar con una propuesta similar, aunque más tranquila. Las mismas bandas y el mismo público alternaban entre el Einstein y Zero, generándose un ambiente de altísima ebullición cultural que, a partir de la restauración democrática, fue extendiéndose a otros recintos que copiaban la fórmula de bar con rock y teatro (Stud Free Pub, Palladium, Sham's, Medio Mundo Varieté, y, un poco más tarde, Prix D´ami y el Teatro Arlequines). En 1984, Gustavo De Rosa fundó La Esquina del Sol, un equeño lugar en la esquina de Gurruchaga y Guatemala, donde entraban no más de 120 personas y, en su primer años, no tenía escenario, tocando las bandas a la misma altura del público, En ese espacio,Los Redonditos de Ricota dieron varios de sus primeros shows en capital, ySumo llegó a tener una fecha fija todos los viernes. La agitación que se vivía en esos shows era tan intesa que los vecinos terminaron quejándose por "ruidos molestos" y el bar se mudó a Av. del Libertador, esquina Olazábal, cerca del Stud.

El punto máximo de esta movida llegó en 1985, con la creación delCentro Parakultural, en San Telmo. El Parakultural fue inaugurado por Omar Viola y Horacio Gabin en un sótano que habían alquilado en la calleVenezuela 336. Lo habían alquilado comosala de ensayo, allí Viola, Gabin, y actores comoBatato Barea,Alejandro Urdapilleta yLas Gambas al Ajillo, ensayaban por las noches, hasta que decidieron invitar gente a los ensayos y luego abrirlo al público. Se caracterizaba por ofrecerteatro, música en vivo y artes plásticas no convencionales en ese momento, destacándose principalmente la diversidad de espectáculos ofrecidos, desde el teatrounderground, o los monologuistas, hasta las bandas de rock independientes.

En sus primeros años se destacaron allí lasGambas al ajillo (grupo humorístico formado por cuatro mujeres: Alejandra Flechner, María José Gabin, Verónica Llinás y Laura Markert), Barea, Urdapilleta,Humberto Tortonese, Susana Cook, Los Melli, Las hermanas Nervio, ElClú del Claun, entre otros. Por su escenario también desfilaron las más importantes bandas de la escena under y alternativa de la segunda mitad de los ochenta. Siguiendo la tradición del Café Einstein los domingos estaban reservados para artistas punks, en el ciclo llamado "Domingos Paramusicales". Por allí pasaron:Los Violadores,Sumo,Trixy y Los Maniáticos (luego simplemente Los Maniáticos),Comando Suicida, Cadáveres de Niños, Sentimiento Incontrolable,Celeste y la Generación, Rigidez Kadaverika,Flema,Todos Tus Muertos,Los Corrosivos,Los Pillos,Antihéroes, entre otras.

Casi por la misma época del nacimiento delParakultural,Omar Chabán buscará reponerse del abrupto cierre del Einstein. SegúnSergio Aisenstein,“No lo cerró la dictadura sino la democracia. Nos clausuró (el ministro radical Antonio)Tróccoli, porque ahí iban sus hijos”.^[228]​ Tras el cierre, Chabán, gracias a un préstamo de la actrizKatja Alemann, su pareja por aquellos años, inauguraba un espacio de mayores dimensiones:Cemento. Inicialmente fue pensado como discoteca orientada al rock (con Daniel Nijensohn como DJ), muy poco después comenzaron a realizarse recitales en vivo en el lugar, dada la alta rentabilidad de los recitales de rock. Por allí pasaron en sus épocas iniciales las bandas más importantes delrock argentino, como por ejemploLos Violadores,Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota,Riff,Sumo, etc.

Una buena descripción del ambiente que se generaba alrededor de estos espacios y que marcó un hito en la cultura argentina, es la que hace el periodista Jorge Luis Fernández en el libro "Gente que no":"La primavera alfonsinista había comenzado por expresarse en cierta desinhibición de la sociedad y ahora se reflejaba en un auge de la experimentación y en la agitación de las vanguardias. La renovación cultural no sólo quedaba de manifiesto por la cantidad y calidad de salas alternativas, entre las que se destacabanCemento y elParakultural, surgidas en aquella época, sino por la emergencia de un concepto relativamente desconocido, elunderground. Bajo sus paraguas se abarcaba una serie de disciplinas en las que sobresalían el teatro y el rock, pero también cierto cine y, en algún sentido, un estilo de vida que incluía el consumo de drogas.

El país estuvo aislado del mundo, o mejor dicho privado de él, desde 1976. Habían pasado casi 10 años de oscuridad y de golpe llegaban todas las novedades, sin su consecución cronológica. En esa atmósfera, el tecno y el dark eran lo nuevo, pero también lo eran el punk y la new wave, el reggae y el ska, aunque en Europa y los Estados Unidos algunos de estos géneros ya habían pasado de moda. Lo que permitió la riqueza de las expresiones artísticas en aquella Buenos Aires fueron sus matices, la variedad de propuestas era vista en su conjunto como algo nuevo.

No solo la música y el teatro independiente vivían un reverdecer, sino también el cine. En ese contexto resultó decisiva la aparición de filmes comoBlade Runner y especialmenteLiquid Sky, con sus escenarios futuristas y apocalípticos, teñidos de encanto alucinógeno. Pero también fue importante la reposición de filmes que no habían sido entrenados en las salas porteñas, comoThe Wall yLa Naranja Mecánica. Todos aquellos filmes habrían de proyectar en la mente de muchos su propia película, osada, psicodélica, dejando su impronta en buena parte de las nuevas propuestas”.^[227]​

Así como 1985 marca la consolidación de la escena under con la inauguración del Parakultural, también llega para muchas bandas la apertura a la masividad y, finalmente, a una proyección internacional. Muchos de los roqueros argentinos firman con las transnacionales y esto les garantiza distribución por el continente. El 23 de enero de 1985 el empresarioDaniel Grinbank logró que comenzara a transmitir laRock & Pop, radio que tendría tanto éxito que establecería un modelo de programación y locución enfocado en la música que sería seguido por los siguientes proyectos de FM, además que daría lugar a una revista, festivales y discos con su nombre. Una crónica periodística resume así este período:"El año 1985 fue un momento clave. En enero comienza a transmitir la F.M. Rock & Pop, causando una revolución en la radiofonía argentina. Por su parte, el diario Clarín lanza el suplemento Si, dedicado exclusivamente a la cultura joven y al rock como eje principal de sus contenidos. Con la llegada de la Rock & Pop se realiza el festival homónimo, el cual reúne por primera vez a figuras y bandas internacionales con los popes del rock nacional. Mediante un entramado de medios, productoras, agencias de representación, discográficas, discotecas y empresas de indumentaria, la industria del entretenimiento se volcó a “lo joven” como elemento de consumo masivo. En décadas anteriores hubo fenómenos adolescentes, nunca con este calibre de producción e impacto".^[229]​

La era dorada del rock de Argentina, en términos comerciales, comenzó en abril de 1985, cuandoMiguel Mateos /ZAS realiza cinco shows consecutivos en elTeatro Coliseo para presentar su tercer disco,Tengo que parar (1984), dsco que le había reportado a la banda una gran notoriedad por la constante difusión en radios de las canciones. Durante esas presentaciones se grabó su primer álbum en vivo,Rockas vivas, el que llegaría a vender más de 500 mil discos solo enArgentina, convirtiéndose en el disco más exitoso del rock argentino hasta ese momento. Tan exitoso fue que, pese a ser un disco ya grabado en vivo, igualmente, fue "presentado en vivo" en agosto en elLuna Park. La idea era hacer un solo show, pero la demanda de entradas supera todas las expectativas, terminando en una serie de cuatro shows convocando 60.000 espectadores.

El tremendo éxito deRockas Vivas lleva a todas las compañías discográficas a apostar por el rock nacional e invertir en las bandas y solistas, incluyendo campañas de expansión y giras internacionales, batiendo récords de ventas de álbumes y asistencia en recitales en varios países del continente americano. Un hecho revelador del impulso que recibió el sonido pop y lo promisorio que era en términos de mercado, es que entre 1986 y 1987, varios de los nombres consagrados del rock nacional de los 70, cambian su estilo para grabar discos directamente influidos por el sonido pop y la imagen new wave, tratando de trepar a la ola. Es el caso dePuertos, deMaría Rosa Yorio,7x7 deDavid Lebón,Fotos de Tokyo dePedro Aznar o, el más exitoso de todos estos intentos,Noche y Día deRaúl Porchetto que incluye «Bailando en las veredas», un hit con alcance masivo. Todos estos discos se caracterizan, a grandes rasgos, por un sonido pop más simple y despojado que el de la new wave anglosajona. Canciones frescas, optimistas y bailables con preponderancia de teclados, una fórmula que ya en 1984, había iniciadoAndrés Calamaro con el hitMil horas compuesto paraLos Abuelos de la Nada y, al margen de su participación en esta banda, con su debut en solitarioHotel Calamaro y con la producción realizada para el único disco del dúoFrappé, en el que participaba su hermanoJavier Calamaro.

Este sonido, popular entre el público y con el apoyo de la industria discográfica, terminó convirtiéndose en masivo en todo el país. En laProvincia de Mendoza, surgiría una corriente denominadaRock de Mendoza y la agrupación más representativa seríanLos Enanitos Verdes; que en 1984 fueron revelación del Festival de La Falda y llegaron editar su primerálbum homónimo. Su único sencillo «Aún sigo cantando» interpretado a dúo conDavid Lebón,^[230]​ sonó mucho en las radios locales y tuvo cierto éxito.^[231]​ A partir de ese momento, también ellos caen bajo la producción deAndrés Calamaro con quien prolongan el mismo sonido pop en tres álbumes:Contrarreloj (1986),Habitaciones extrañas (1987) yCarrousel (1988), Al mismo momento de su consagración, en 1984 también aparecía otra banda de Mendoza,Alcohol Etílico; autores del mega éxito «Lamento boliviano» (que años después sería interpretado porLos Enanitos Verdes en su álbumBig Bang de 1994).

EnRosario, donde todavía imperaba el sonido de laTrova, algunos de sus artistas más jóvenes ya comenzaban a acercarse a este sonido pop, especialmenteRubén Goldín conHagamos algo, tema de difusión de su álbum debutDestiempo (1985), yFito Páez con algunas canciones de su segundo discoGiros (1985) y, sobre todo, con el maxiCorazón Clandestino (1986). Para 1986 ya comienzan a parecer las primeras bandas rosarinas en incorporar sonido pop e imagennew romantic, comoIdentikit,Graffiti yCertamente Roma.

EnCórdoba, el contexto era distinto debido a que en esa ciudad, y tradicionalmente, el espacio para la música popular, bailable y divertida, quedaba reservado para elcuarteto. Se trata de un género excepcionalmente masivo y que, al menos desde 1980, con la emergencia del "cuarteto moderno" iniciado por el grupoChébere, ya venía incorporando algunos de los elementos presentes en el nuevo pop argentino (concretamente el sonido preponderante de lossintetizadores, que enChébere reemplazaban alacordeón de los cuartetos tradicionales). En este contexto, el ambiente del rock en Córdoba -tradicionalmente refractario al fenómeno popular del cuarteto- permanecía en el underground y todavía se destacaban grupos dejazz rock comoLos Músicos del Centro yTamboor. Esta última banda intentó sumar elementos pop en su disco debutLa Sal de Mandinga (1984), pero siempre en un marco de complejidad lírica y musical influida porLuis Alberto Spinetta. Por eso la incorporación del nuevo sonido no se dio a través de una banda de rock, sino de un músico adscripto al mercado del cuarteto.Pelusa provenía del mundo del rock, pero había alcanzado la fama como cantante deChébere. En 1985, para lanzar su tercer disco solista,Teléfono Azul, intentó sumarse a los sonidos más modernos y para ello contrató como banda de apoyo aPasaporte, quienes acababan de ser considerados la revelación del Festival Córdoba Rock (1984) y que colaboraron con la composición de algunos temas.Teléfono Azul, disco que contenía versiones covers dePaul McCartney,Badfinger yAlma y Vida (Del gemido de un gorrión), fue un disco que se convirtió en éxito en el ambiente delcuarteto debido al background de su cantante, pero cuyo sonido está más cerca de lo que sonaba en las bandas emergentes del rock nacional. Un año más tarde, este mismo sonido aparecería mejorado y más producido enFuerzas del Interior, el disco debut dePasaporte, que produjo un curioso fenómeno para el rock nacional. Se trató de un disco que pasó casi desapercibido en Buenos Aires, pero en el interior llegó a vender 30.000 copias. La banda llegó a tocar con gran éxito no sólo enCórdoba sino en todo el interior del país y hastaBolivia, donde llenaron estadios en varias ocasiones.^[232]​

Una revisión a los principales discos de rock nacional de 1985 resulta reveladora, pues muchos de ellos permanecieron por siempre entre los discos más recordados del género: además deRockas Vivas,Nada Personal deSoda Stereo,Locura deVirus (marcando un fuerte giro estilístico hacia elsynth pop),Giros deFito Páez,Los Abuelos en el Opera deLos Abuelos de la Nada, y el segundo disco deG.I.T., conocido como el Álbum Negro, célebre por su particular sonido de batería electrónica. Ese mismo año,Miguel Mateos/Zas editó el primer video de rock argentino e introdujo en el mercado el formato de maxisencillo (conMensajes y la versión en inglés dePerdiendo el Contacto), además de lograr un hecho curioso: tener éxito con una "gira presentación" deRockas Vivas (que ya era, a su vez, un disco grabado en vivo).

Además de estos lanzamientos que fueron éxitos de ventas, también tienen lugar en este año la llegada a las bateas de las dos bandas más prestigiosas de la movida under:Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota conGulp!, ySumo conDivididos por la Felicidad. Otra banda identificada con el under,Los Violadores, pioneros del punk rock en el país habían llegado a editar su primer álbum homónimo en 1983, pero a partir de ese momento y de la partida de la banda de Hari B -con la consiguiente consolidación deStuka como guitarrista principal- comenzaron a alejarse del estilo punk puro, para tomar elementos del post punk y la new wave. La prensa inventa para ellos el mote de "pop duro", que también prodigan a otros proyectos de su entorno más encaminados a la new wave, comoTrixy y los Maniáticos o el proyecto solista deSissi Hansen. En 1985 editan su segundo disco,Y ahora qué pasa, eh? con el que llegan a tener un gran suceso comercial especialmente por la canción «Uno, dos, ultraviolento», Su convocatoria crece hasta alejarlos de los pequeños escenarios del under y llevarlos a tocar en recintos más grandes e incluso girar por el exterior.

En ese contexto de fervor por el rock argentino, surgió el proyecto de un álbum conjunto entreLuis Alberto Spinetta yCharly García. El disco se llamaríaCómo conseguir chicas (título que luego García utilizaría para un álbum propio), y la prensa local se entusiasmó mucho con el proyecto, el cual era muy aguardado. Ambos músicos llegaron, incluso, a hacer un adelanto tocando en vivo en el programa televisivoCable a Tierra, que se emitía porATC, la que a la postre terminaría siendo la única canción resultante del proyecto:Rezo por vos. Finalmente el proyecto fue abandonado por motivos que nunca quedaron en claro.Charly García grabó, en 1986, otro proyecto en colaboración, pero de alcance más acotado:Tango, junto aPedro Aznar. Sólo seis canciones, de las cuales se elegiría como tema de difusión la bailableHablando a tu corazón, que García había compuesto con miras al álbum con Spinetta.

En cuanto aSpinetta, en los últimos meses de 1985 grabóPrivé, disco que vería la luz en febrero de 1986 y contiene la primera versión deRezo por vos, así como otras que habían sido escritas para el disco con García:La Pelícana y el Androide yUna sola cosa. Se trata de un disco con una impronta casi experimental, sin baterías y con todos los ritmos hechos con una batería electrónica y donde el bajo, en muchos pasajes, es reemplazado por un secuenciadorCasio CZ-5000 programado por Spinetta y Horacio "Chofi" Faruolo. Spinetta reunió para esta placa a una variedad muy grande de músicos amigos, incluyendo alMono Fontana,Osvaldo Fattoruso,Andrés Calamaro,Ulises Butrón,Héctor Starc,Paul Dourge,Fito Páez y hastaLeón Gieco en ocasionales sonidos de armónica, además de las voces deFabiana Cantilo,Isabel De Sebastián y Sergio Fernández. Además del aporte musical de todos ellos, para muchos fue una oportunidad de improvisar con una serie de instrumentos modernos (secuenciadores,sintetizadorescajas de ritmos,MIDI, etc.) que terminaron caracterizando los años '80, pero que eran nuevos para ellos y no tenían ninguna experiencia en su uso, lo que condujo a la obtención de un sonido particular y característico.^[233]​

Durante la grabación dePrivé, Spinetta trabó amistad con el rosarinoFito Páez. Éste había dado sus primeros pasos en la llamadaTrova Rosarina, alcanzando notoriedad por su participación en la banda deJuan Carlos Baglietto, para quien también compuso varias de las canciones que llegarían al éxito. No obstante, desde un tiempo atrás, Páez había intentado despegarse de su imagen de hippie tardío y acercarse a la escena del rock nacional, ligándose a varios de sus nombres más importantes. Había llegado a integrar como tecladista la banda deCharly García, y en esa experiencia inició una relación de pareja conFabiana Cantilo. La amistad conSpinetta le valió su ingreso definitivo a esa escena, ya que con posterioridad aPrivé iniciaron la grabación de un disco conjunto, que terminó siendo doble,La La La (1986), que además fue presentado en vivo con un show multitudinario en elEstadio Obras Sanitarias. No se trata de un disco compuesto entre los dos, sino de canciones compuestas y arregladas por uno y otro, grabadas en el mismo momento y con los mismos músicos (además del cover del tangoGrisel deMariano Mores y de una única canción en común:Hay otra canción). El 7 de noviembre de 1986, poco días después de finalizar la grabación del disco,Fito Páez sufrió la tragedia de que su abuela (Delma Zulema Ramírez de Páez) y su tía abuela (Josefa Páez), que él reconocía como "sus madres" -su madre murió cuando tenía 8 meses-, fueran asesinadas brutalmente en su casa deRosario.^[234]​ Junto a ellas fue asesinada también Fermina Godoy, que trabajaba en casa de los Páez y estaba embarazada.

El dolor y la tristeza, que se sumó a la muerte de su padre el año anterior, lo sumió en un estado de desesperación depresiva del que tardaría mucho en salir y que se expresaría primeramente en la canción "Ciudad de pobres corazones", estrenada precisamente en el recital en elEstadio Obras Sanitarias de diciembre de 1986, en el que lanzaron públicamente el álbum.^[235]​ A partir de ese momento,Páez adoptaría cada vez más, en entrevistas y apariciones públicas, una actitud de roquero inconforme. Esta actitud se ponía en evidencia al posar con una campera de cuero para la tapa de la revista Canta Rock, y contando en la misma que había ido a ver el primer show deThe Ramones en Argentina. En esa misma entrevista decía ya no querer ser más "el chico bueno del rock" y que"está explotando en mí una violencia que no la tenía muy clara"^[236]​ y usaba malas palabras, como en la letra de la canción cuando hablaba de "esta puta ciudad". Musicalmente, no obstante, estaba lejos de sonar tan pesado u oscuro como pretendía. "Ciudad de pobres corazones" seguía siendo una canción compuesta a partir del piano, pero oculto tras un riff de guitarra al estilo deAC/DC y con efectos de cámara sobre la voz. Esta etapa se plasmó en sus siguientes dos discos,Ciudad de pobres corazones (1987) yEy! (1988) y en estos, mucho más que sonidos pesados, incorporó como su principal influencia el sonido de funk digital psicodélico que en ese mismo momento estaba triunfando a través de la música dePrince. La notable influencia dePrince en estos dos álbumes se materializa tanto en su vertiente bailable (“A las piedras de Belén” y “Bailando hasta que se vaya la noche” del primero; y “Solo los chicos” del segundo), como en el sonido mássoul de otras canciones (“Fuga en tabú” y “Nada más preciado”; y “Dame un talismán”, respectivamente).^[237]​

Fue este el modo por el que el sonido dePrince se convirtió en uno de los más influyentes en el rock nacional de la segunda mitad de los ochenta. AFito Paéz le siguióCharly García, quien en su siguiente álbum solista,Parte de la Religión (1987) incluyó (además de su propia versión deRezo por vos), canciones de inocultable influencia dePrince como el tema de difusiónNo voy en tren oBuscando un símbolo de paz. El mismo título de esta canción parece inspirado enSign O' The Times, el disco dePrince editado apenas dos meses antes deParte de la Religión, y en cuya gráfica la letra O era reemplazada por un símbolo de paz. En dicha canción, además del ritmo funky, hay un solo de guitarra deDavid Lebón claramente inspirado en el estilo guitarrístico dePrince. En sus declaraciones públicas de la época,García no intentaba ocultar nada ni dejaba ningún lugar a dudas: cuando le preguntaron por la influencia dePrince en su música respondió“Yo le copio a Prince mucho antes que Fito, Fito después que yo. Prince es divino”.^[238]​

En 1989, cuandoCharly García cierra la década con un álbum bautizado como el abortado proyecto con Spinetta,Cómo conseguir chicas, el tema de difusión esFanky, un tema conocido por el público ya que desde el año anterior, sonaba (en versión instrumental) en la apertura del programa televisivo deAntonio Gasalla. "Fanky" es una castellanización de "funky" y resulta clarísima la influencia del sonido dePrince en esta canción.

Una vez consolidado el éxito masivo del rock argentino en todo el subcontinente,Soda Stereo, con su sonidonew wave y post-punk se convertiría en una de las bandas más importantes del rock argentino y, al igual queLos Abuelos de la Nada yG.I.T. hallaría un gran éxito en el exterior. Como comentara Zeta Bosio, bajista de Soda Stereo:

«Nosotros salimos de Argentina y empezamos a ir a Chile, a Perú, empezamos a subir y en algunos países daba la casualidad de que llegábamos nosotros y nunca había ido una banda de Rock... nos decían que acá eso era una cosa del otro mundo y no iba a funcionar... ahora es una alegría ver que funciona y que tiene fuerza propia...»^[239]​

Soda Stereo pronto superó en éxito a todas sus contemporáneas y desató un movimiento de adhesión masiva en América Latina conocido como «sodamanía».^[240]​^[241]​ En sus comienzos, la banda estuvo influenciada por los ritmos ska y el sonido de bandas de new wave comoThe Police,The Specials,Talking Heads yThe Cure. Con su primer álbum, intitulado simplementeSoda Stereo (1984), lograron el éxito nacional; sin embargo, se los acusó de frívolos,^[242]​ al igual que aVirus.^[243]​^[244]​ Su segundo disco,Nada Personal, fortaleció la popularidad del grupo, con éxitos como «Nada personal» y «Cuando pase el temblor», abriéndoles las puertas a todo el mercado hispanoamericano. A fines de 1986, Soda Stereo realizó su primera gira por América, aún dentro de la presentación deNada Personal. La banda se presentó enColombia (6-7-9-18 de noviembre enBogotá y 8 de noviembre enMedellín),Perú (12 de noviembre enArequipa y 14-15-16 de noviembre enLima) yChile, con los temas deNada Personal y con un éxito considerable. Por entonces elrock latino tenía escasa adhesión entre los jóvenes de Iberoamérica y las bandas de cada país no acostumbraban realizar giras internacionales.^[245]​

El éxito fue especialmente masivo en Chile, donde realizaron cuatro recitales enSantiago (21-23-24-25 de noviembre) y uno enValparaíso (22 de noviembre). Un testigo los recuerda así:

Recuerdo casi como si hubiera sido ayer ese día, noviembre 25 de 1986. En esa época los conciertos se hacían los días viernes o sábados. Viernes, era ese día. Hacía un calor de mierda, y la fila para entrar el estadio iba ya en cuatro cuadras. Con mi mejor pantalón Smile amasado y mis Plumas del color de moda, me fumaba un Advance corto que compartíamos con mi primo y un compañero de curso, con pará de cancheros buscando alguna mina pa' engrupir. A las 19 se abrió el estadio y empezamos a entrar. Una mina nos pidió que la dejáramos colarse que andaba con dos amigas, !!!listo tres pa' tres!!!, y nos cambiábamos cigarros. Todos teníamos galería y quedamos inmediatamente arriba del escenario. Adentro, los vendedores trataban de pasar con la bandeja llena de vasos de Free, tarea casi imposible. Era el segundo de los Free Concert, el primero había sidoG.I.T., pero nada se comparaba con la efervescencia que llenaba el entonces Estadio Chile. Se apagaron las luces y a las 20:30, Gustavo, Zeta y Charly, comenzaban a tocar. Créanme que fue increíble.^[246]​

Cerati cuenta la historia desde su propio punto de vista:

El caso deChile fue muy sorpresivo, porque vinimos dos o tres meses antes de tocar por primera vez, y lo que ocurrió en ese tiempo fue tremendo. Incluso antes deViña del Mar (en febrero el 87), que fue como la explosión final. Para nosotros era muy interesante porque era la primera vez que salíamos del país. En Argentina la cosa fue mucho más progresiva, tocamos en muchos lugares y vivimos la escena under. Luego de Chile estábamos muy felices, porque queríamos la fama, vender muchos discos y creíamos que éramos el mejor grupo del mundo. En el fondo es muy raro no poder salir del hotel y toda esa locura, uno pensaba que estaba viviendo como una película deLos Beatles, y nos divertíamos.^[247]​

En Perú el grupo también obtuvo un éxito sorprendente para una banda derock:^[248]​

En noviembre de 1986 Soda Stereo llegó a Perú por primera vez y revolucionó el mercado. Sus ventas fueron enormes y sus (tres) presentaciones en el Coliseo Amauta, inolvidables. Aquella vez escuché gritos, chillidos, berridos y hasta gemidos. Vi llantos, desmayos e innumerables besos volados. Histeria colectiva creo que le llaman. Fue, verdaderamente, una locura sólo comparada a la de los Beatles en el Shea Stadium.^[248]​

A fines de año, Soda Stereo lanzóSignos, que consagraría su popularidad con éxitos como «Prófugos» y «Persiana americana». Los miembros se embarcaron en una nueva gira hispanoamericana que incluyó más de cien conciertos en once países diferentes (Argentina, Uruguay, Paraguay, Bolivia, Chile, Perú, Ecuador, Colombia, Venezuela, Costa Rica y México), además de grabar el álbum en vivoRuido Blanco. Con la gira deSignos, losSoda Stereo se convirtieron en estrellas internacionales. El grupo continuaría con su éxito hasta su separación, y luego de esta se convertiría en una banda mítica del rock argentino.

La pequeña onda se convirtió en una ola hacia 1986, y para comienzos de ese año se convirtió en un fenómeno continental, alcanzando América Central, México y cruzando el atlántico hacia España.Los Enanitos Verdes con su pop-rock enérgico lograron un gran éxito.Sissi Hansen, desde el under, llega al Perú, donde consigue tres hits con su primer discoMi Religión, producido porStuka.

Los Fabulosos Cadillacs, nacidos en el under porteño y completamente identificados con el sonidoska, fueron quienes introdujeron a la Argentina lo que el historiador del ska Albino Brown (del programa radialThe Ska Parade), llamaría desde 1989 3rd Wave Ska (Ska de la Tercera Ola). Se trata de una variante del ska en la que adquieren protagonismo los riffs de guitarra y una potente sección de vientos. Ese es el sonido ska que desde la segunda mitad de los 80 se impuso en todo Latinoamérica, caracterizado por la mezcla de los ritmos, acordes e instrumentación de cada país; dicho de otra forma, cada país pasaría a desarrollar su propia forma de ska usando sus instrumentos locales y tradición propios, logrando que a través de los vientos se fusionaran todos los ritmos bailables.Los Fabulosos Cadillacs lograron reunir en su sonido ritmos latinos, ska, rock, y posteriormente salsa y otros ritmos centroamericanos. Pronto abandonaron los escenarios del under y lograron, a partir de su segundo álbum,Yo te avisé!!, todo el respaldo deSony Music, para convertirse en estrellas en su país y en todo Latinoamérica, realizando en 1987 su primera gira fuera de su país natal, llegando aChile yPerú. La presentación en su país fue en elEstadio Obras Sanitarias en el año 1988. El mismo camino de consagración seguiríanLos Pericos, banda dereggae pero que tomó la idea de contar con una poderosa sección de vientos que le permitió hacer las mismas operaciones de mestizaje cultural que también a ellos le valieron un gran éxito en Latinoamérica. Su primer disco, "El Ritual de la Banana" vendió 180 mil placas convirtiéndose en el disco más vendido del año, otorgándole el título de Triple Platino. Sus primeros cortes,El ritual de la banana,Jamaica reggae,Nada que perder yMovida Rastafari, escalan rápidamente el ranking entre los más pedidos y escuchados en la radioRock&Pop y se convierten en verdaderos clásicos. Otra cosa que ayudó para este éxito fue la aparición de la banda en la películaEl profesor punk. El álbum es editado en todaHispanoamérica y la prensa los distingue como grupo revelación en 1988.

Este movimiento ayudó a revitalizar al rock hispanoamericano ya que le probaría a los productores y sellos discográficos de otros países que el rock en castellano funcionaba y era rentable. En México, los grupos argentinos eran promocionadas por medios comoTelevisa bajo la frase «Rock en tu idioma».^[249]​ La campaña era impulsada por la discográfica BMG Ariola (hoy Sony Music) y se encargaba de difundir bandas y artistas de Argentina, España y México. Fue en este último país donde sus efectos fueron más notorios a través de distintos discos recopilatorios y de la señal radiofónicaRock 101. También en Perú, las bandas argentinas fueron un catalizador que llevó al rock peruano hacia un público aún mayor, convirtiéndose enmainstream.^[250]​ En Chile, donde ya existían algunas bandas (comoLos Prisioneros), la ola de grupos argentinos inspiraría e influiría a las bandas locales, hasta el día de hoy.^[251]​ El estallido del rock colombiano se puede rastrear hasta los años ‘80, con muchas bandas locales citando bandas argentinas como influencias directas.

CuandoZas entró a los estudios Music Grinder de Hollywood para grabar su siguiente disco después del megaéxito deRockas Vivas, el álbum dobleSolos en América, con cifras de producción sin precedentes en el rock argentino, marcaron un hito que obligó a otras bandas a seguirlo. Los músicos argentinos patrocinados por multinacionales comenzaron a grabar en Estados Unidos los productos para vender en toda Latinoamérica con un sonido mucho más elaborado. A fines de 1986 se edita el álbumSignos deSoda Stereo, en el que la sofisticación del trabajo en estudio llegaba a una nueva cota, aportándole un sonido denso y cuidado que se convertiría en un nuevo sello de estilo de la banda e influiría a toda una generación de bandas underground que intentarían incorporar la misma riqueza sónica. El material deSignos, si bien no abrazaba abiertamente el sonido del rock gótico europeo, resultó de gran influencia en la escena dark argentina, debito a que, siendo un álbum teñido por los efectos del consumo decocaína, las letras dan muestras de las sensaciones de susceptibilidad,alienación yparanoia que los integrantes de la banda experimentaban durante este momento en sus carreras.^[252]​^[253]​

En 1987,Signos pasó a tener un lugar destacado en la historia de la industria discográfica argentina: ese año se convirtió en el primer álbum de un artista argentino en ser lanzado en formato deCD. Debió ser fabricado enHolanda, ya que aún no había máquinas en Argentina para fabricar CD, y de ahí fue enviado a toda Latinoamérica. Este episodio es una de las muestras de cómo Soda Stereo era una banda vanguardista, siempre a la caza de los últimos adelantos tecnológicos y artísticos. Por otro lado, el lanzamiento en 1987 en formato CD deSignos marcó el inicio del retroceso del vinilo y el casete en Argentina frente a los CD, una tendencia que continuaría en los años siguientes.

Para 1987, las agrupaciones argentinas más importantes (Soda Stereo,Los Enanitos Verdes,Charly García,Miguel Mateos,GIT,Virus) estaban girando por América, Europa y hasta países de Asia. Como contrapartida, en el circuito underground de Buenos Aires, una nueva camada de bandas jóvenes profundizaba en los sonidos más oscuros del punk y el post punk, acompañados por una estética e imágenes acordes, al mismo tiempo que renacía la escena del heavy metal con la reunión de sus dos bandas pioneras.

La escena del metal argentino había tomado tal autonomía que en abril de 1984, la editorial Magendra, que editaba la revistaPelo, comenzó una nueva publicación,Metal. dedicada al público del género. La revistaMetal existió durante más de una década y sirvió como el principal medio de difusión de toda una subcultura dentro del rock argentino. Las principales bandas de la llamadaNew Wave Of British Heavy Metal, como delglam metal americano llegaron a tener un gran éxito en el país a partir de la información brindada en sus páginas. Paradójicamente, mientras todo esto tenía lugar,Riff yV8, las bandas que habían iniciado todo el movimiento en el país, se habían disuelto poco después del retorno de la democracia debido a la creciente violencia en sus shows.

El regreso deRiff se produce a fines de 1985 con el discoRiff VII. En el mismo no participaríanMichel Peyronel (quien por entonces estaba intentando una carrera solista con su disco "A Toda Mákina", un ejercicio deglam metal que contó con la guitarra deStuka, de Los Violadores) ni"Boff" Serafine, quienes fueron reemplazados, respectivamente, por el míticoOscar Moro y porJAF, un joven músico prácticamente desconocido en ese entonces, quien asumiría simultáneamente los papeles de segundo guitarrista y vocalista líder junto aPappo. Es evidente el cambio de estilo enRiff VII, más cercano alhard rock, lanzado en octubre de aquel año por CBS, álbum en el cual descollaban la espectacular voz deJAF, la poderosa base rítmica deVitico yMoro, y una buena porción de inspirados temas dePappo, algunos de los cuales provenían de su reciente experiencia con el grupo brasileñoPatrulha do Espaço.^[112]​

En el mismo año,Ricardo Iorio yAlberto Zamarbide deciden rearmarV8. En una sucesión de músicos, convocan entre otros aWalter Giardino yMiguel Roldán en guitarras, y aGustavo Andino en batería. A partir de ese entonces realizarían una serie de presentaciones, pero surgirían diferencias nuevamente, esta vez con Gustavo Andino y Walter Giardino. Este último para ese entonces ya estaba proyectando el grupoRata Blanca junto aGustavo Rowek y otros músicos.^[254]​

En el mes de septiembre,V8 ingresa a losEstudios Panda para grabar un nuevo álbum, y durante la grabación del mismo comienzan a producirse algunas diferencias entre los integrantes de la banda.Iorio habría propuesto que el disco se titularaEl vivo sustento del inquisidor —igual que uno de los temas— y había realizado para la tapa un dibujo que mostraba unos monjes quemando una cruz en una hoguera, con el logotipo deV8. Finalmente se opta por el nombre deEl Fin de los Inicuos —otro de los temas del disco, compuesto por Iorio— y se elige una pintura deHieronymus Bosch para el arte de tapa. El disco se graba en 100 horas debido al magro presupuesto ofrecido por la compañía discográfica, pero a pesar de ello, gana en musicalidad con respecto a los anteriores.^[255]​

Ya por entonces, Zamarbide se había convertido al evangelismo, y sus creencias religiosas chocaban cada vez más con la estética buscada por Iorio. Estas discusiones fueron minando la banda hasta provocar su disolución a principios de 1987. Luego de su separación,V8 da origen a las bandas que conformarían la plana mayor del metal argentino en el cambio de década (fines de los '80 y principios de los '90):Rata Blanca (Giardino y Rowek),Horcas (Civile),Hermética (Iorio) yLogos (Roldán, Cenci y Zamarbide).

1987 también fue el año consagratorio para la agrupaciónKamikaze, obteniendo un lugar destacado dentro del espectro del heavy metal argentino. El 14 de noviembre de 1987 se presentaron en el Teatro Roca de Buenos Aires, en el marco del ciclo "Rock de Primera". Compartirían fecha con los uruguayosAlvacast, y los localesRiff yLa Torre, entre otros. Este espectáculo sería elegido por el público de la RevistaMetal como el mejor del año, superando aV8 con su show en el Pub Gasoline y al debut deRata Blanca en la Sala Luz y Fuerza.^[256]​

Laescena punk en estos años se hizo fuerte en elunder a través de una gran variedad de bandas que van a apareciendo y de la información que circula por el boca a boca y por sus propios canales de difusión alternativos, como fue la escena de los fanzines.

"Vaselina", el primer fanzine, editado por el entorno deLos Violadores, fue pasando de mano en mano hasta llegar aMarcelo Pocavida, un joven que por esos mismos momentos intentaba unirse a la escena con una efímera banda llamada Muerte Civil. En uno de los números de "Vaselina" reseñó aLos Baraja, banda platense que le llamó la atención por sus influencias deThe Damned y delglam rock británico, dos de las pasiones de Pocavida. Poco después, una pelea entre los integrantes deLos Baraja, lo llevaría a reemplazar a Claudo Apas, aportando un tono de voz desgarradora, única en la escena, convirtiéndose en un frontman de una presencia escénica inquietante^[197]​. Otro miembro deLos Baraja, el guitarrista Marcelo Montolivo, editaba en La Plata el fanzine "Reacción Punk", y en 1984Pat Pietrafesa comienza elfanzineResistencia. Inspirada en la ideología delHazlo tu mismo y una fuerte mirada anarco individualista que intentaba llevar a toda la escena:"Creo en la total autoridad del individuo que se niega a la aceptación pasiva porque sabe que éste no es su estado natural y creo sólo en la inconformidad total mientras continúe el actual estado de control".^[257]​

Pat Pietrafesa luego intentaría llevar estas ideas a la música con la creación del sello de cassettes "Grabaciones Caseras Cagan el Negocio de la Música", y la formación de su bandaSentimiento Incotrolable con Martín Peragallo (Lingux), en voz, su hermano Lucas Peragallo en Bajo, Pat en guitarra y Melchor en batería. Además de ello, desde el número 2 de "Resistencia", se convocaba a las nuevas bandas a reuniones regulares en elJardín Botánico para conocerse e intercambiar material. Como resultado de esas reuniones, el 9 de noviembre de 1985 se realizó en Avellaneda el primer festivalpunk autegestionado por las bandas, donde tocaronTodos Tus Muertos, Atentado, Conmoción Cerebral, Tumbas NN, Mutantes del Kaos,Alerta Roja, Mauser, Sucia, Antihéroes,Comando Suicida yTrixy y los Maniáticos. En 1986 cinco bandas (Sentimiento Incontrolable, Mutantes del Kaos,Todos Tus Muertos,Los Corrosivos y Antihéroes) crearon una cooperativa de bandas punks para organizar actuaciones conjuntas (llamados "festipunks", el primero de los cuales se desarrolló en el Salón Verdi de La Boca el 2 de mayo de 1986). Toda esta escena tuvo una muy fuerte actuación en las manifestaciones que pedían la derogación de los Edictos Policiales que permitían las detenciones por averiguación de antecedentes dándole además gran discrecionalidad a las autoridades policiales para determinar quiénes eran "sospechosos", lo que se había convertido en el principal instrumento del que se valían para perseguir a los punks y a otras minorías y tribus urbanas.

En 1984 comienza a gestarse todo una movida punk en el sur del conurbano bonaerense. A la presencia deAlerta Roja, que desde Gerli habían llegado a los escenarios del centro, se suman, desde Lomas, Banfield y Burzaco, bandas deart punk comoLos Corrosivos yEl Lado Salvaje. En Quilmes despuntabaEnema, quienes, para 1986, tras ser golpeados por un grupo de barrabravas en una pelea que se desató fuera del Salón Verdi en momentos en que se estaba desarrollando el primer festipunk, y enojados con la pasivildad mostrada por los punks de la cooperativa, que se autodefinían como "anarcopacifistas", decidieron que querían ser lo opuesto, y pasaron a identificarse como "anarkoquilomberos", dando inicio así a una sub tribu dentro del punk. Como lo narraPat Pietrafesa: "Alex sería más adelante el creador de los "AK" (anarkokilomberos), un grupo radical punk que lamentablemente creció mucho, en oposición a lo que ellos llamaban “anarkopacifistas” o “punks de biblioteca” (yo, Lingux y otros). Venían a nuestros recis a criticarnos y expresar su rabia porque “el verdadero punk era la Anarquía y el Caos”. Nos cuestionaban todo: la ropa, la actitud, los planes y los proyectos. Decía “- Qué proyectos? Si no hay Futuro!”. No soportaba nuestra visión del punk que él consideraba “careta”..".^[258]​ Los punks "anarcokilomberos" se identificaban pintándose ojeras negras y, encabezados por Alex Putrid, cantante deEnema (a veces desde el escenario, otras entre el público), se peleaban ferozmente con los autoproclamados "pacifistas". Fue la primera de varias fracciones punk nihilistas y violentas que surgieron dentro del punk argentino, como lo fueron posteriormente los "obelos" (llamados así porque se reunian en elObelisco) y, ya en los noventas, el llamado "hardcore negativo".

Entre 1985 y 1986 aparecen dos bandas que marcarían la escena:Todos Tus Muertos yMassacre.

Todos Tus Muertos nació en 1985 tras la disolución deLos Laxantes.Horacio Villafañe y Félix Gutiérrez, guitarrista y bajista de esa banda, forman Psico y el Drama de las Tres Cruces, una banda efímera. Después de esa breve experiencia reclutan aJorge Serrano y aFidel Nadal (que en ese momento tocaba en una banda llamada Los Eunucos), para formarTodos Tus Muertos. La banda debutó en 1985 en un local del Centro de Asistencia a los Detenidos, en el barrio deSan Telmo, en la misma fecha en que debutóSentimiento Incontrolable. Ambas bandas adoptaban un estilo que los ponía a medio camino entre el punk y la nueva movida dark que iba ganando espacio en el under porteño.Sentimiento Incontrolable se planteaban como abanderados del anarcopunk y comenzaban sus shows pasado lista de los punks que se encontraban detenidos y denunciando otros episodios de brutalidad policial, terminando esos relatos al grito de... BASTA!!!! para empezar a tocar. Musicalmente, no obstante, su sonido punk con predominancia de la base rítmica, ya los emparentaba conJoy Division y otras bandas post punk.Todos Tus Muertos, por su parte, se destacó por la incorporación de otros géneros y sonidos dentro de su música. Al principio de su carrera, su sonido fue fuertemente influenciado por las primeras bandashardcore punk comoDead Kennedys yBad Brains; por eldeath rock y por las bandas derock gótico comoVirgin Prunes yThe Birthday Party, así como bandas dereggae (es de señalar que, en paralelo,Gamexane integraba el cuarteto derock gótico,La Sobrecarga, con quienes llegó a telonear a la banda británicaThe Cure, en su recital de 1987 en el estadio Ferrocarril Oeste).

Sentimiento Incontrolable organizó y actuó en otros dos festipunks, el 30 de agosto y el 18 de octubre de ese mismo 1986, ambos en la Sociedad Polonesa Bartosz Glowacki, deValentín Alsina. Este fue el último show de Pat con la banda. Ya entonces estaba ensayando con una nueva banda que debutó en diciembre comoCadáveres de Niños y continuaría en actividad hasta 1989.

Por su parte,Massacre (originalmente: Massacre Palestina) fue la banda pionera deskate punk en Argentina,^[259]​ influenciada por bandas de la costa Oeste de Estados Unidos, comoTSOL,Dead Kennedys yBlack Flag.

Mutante del Kaos, que se definían como "anarcopacifistas", fue el primer grupo punk en practicar el crossover con el metal (incluían en su formación dos guitarras, lo que era una rareza en la escena punk) y solían incluir pasajes reggae en medio de las canciones. Con esa fusión se adelantaron a los sonidos típicos del hardcore de los 90.

Comando Suicida, banda que desde 1984 venía destacándose en la segunda camada del punk argento, poco a poco, influidos porCockney Rejects,4 Skins y los españolesDecibelios, comenzaron a diferenciarse ideológicamente de los fanzines punk al tiempo que aumentaban la velocidad de su música convirtiéndose en los primeros representantes del géneroStreet punk /Oi!. Tras ellos, surgieron otras dos bandasOi!:Doble Fuerza y Defensa y Justicia, esta última una especie de proyecto paralelo de los hermanos Ciro y Mariano Pertussi, cuyo proyecto principal eraAttaque 77, más pegado al sonido de losRamones.Durante toda esta época, con la agitación de los festipunks y los fanzines, se dio una auténtica revolución de bandas, que aparecían por decenas prácticamente semana a semana. Como lo recuerda Daniel Conesa, de Descontrol:“las bandas de esa época se armaban y se desarmaban semana a semana” (...) “El batero deAttaque, Leo, tocaba en todas. Todos tocaban con todos, pero éramos pocos los que medianamente seguíamos firmes en una estructura. Nosotros nos mantuvimos y empezamos a sonar. Éramos distintos en ese sentido. LosMuertos estaban en un escalón más arriba, pero después nosotros,Conmoción Cerebral,Sentimiento Incontrolable, éramos las que medianamente sonábamos bien”. Además de las ya mencionadas, integraban la escena de esos años Secuestro, Tumbas N.N, Morgue Judicial, Exeroica (la primera banda punk enteramente femenina de la Argentina), División Autista (primera banda hardcore y straight edge), Soberanía Personal, entre otros muchos.

El próximo paso para esa escena era la posibilidad de grabar su propio material. Mayoritariamente relegados de los grandes sellos, también en Argentina comienzan a aparecer sellos independientes sin fines de lucro e interesados en documentar lo que estaba aconteciendo en el underground. Fue importante el trabajo deDaniel Melero (deLos Encargados) y César Rosas (deMimilocos), quienes con su sello Catálogo Incierto documentaron en casete no sólo sus propios proyectos personales, en el campo del expresionismo electrónico, sino también el sonido deLos Corrosivos (Estudio de Casos) yTodos Tus Muertos (Noches Agitadas en el Cementerio, grabado en vivo en elParakultural). Estas grabaciones poseen un inestimable valor testimonial debido al expreso designio deDaniel Melero de privilegiar, por sobre el sonido de la música, el clima caótico e intenso que se vivía en esos shows.

El post punk en la Argentina alcanzó una personalidad propia con todo una movida de bandas a las que por entonces se las catalogaba como "dark". Fue una movida heterogénea desde lo musical. Las bandas tomaban el sonido y la estética del post punk y elrock gótico anglosajón, pero sin incurrir en la mera copia, logrando rasgos propios que, posteriormente, hicieron escuela en el resto de Iberoamérica. El periodista Pablo Schanton solía decir en sus charlas, ya en los años 90, que la mayor síntesis de la escena dark argentina está dada por el videoclip deCuando pase el temblor deSoda Stereo. A pesar de que no se trata de una canción "oscura" en ningún sentido, sino un ejercicio de pop bailable con ritmo decarnavalito, las imágenes filmadas en elPucará de Tilcara concentran mucho de la estética que intentaba asimilarse con los videos de bandas alternativas británicas de la época. La grandiosidad abandonada del sitio arqueológico y los Andes de fondo crea una atmósfera misteriosa y subyugante en la que los integrantes del trío se mueven con la imagen que definiría el estilo: los peinados post punk (que comenzaban a imponerse en el under porteño a través del éxito "subterráneo" deThe Cure, banda que por entonces era la que más ocupaba las portadas dePelo y otras revistas de rock argentinas) combinados con camisas de seda abrochadas hasta el último botón, sobretodos y, como dato autóctono, pantalones abombados que recuerdan vagamente a lasbombachas usadas tradicionalmente por los gauchos.Soda Stereo no fue una banda dark, pero es evidente que su sonido y su imagen influyó muchísimo a toda la escena que, de ese modo, pese a su lado oscuro y experimental, nunca dejó de lado el interés por crear canciones pop y hasta bailables.

La primera banda en marcar ese camino dentro del under porteño fueLa Sobrecarga, y se trata de una banda especial, en primer lugar por ser del Interior, y en segundo lugar porque sus orígenes musicales se remontaban a una era anterior. Formada porCésar Dominici en guitarra yvoz,Guillermo Robles en bajo yGustavo Collado en batería, venían actuando como agitadores culturales en su ciudad natal deTrenque Lauquen desde los años 70 y, al menos desde 1978 funcionaban como banda de rock progresivo con el insólito nombre de Igoagrio y las Crestas del Estrangulano. Si bien la banda no llegó a trascender del sur de la Provincia de Buenos Aires, poseían una información incluso mayor a la que manejaban otras bandas del mismo género en la Capital, y manifestaban influencias deKing Crimson,Van der Graaf Generator yGenesis, además de los experimentos sónicos deFripp yEno, entre otras.^[227]​ Dominici dice haber tenido "una iluminación" cuando, de viaje enGeneral Roca (Río Negro), descubre en una vidriera el libroPunk: La Muerte Joven, deJuan Carlos Kreimer. La ávida lectura del mismo opera el cambio. La banda pasa a llamarse Los Belicosos y comienza a buscar nuevas influencias post punk y new wave. La misma trayectoria de sus músicos de cabecera en esos años tendía a ese destino. Lo estaba haciendoRobert Fripp, con su discoExposure y también con el sonido más rítmico de la nueva versión deKing Crimson y su trilogía deDiscipline,Beat yThree Of A Perfect Pair. Siguiendo ese camino es lógico que llegaran aTalking Heads, cuyos experimentos étnicos los maravillaron y fueron una enorme influencia para la banda, que pronto volvió a cambiar el nombre:La Sobrecarga estaba tomado de una canción deRemain in Light, el disco más étnico deTalking Heads, producido porBrian Eno y con el sonido de guitarra deAdrian Belew (el mismo que había contribuido a operar el cambio de sonido en el nuevoKing Crimson).

Los miembros deLa Sobrecarga comenzaron a organizar shows enTrenque Lauquen para bandas del under porteño, comoSumo,Alerta Roja y laHurlingham Reggae Band, oficiando ellos mismos como teloneros. Finalmente tomaron la decisión de mudarse a Buenos Aires y allíLuca Prodan les abrió la puerta a los principales escenarios de la escena underground, como el Café Einstein, Zero, Stud Free Pub, Caras Más Caras, La Esquina del Sol y Flashback. Según cuenta Guillermo Robles:"Empezamos a tocar en el Café Einstein, al principio cada quince días y después una vez por semana. Primero tocábamos los martes, que era el día de los novatos, y después fuimos ascendiendo al miércoles, al jueves, hasta llegar a los viernes".^[227]​ La originalidad de su propuesta los hizo notorios entre el público de ese circuito. Una noche, bajándose del escenario tras un show en Zero, fueron abordados por uno de los nombres más respetados de la movida underground:Horacio "Gamexane" Villafañe, deLos Laxantes.“Ustedes son la mejor banda de Buenos Aires pero les falta guitarrista que soy yo”,^[260]​ les dijo y desde ese momento se unió a la banda aportando otros tintes punks y siniestros a su sonido. Pronto fueron reclutados paraCBS por Popy Manzanedo, productor que también trabajaba conSoda Stereo. Él les hizo grabar su primer disco en 1986 y, antes de que saliera a la venta, tuvo una buena idea publicitaria. Por esa épocaRock&Pop era la novedad del espectro radiofónico argentino y llamaba la atención por su estilo de presentaciones. CBS lanzó entonces, copiando la idea de la serie de compilados de coversFM USA, el compiladoFMRA -1° programa, compuesto de canciones de las bandas de rock nacional que representaba el sello con presentaciones grabadas porLalo Mir yElizabeth Vernaci, simulando un programa de FM. En ese casete, de enorme éxito especialmente entre los adolescentes, aparecía la canciónViajando hacia el Este, primer track editado porLa Sobrecarga que así aparecía en un compilado compartiendo espacio conSoda Stereo,Sumo yRiff, entre otros. Inmediatamente después de eso, apareció su primer disco tituladoSentidos congelados, que alcanzó gran repercusión gracias a los hits «Conexión París», «Viajando hacia el este», «El gran laboratorio» y «Shock eléctrico», llegando a vender 30.000 copias y siendo editado con éxito también en Perú.^[261]​ La portada del álbum, con la foto de una canaleta, funciona como tributo aUnknown Pleasures de la banda inglesaJoy Division (aunqueCésar Dominici lo niega y dice no haber reparado en ese detalle en ese momento).^[262]​

Otra de las bandas dark de mayor repercusión fueDon Cornelio y la Zona, quienes llegaron a las estaciones de radio con su hit:Ella Vendrá. Fue la primera apuesta del sello EMI - Odeon por crear un subsello dedicado a las nuevas tendencias del rock en Argentina: "Berlín Records", regenteado por Fabián Couto. Para ello ficharon a la banda dePalo Pandolfo que hasta ese momento se llamaba "La Banda de Don Cornelio", los convencieron de cambiar su nombre por uno más "enigmático" (el agregado "La Zona" hace referencia al filme soviético deAndréi Tarkovski llamadoStalker, que se había estrenado en Argentina por esa época) y los metió en los estudios Panda a grabar con la producción deAndrés Calamaro. El resultado fue su primer disco, homónino, que mezclaba sonidosnew wave con instrumentaciones no convencionales ypost punk. Además de "Ella vendrá", el álbum contó con otro dos temas muy difundidos: "Tazas de té chino" (segundo simple de difusión) y "El rosario en el muro" (Lado B del simple "Ella Vendrá"). Los tres temas, muy reproducidos en las radios alternativas, contribuyeron a crear la estética de la escena. Inmediatamente después de haber logrado ese relativo suceso, Berlín Records editó otros tres discos fundacionales del dark argentino: el primer disco, homónimo deLa KGB (conteniendo otro hit radial: "Picando una piedra"), "Viajar Lejos" deLos Pillos y "El Camino Contrario", segundo disco deEl Corte, banda que en el año 1986 se había adelantado a esta movida grabando su disco homónimo. Este fue quizás el disco más original de la escena por su particular sonido, obtenido merced a la grabación en directo, en tan sólo una noche, en un galpón en desuso de la empresaObras Sanitarias enVilla Devoto, aprovechando su "cámara natural", la cual le otorgó un sonido sórdido y crudo, lleno de ruidos ambientales. Su degundo álbum "El Camino Contrario" ya fue un disco más "luminoso", en el que las influencias dark se mezclaban con toques pop al estilo deThe Cure,The Mission,The Smiths oEcho & the Bunnymen.

Igual impacto tuvoFricción, proyecto que nació como una especie de supergrupo entreGustavo Cerati (guitarrista deSoda Stereo),Richard Coleman,Christian Basso yFernando Samalea (tres músicos que alternaban entre los proyectos new waveMetrópoli yClap, y que por ese mismo momento integraban Las Ligas, la banda que acompañaba aCharly García en sus actuaciones). Era un proyecto paralelo aSoda Stereo en el que las canciones eran compuestas por Coleman, y Cerati ocupaba un lugar puramente instrumental, como un laboratorio para experimentar con distintos sonidos de guitarra. En el año 1986 dieron tres recitales en el Stud Free Pub que produjeron un intenso rumor entre músicos y periodistas, al punto de ser recordados por siempre por la calidad del sonido y la puesta en escena y el carácter rompedor de la música. Fue a raíz de esa repercusión que resultaron elegidos "Banda revelación" en el año 1986, por el suplemento Sí! deldiario Clarín. En ese mismo año, fueron contactados por el mánager Fabián Couto para editar el primer álbum de la banda, llamadoConsumación o consumo. En éste, Cerati ya ocupa solamente el rol de productor (y guitarrista invitado en el temaArquitectura Moderna, una balada que recuerda a los tracks instrumentales de la Trilogía Berlinesa deDavid Bowie). La banda reducida a trío sumó la participación de Gonzalo Palacios en saxofón yCelsa Mel Gowland en coros, quienes pasarían a ser miembros permanentes a partir del segundo LP,Para Terminar (1988).

Los mencionadosClap, si bien claramente sonaban demasiado pop como para ser catalogados como "oscuros", compartieron con la movida dark no sólo los escenarios del under y varios de sus integrantes (Christian Basso,Fernando Samalea,Celsa Mel Gowland; todos pasaron después por Fricción), sino también el interés por la pulsión rítmica "tribal" tomado, comoLa Sobrecarga, de la influencia deTalking Heads. Al igual que enLa Sobrecarga, también enClap era notoria la influencia de la nueva encarnación deKing Crimson de principios de los ochenta, con sus complejos y rítmicos fraseos de guitarra, a los que le sumaban el particular estilo vocal del cantanteDiego Frenkel. Su único disco, de 1986, dejó dos de los más recordados hits "alternativos" de las radios de la época:Simios yBrujos (Brujerías Flotantes).

Otras agrupaciones ligadas al género deldark fueronEuroshima,Perdón Amadeus,Los Corrosivos,Duna,La Forma yEl Extranjero. En el interior del país otras bandas intentaron seguir este camino pero, alejados de los templos del underground porteño, debieron conformarse con un pequeño núcleo de seguidores. Es el caso de las bandas cordobesasEl Final de los Árboles,Los Enviados del Señor yLa Batata. También los marplatensesMellonta Tauta, quienes llegarían a editar y obtener reconocimiento internacional en la siguiente década. También, como sucedió en el resto del mundo, la estética dark era compartida por bandas de raíz electrónica, que no basaban su música en las guitarras, sino en los ritmos electrónicos y los teclados, abarcando un amplio espacio entre los ritmos bailables y las ambientaciones siniestras. En la Argentina ese espacio venía cubierto ya desde principios de 1982 porLos Encargados, una de las bandas más adelantadas a su época merced al grado de información musical e inquietud artística de su líderDaniel Melero. Después de dos intentos frustrados por editar material, para 1986 se habían convertido ya, al mismo tiempo, en un mito del under por sus actuaciones y en un grupo reconocido por el mundillo del rock a raíz del cover de su canciónTrátame suavemente, que había grabadoSoda Stereo ensu primer disco. Ese año, al fin, logran editar el que sería su único álbum,Silencio, el cual fue elegido comoMejor Disco del Año en la encuesta del suplemento "Sí", delDiario Clarín. La misma mixtura entre synth pop bailable y reflexivo a la vez, con ambientes oscuros y post punk taciturno era seguido por otros proyectos comoMimilocos, Uno x uno, Art Nouveau, y ya al final de la década (y marcando el vínculo con la movida electrónica de los 90), por el dúo El Signo.

El 17 de marzo de 1987, toda esta incipiente "subcultura dark" tuvo su primera gran cita masiva en el show deThe Cure enFerro (y conLa Sobrecarga como teloneros). Hubo incidentes por hordas que entraron al estadio sin pagar entrada, infiltrándose a través de techos vecinos, y que luego, una vez en el campo se pusieron a pelear con los empleados de seguridad y sus perros. Los propios músicos sufrieron agresiones mientras tocaban, aunque el recital nunca se canceló. Hubo rumores acerca que productoras rivales enviaronbarras bravas como venganza hacia el organizador del recital,Grinbank. El saldo de los incidentes fue de 20 heridos, 100 detenidos y 1 muerto (un vendedor de panchos que trabajaba en el estadio y tuvo un paro cardíaco).^[263]​

La Sobrecarga abrió el show deThe Cure con un set de 25 minutos acompañados porRoberto Pettinato, deSumo, como saxofonista invitado. Llegaron al estadio en transporte colectivo porque no disponían de movilidad propia y no cobraron absolutamente nada. Mientras tanto, para recaudar fondos, hacían recitales en la casa que alquilaban y de donde los estaban por desalojar por falta de pago. Poco después de ese show se editó su segundo disco,Mentirse y creerse, el que profundiza el sonido oscuro y hasta experimental de la banda, pero adosándolo a pequeñas gemas pop comoCabeza Rota,Ansiedad oculta y, especialmente,Es Telepatía, la canción más pop compuesta porGamexane. Pero para ese momento, la crisis económica hizo que CBS no invirtiera nada en su difusión. De ese modo, el material vendió muchísimo menos que su anterior disco. Desalojados, acuciados por la crisis, e impedidos de seguir viviendo de la música, la banda se terminó disolviendo a principios de 1988.^[227]​ Su final era otro de los signos del fin de esa era. Como lo expresó una crítica posterior:

«Aunque pasó casi inadvertido,Mentirse y Creerse es, junto conPatria o Muerte deDon Cornelio, la mejor banda de sonido de la Argentina de fines de los 80, cuando la primavera alfonsinista y el poptimismo deLos Twist ySueter habían quedado atrás y el gobierno radical empezaba a ser jaqueado por los levantamientos militares, las huelgas sindicales y la aceleración de la inflación. En ese contexto, varios temas deLa Sobrecarga suenan claramente anticipatorios. El corte de difusión del disco fue Verano Negro, que desde el título adelantaba lo que iba a suceder una temporada después cuando la híper se llevó puestos alPlan Austral y al gobierno deAlfonsín. El propio presidente además participó en Condenados, con una grabación de su voz, un recurso que había sido utilizado porDavid Byrne yBrian Eno seis años antes en su seminalMy Life in the Bush of Ghosts, pero que en la Argentina deMiguel Mateos ySoda Stereo era una verdadera novedad. El fallecido líder radical aparecía en el disco deLa Sobrecarga repitiendo el No podemos que un año después iba a formar parte del discurso del triple no, en el que hacía un repaso sobre lo que no pudo, no supo o no quiso hacer durante su mandato".^[227]​

A inicios de 1987 se realizó una edición del festival de rock La Falda que fue particularmente negativa. A causa de la mala organización, lluvias torrenciales y un público agresivo (que tuvo incidentes con la policía), quedó en la historia como uno de los peores episodios del rock argentino. En el recital deMiguel Mateos/ZAS, por ejemplo, en un momento el cantante se cansó de los que le arrojabanchoclos y empezó a insultarlos duramente, mientras abajo unpunk connavaja en mano ycigarro en la boca aterrorizaba al público.^[264]​ TambiénCharly García insultó al público, que le arrojaba choclos, lo que provocó que también dijera"¡no me maten en este lugar, yo quiero morir enHollywood!"^[265]​

El episodio negativo en el festival La Falda 87 provocó queMiguel Mateos decidiera dejar de lado el mercado argentino y comenzara a priorizar los mercados mexicano y estadounidense, donde cosecharía los mejores éxitos de su carrera y donde su prestigio sería tan alto que sería únicamente comparable al de las bandas argentinas más populares internacionalmente (Soda Stereo,Enanitos Verdes,Fabulosos Cadillacs).

Pero, fundamentalmente, el escándalo del festival La Falda 87 fue un duro golpe a realización de festivales federales de rock. La idea se volvió prohibitiva para los productores a partir de ese episodio, lo que llevó a que durante largos años no se volviera a hacer un festival federal de rock en Argentina. Recién en 1992 con el Festival Argentino de Música Contemporánea de La Falda, publicitado con eleslogan"renace el mito" a modo de despejar dudas y traumas, volvió a hacerse uno: fue un éxito y no hubo incidentes.^[266]​ Sin embargo, esto no significó que se asentara la idea de los festivales federales, ya que no tuvo regularidad en los años siguientes. Recién en 2001 con la primera edición delCosquín Rock, se asentó definitivamente la idea de hacer un festival masivo de rock en las provincias: logró tener regularidad en los años siguientes.

El 2 de mayo de 1987 en el recital deSoda Stereo en la discotecaHighland Road deSan Nicolás de los Arroyos un balcón se derrumbó, dejando un saldo de 5 muertos y 110 heridos. El recinto, habilitado para 1500 personas, tenía 2500 esa noche.^[267]​ A causa del incidente, el siguiente recital enObras de la banda se hizo en tono sobrio, sin decoraciones, a modo de conmemoración a las víctimas.

Como un anticipo del fin de esa movida, en diciembre de 1987 se produjo la muerte deLuca Prodan, líder deSumo. Fue encontrado muerto el 22 de diciembre en su habitación, estando en discusión la causa de su muerte.^[268]​ Su fallecimiento provocó conmoción entre sus fanáticos y en la escena del rock argentino. Luego de la muerte de Prodan, Sumo se separaría y sus miembros formarían dos nuevas bandas,Divididos (conRicardo Mollo yDiego Arnedo) yLas Pelotas (conGermán Daffunchio,Alejandro Sokol yAlberto Troglio). De las dos,Divididos lograría mayor éxito comercial, contando con un sonido de rock potente, publicitándosecon el apodo de «La aplanadora del rock». Pettinato, por su parte vivió unos años en España, donde formóPachuco Cadáver, un dúo con Guillermo Piccolini con el que editó dos discos explorando los sonidos de la psicodelia y el rock experimental de todas las épocas. A su regreso al país volvió al ámbito periodístico y de conducción de programas de televisión.

En 1988,Fricción editaría su último álbumPara terminar dándole un cierre a la etapapost-punk del rock argentino. Tras su disolución,Richard Coleman se alió conHoracio "Gamexane" Villafañe, deTodos Tus Muertos para crearLos 7 Delfines, que sería otra de las bandas que cultivaría en los 90 un sonido potente y muy trabajado.

En ese mismo año, perdería otro artista de gran protagonismo en la escena del rock:Miguel Abuelo, fundador deLos Abuelos de la Nada, fue diagnosticado desida. Murió el 26 de marzo de 1988 de un paro cardíaco a poco días de haber cumplido 42 años.

El líder deVirus,Federico Moura, también fue notificado de tener sida. Moura murió de una insuficiencia cardiorrespiratoria el 21 de diciembre de 1988, justo un día antes de cumplirse el primer aniversario de la muerte de Prodan. Sin embargo, Virus sobrevivió a la muerte de su líder, ya que varios meses antes de su muerte, Federico le ordenó a su hermano, el tecladista y corista de la bandaMarcelo Moura, que ocupara su lugar. La banda continúa activa hasta la actualidad, como una banda de pop-rock con influencias delsynthpop y elelectropop.

Los finales de los 80's también marcan la transición, paraPatricio Rey y sus Redonditos de Ricota, del underground a la masividad, hasta convertirse en un fenómeno de masas. Su popularidad aumentaba con base en las reseñas en medios de prensa especializados y al boca a boca entre los aficionados. El 2 de diciembre de 1989 el grupo tocó en elEstadio Obras Sanitarias. El estadio techado contaba con una capacidad para 4700 personas, la cual fue rápidamente alcanzada, sorprendiendo a la propia banda. Por lo que agregaron una nueva fecha, pero una vez más las entradas fueron vendidas rápidamente. Ante la demanda, la banda anuncio un tercer show para el 29, pero esta vez no en el estadio techado, sino afuera, en las canchas de hockey de Obras, que al ser un espacio abierto permitía una capacidad de hasta 25.000 personas y logrando vender todas las entradas. Los Redondos pasaron de tocar en lugares pequeños a llenar un estadio en sólo veintisiete días. Era la segunda vez en la historia que una banda tocaba en la cancha de hockey de Obras con un recital propio (no como parte de un festival), sólo después deSoda Stereo, que lo había logrado en diciembre de 1988. En este recital aparecieron los primeros problemas de seguridad y el control sobre su público, los seguidores empezaron a mover el escenario, lo que hizo peligrar la estructura del mismo y provocó que la banda parara con el recital y pidiera al público que se calmara. Pese a este incidente, los shows de Obras tuvieron muy buena recepción del público y crítica, y en las votaciones de fines de 1989 en elSuplemento Sí! y la revistaRock&Pop, Los Redondos fueron elegidos como la banda del año, cortando con la hegemonía que había tenidoSoda Stereo en el ambiente en los años 1985, 1986, 1987 y 1988.Soda Stereo únicamente fueron votados banda del año en laPelo.

Aunque para cierto sector de los fanes le disgustó que tocaran en Obras, pues consideraron que presentarse en un estadio con tanta capacidad consistía en una traición a los principios del grupo, los cuales esencialmente eran opuestos a la comercialización y almerchandising, lo cierto es que la popularidad de los Redondos se expandió enormemente con su llegada al templo del rock argentino, generando un marcado cambio en la composición social de su base de seguidores. Las "misas ricoteras" como se llamaba a los shows en estadios que la banda dio en los años 90, se caracterizaban por la presencia de banderas, cánticos futboleros y hasta un discurso en el público que no se condecía con la música de la banda ni con sus letras. Entre las consecuencias de este cambio estuvo el crecimiento de los hechos de violencia, tanto en enfrentamientos entre el público (parte del cual se identificaba como "barras" con banderas y distintos nombres, a veces vinculados con su lugar de origen, y de un recital a otro arrastraban relaciones de amistad o enemistad con otras barras) como enfrentamientos con la policía. En el nuevo folklore que se iba generando en torno a las "misas" en los estadios, estos enfrentamientos eran contados como una señal de "aguante", término tomado del ámbito del fútbol argentino. Este nuevo ambienye, alejado del under de los años 80, fue el caldo de cultivo para lo que, en la década siguiente, se llamó elrock barrial.

El 27 de diciembre de 1988 se dio un hito en el rock argentino: por primera vez tuvo un megafestival, algo que se concretó con la realización delFestival Tres Días por la Democracia que juntó a 150.000 personas, una cantidad nunca antes vista en la escena y que la ponía al nivel de las mayores escenas del mundo. El festival se realizó en laavenida 9 de Julio y que tuvo entre sus números aLa Torre,Ratones Paranoicos,Enanitos Verdes,Fito Páez,Charly García,Luis Alberto Spinetta y como plato fuerte de la noche aSoda Stereo.^[269]​ De esta forma se cumplió aquel anhelo de hacer un megafestival de rock en Argentina, algo que se había intentado frustradamente en 1970 con el Primer Festival de Música Joven enLobos; quedaba claro que ahora sí estaban dadas las condiciones y contexto en Argentina para emprender un proyecto de este tipo.

El 14 de mayo de 1989 estalló lahiperinflación argentina cuando, en medio de una recesión económica, laselecciones presidenciales efectuadas ese día arrojaron como resultado que elpartido radical dejaría el gobierno y que asumiría elperonismo conCarlos Menem como nuevo presidente de la nación. Como consecuencia, se aceleraron las tendencias previas de caída económica, explotaron los saqueos y disturbios por todo el país, y diversos sectores empezaron a presionar para que el traspaso de mando no fuera en diciembre sino que se diera anticipadamente, cosa que se concretó el 8 de julio. No obstante, la hiperinflación fue larga y continuó con el nuevo gobierno, teniendo coletazos hasta abril del año siguiente.

La hiperinflación afectó severamente la escena musical argentina. Las bandas consagradas y con mayor poder adquisitivo pudieron en cierto modo sortear la crisis, haciendo giras internacionales donde pudieran recaudar los tan necesitadosdólares.^[270]​ Sin embargo, las bandas chicas que recién estaban empezando corrieron otra suerte: debido a que la industria de la música se vio severamente afectada por la crisis. Los sellos indepoendientes que estaban empezando a hacerse notar e influir en la escena, desaparecieron. En cuanto a los sellos grandes, pasaron a descartar cualquier riesgo y a centrar sus catálogos solamente en artistas consagrados cuyo caiudal de ventas estaba practi amente asegurados por su trayectoria. Así, varios proyectos quedaron en pausa o directamente descartados, lo que afectó las carreras de diversas bandas y solistas que venían en crecimiento.

Uno de los efectos a largo plazo de aquella hiperinflación fue que, mientras que fueron desapareciendo las bandas chicas delpop rock ynew wave que seguían el modelo de unirse a una gran discográfica, fue creciendo un modelo alternativo deautogestión y de grabar producciones de forma independiente, y de hecho entre fines de los '80 y principios de los '90 nacieron varias bandascontraculturales, delrock alternativo y del género luego conocido comorock barrial. Incluso si hubieran buscado usar la vía de las grandes discográficas, las bandas emergentes se hubieran encontrado con las puertas cerradas, tanto por la crisis económica como por reticencias de los sellos, que con el cambio de formato devinilo alCD prefirieron ir al negocio seguro de reeditar placas de artistas consagrados, en vez de arriesgar por editar artistas nuevos. Al respecto de esta época comentó años más tarde el músicoFernando Samalea, en su libro autobiográficoMientras otros duermen: una larga vigilia del rock (2017):

Sucedían tiempos particulares para la industria musical. El cambio del vinilo al CD había hecho que la mayoría de las compañías grandes apostasen más a reediciones que a proyectos actuales. Como consecuencia, en Argentina surgieron radios alternativas, sellos independientes, compilados (...) y bandas (...) [que] mostraban otra escena alternativa.

Fernando Samalea.^[271]​

Como muestra de que en ese periodo se vivió una debacle para el under, puede decirse que en el año 1990 casi ninguna banda argentina de rock obtuvo su debut discográfico. Las pocas ediciones fueron de artistas ya consagrados, y los discos destacados del año fueronCanción Animal deSoda Stereo yFilosofía Barata y Zapatos de Goma deCharly García. Como única excepción, el sello punk Radio Trípoli intenta volver a las fuentes y edita, ese 1990, el disco debut ( y que sería el único) de una histórica de la escena punk porteña: Trixy (ya sin los Maniáticos).

Con respecto al estado de la industria discográfica, recién en 1991, con una cierta estabilidad económica, sin inflación pero también sin mucho poder adquisitivo, las discográficas pudieron lanzar los primeros y segundos álbumes de numerosas bandas emergentes, álbumes que en algunos casos estaban pendientes desde hacía 2 años.^[272]​ Algo que motivó críticas del productorDaniel Grinbank fue que durante la crisis las discográficas no hicieron muchos esfuerzos para exportar las bandas argentinas, y por eso en 1991 acusó a las discográficas deuna falta de creatividad ejecutiva.^[273]​ En 1992 continuó la mejoría y se produjo un repunte de las ventas de discos y asistencia a recitales, y aunque las productoras aún veían complejo hacer giras por las provincias, sí veían con buenos ojos volver a enviar bandas a tocar a otros países.^[274]​ Como muestra de la mejoría económica y mayor poder adquisitivo, a partir de ese 1992 estallaron las visitas de bandas y artistas internacionales, que fueron aprovechadas por las bandas locales haciendo de teloneras.

Hacia 1993 estaba asentándose el modelo"multitarget" de radios FM, con rankings del tipo"los 40 principales" que no seguían un género en particular sino que simplemente seguían un criterio de popularidad: los oyentes votaban las canciones y las más elegidas eran pasadas. De modo que en una radio podían pasar por igual artistas tan diferentes comoPatricio Rey y sus Redonditos de Ricota,Julio Iglesias yMichael Jackson.^[275]​ Tal era la programación de, por ejemplo,FM 100.^[276]​ Sin embargo, en paralelo estaba surgiendo otra movida más roquera: el Condon Clú establecía cada fin de semana recitales en distintos locales, a donde tocaban números comoLas Pelotas,Los Piojos,Memphis la Blusera,Bersuit Vergarabat,Pappo yJuanse.^[275]​ Esta movida sería un importante eslabón en el posterior estallido delrock barrial.

No obstante, ya para 1994 las excelentes ventas de discos y de entradas a recitales no volvieron a repetirse, y en el ambiente se hablaba de una baja estimada en un 20-30%.^[277]​ Grinbank reflexionaba que tal vez fue un error depositar a fines de 1993 una gran concentración de megaestrellas internacionales comoMichael Jackson,Madonna yGuns N' Roses, y declaraba que"la industria había llegado a su dimensión real".^[277]​ Para sortear la baja, empezó a realizar recitales con duplas de artistas internacionales:Ramones-Motörhead,Kiss-Black Sabbath,Sting-James Taylor, etc. Los artistas nacionales continuaron aprovechando estas visitas para ser teloneros.^[277]​

Las siguientes tendencias reflejaron el poco poder adquisitivo del público, por ejemplo, en el verano de 1996 hubo poca actividad de recitales en la costa argentina debido a ese factor.^[278]​ Varios años más tarde, Grinbank se refirió a estos problemas:

Cuando me dicen "para vosla época del 1 a 1 fue fantástica" digo que no, porque podía comprar baratos los artistas, pero la gente no tenía plata para pagarlos y, además, no era muy buena la situación que se vivía.

Daniel Grinbank, La Nación, 31 de enero de 2016.^[279]​

En 1996 tuvo lugar enEstados Unidos un acontecimiento que tendría grandes consecuencias a largo plazo en la industria musical global, cambiando la evolución de la música estadounidense y, por tanto, de todo el mundo: se aprobó laTelecommunications Act, una ley cuyo principal argumento era desregular el mercado de telecomunicaciones para que cualquier compañía pudiera comprar sin límites espacios mediáticos, y que entre otros resultados favoreció el avance de monopolios en la radiodifusión, llevó a una mayor homogeneización de sonidos y perjudicó la difusión de artistas nuevos o independientes.^[280]​

1999 fue el año del pico máximo histórico de ventas de la industria discográfica global, con un récord deU$28.900.000.000 generados, en gran medida gracias al formato delCD, que también llegó ese año a su apogeo.^[281]​

No obstante, el 1 de junio de ese mismo 1999 se fundóNapster, compañía dedicada a descargas en línea de música. A partir de ese momento, en los años siguientes se produciría una caída sin interrupciones en las ventas de formatos físicos, y un aumento sostenido en las descargas digitales.^[282]​ Aunque también hubo voces que argumentaron que tradicionalmente solo un 20% del público compraba música, y con la llegada de las vías digitales apareció en escena el otro 80%.^[281]​

Lacrisis económica argentina de 2001-02 provocó que se repitiera un patrón que ya se había visto en lahiperinflación argentina de 1989-90, con bandas y artistas argentinos que se fueron a tocar en giras por el exterior para buscar los tan necesitadosdólares, aunque esta vez no fueron únicamente los artistas consagrados sino también otros en ascenso y con popularidad menor.^[283]​

La mejora económica se sintió en la reanudación de las visitas internacionales, la primera en llegar tras la larga crisis fueIron Maiden, que tocó el 11 de enero de 2004 enVélez conHorcas yO'Connor de teloneros.^[284]​

El gran éxito del megafestivalTres Días por la Democracia de 1988 (juntó 150 mil personas) había sugerido la idea que en la escena argentina se establecerían los megafestivales; sin embargo, lahiperinflación hizo que la idea quedara en pausa y que el gobierno no hiciera un megafestival en 1989.

No obstante, ya para diciembre de 1990 la situación económica se había recompuesto lo suficiente como para que se reflotara la idea de los megafestivales, y el 14 de diciembre de 1990 se realizó el festivalMi Buenos Aires Rock en laavenida 9 de Julio, con 100.000 personas y teniendo entre sus números aLa Portuaria,Fabiana Cantilo,Luis Alberto Spinetta yCharly García.^[285]​

La experiencia de dicho megafestival tendría continuidad en los siguientes años, por lo que en los años '90 el rock argentino mostraría una tendencia de un aumento exponencial de su poder de convocatoria con respecto al nivel que tenía en la anterior década. Del panorama de los años '80, donde los recitales eran mayoritariamente en teatros y estadios chicos, con muy pocos episodios de recitales masivos, en los '90 pasó a ser usual que se realizaran recitales masivos: el festivalMi Buenos Aires Querido II en la avenida 9 de Julio en 1991 (250.000), el festivalRock de Corazones Solidarios en el mismo lugar en 1992 (100.000), los dosRiver de la reunión deSerú Girán en 1992 (120.000). Además, a partir de 1992 se le sumaría otro espacio masivo al rock argentino: ese año comenzó la costumbre de incluir recitales en el tradicional festival anual de aniversario deLa Plata, realizado típicamente en noviembre en laPlaza Moreno.^[286]​^[287]​^[288]​ La primera edición de 1992 tuvo como números centrales aHoracio Fontova,Luis Alberto Spinetta yFito Páez.

Por otro lado, el 30 de noviembre de 1991, en otra fecha del festivalMi Buenos Aires Querido II, se realizó en la avenida 9 de Julio un recital detango. En una sección, artistas del rock argentino se sumaron y cantaron tangos emblemáticos; participaron los roqueros:JAF,Celeste Carballo,Horacio Fontova,Fabiana Cantilo,Roque Narvaja,María Rosa Yorio,Moris,Litto Nebbia,Silvina Garré,Alejandro Lerner,Patricia Sosa yJuan Carlos Baglietto. Este recital de tango tuvo una asistencia de 40.000 personas.^[289]​^[290]​

El 3 de marzo de 1999 se estaba realizando el festivalBuenos Aires Vivo III enCostanera Sur, cuando en los shows deCaballeros de La Quema yDivididos sucedieron hechos lamentables: dos fanes de 21 años llamados Raúl Lumille y Diego Aguilera murieron electrocutados al tocar un alambrado que se había electrificado con cables sueltos, además hubo un apagón que fue aprovechado por hordas de delincuentes para robar al público y acuchillarlos, en total hubo 25 heridos. Estos hechos provocaron que fueran canceladas las últimas dos fechas del festival, que iban a contar con mensajes deAmnesty International por los 50 años de los derechos humanos y artistas a tono (León Gieco yMercedes Sosa). Pero fundamentalmente, sembraron serias dudas de cara al futuro acerca de que el gobierno volviera a hacer recitales masivos de rock.^[291]​

Sin embargo, el gobierno quería continuar realizando recitales de rock, así que tras los incidentes replanificó todo el formato para el año siguiente: en 2000 se realizó elFestival Argentina en Vivo, ahora ya no solo en capital sino con conciertos a lo largo y ancho del país, y exclusivamente en recintos cerrados (más fáciles de vigilar que los espacios abiertos de la anterior vez). Ahí sí se pudo hacer la fecha especial de Amnesty que había sido planeada originalmente para el año anterior.^[292]​ El Argentina en Vivo 2000 fue un éxito, y volvería a tener una edición al año siguiente, pero fundamentalmente fue importante para volver a convencer a empresarios y organizadores de que era posible hacer festivales en las provincias (una idea que había quedado descartada tras el trauma de los incidentes enLa Falda Rock '87), y que en 2001 desembocaría en el nacimiento delCosquín Rock.

El 4 de abril de 2000 el rock argentino conquistó un récord: por primera vez en la historia mundial se hizo un recital derock enAntártida, con la presentación deLeón Gieco en laBase Marambio como parte del itinerante Argentina en Vivo.^[293]​

En octubre de 2003 un nuevo festival apareció en la escena del rock argentino: elQuilmes Rock. La principal premisa del Quilmes era convertirse en el primer festival argentino que alojara distintas temáticas, a la manera de los más importantes festivales anglosajones, por eso ya en su primera edición los artistas fueron ubicados en fechas según su estilo (por ejemplo, el 10 de octubre fue un díapop conGustavo Cerati yEmmanuel Horvilleur, y el 11 de octubre fue un día derock barrial conRatones Paranoicos yLa Mancha de Rolando).^[294]​

En los años '90 habrían cambios sustanciales en la escena de radios argentinas, con el inicio de emisión de radios como la FM Hit, Metro 95.1, NRG 101, y FM Panda.

El 24 de abril de 2000 se produjo un hito en la radiodifusión del rock argentino: comenzó a emitir laMega 98.3, radio FM que ya desde sueslogan (puro rock nacional) dejaba en claro su contenido: 100% de música de artistas del rock argentino. Si bien ya había habido casos de radios argentinas que pasaran solo rock argentino (Red TL en 1989 yFM La Boca en 1993), era la primera vez que sucedía con un megaemprendimiento de la capital. Apenas empezada la radio conquistó un récord: en menos de 30 días ya se había convertido en la radio más escuchada, con un 15,03% del porcentaje de audiencia. Sin embargo, sus organizadores tenían claro desde antes que sería un éxito: un estudio preliminar de mercado había arrojado que gran parte del público argentino quería una radio que pasara solo rock nacional, y que incluyera a artistas que habían quedado casi olvidados en las radios argentinas, comoSandra Mihanovich,Miguel Mateos yJuan Carlos Baglietto.^[295]​^[296]​

El 1 de abril de 2004 comenzó a emitirFM Kabul, un nuevo proyecto deDaniel Grinbank ideado para difundir bandas emergentes e independientes. Con un enfoque opuesto, el mismo día comenzó a emitirPop Radio 101.5.

En junio de 1996 surgió un obstáculo para la escena: el gobernador de laprovincia de Buenos Aires,Eduardo Duhalde, promulgó una ley que restringía las actividades de las discotecas de la provincia, por ejemplo, establecía las 04:00 de la madrugada como horario máximo de actividad.^[297]​ La ley había surgido como respuesta a episodios recurrentes de violencia en las discotecas, y al avance de las drogas en Argentina. Pero por otro lado, esta medida suponía un golpe a la actividad de las bandas en la provincia, y especialmente en el conurbano (uno de los circuitos de rock más importantes en el país). Como consecuencia, hubo artistas que compusieron canciones criticando la medida, comoKapanga con «El mono relojero» yBersuit Vergarabat con «Se viene el estallido». No obstante, en la práctica la medida fue bastante inefectiva: al ser tan impopular, casi nadie hizo esfuerzos por hacerla valer.^[298]​ Otro flanco débil para ejercerla fue la falta de coordinación con la capital, donde simplemente no atendieron la ley.^[298]​ Los empresarios estuvieron entre quienes más sufrieron la medida, y 100 discotecas quebraron,^[298]​ por lo que libraron batallas legales para conseguir recursos de amparo y contrarrestar una ley que, en su entender, era contraria al espíritu de libertad de negocio.^[298]​ A causa de la medida, Duhalde perdió el apoyo del sector de votantes más jóvenes, algo que lo perjudicó en las elecciones de 1999.^[298]​ Con el cambio de gobierno tras estas elecciones, el nuevo gobernador provincial,Carlos Ruckauf, derogó la ley a principios de 2000, estableciéndose que cada municipio arreglaría su actividad de discotecas.^[299]​^[298]​

Los Redonditos serían particularmente perjudicados por la violencia recurrente en sus recitales. Comenzó el 19 de abril de 1991 con el recital enObras que desembocó en 73 detenidos, uno de los cuales murió por heridas de golpes en la comisaría, iniciando un largo juicio (el casoBulacio). Los dos de diciembre de 1994 enHuracán dejaron 28 heridos y 60 detenidos. El del 23 de mayo de 1998 enVilla María (Córdoba) dejó 1 muerto, 30 heridos, 20 detenidos y un móvil deCrónica TV destruido. Los de junio de 1999 en elPatinódromo de Mar del Plata dejaron 1 muerto, 100 heridos, 500 detenidos, 3 autos incendiados y numerosos comercios saqueados y destrozados. Los de abril de 2000 enRiver dejaron 1 muerto, 150 heridos y 39 detenidos. Finalmente, su último recital, el 4 de agosto de 2001 en elChateau Carreras, dejó 1 muerto y 2 heridos.^[300]​

A partir de la muerte deBulacio el 26 de abril de 1991 y del juicio que le siguió, se terminó la práctica, común desde hacía décadas, de que la policía estuviera emplazada en los recitales con órdenes de llevarse una cuota de detenidos para las comisarías, en grandes operativos que incluían autobuses vacíos para llenarlos de detenidos.^[301]​ Por otro lado, se dio la casualidad que también terminó ese año otra modalidad policial común desde hacía décadas: la de secuestros, tras la caída de la banda de comisarios que el 24 de agosto secuestró aMauricio Macri. En suma, en 1991 el rock argentino se deshizo del último vestigio de represión que quedaba de la época dictatorial, el de la represión y acoso policial. En los años siguientes, los recitales argentinos se hicieron en un clima de mayor libertad y holgura, y con la policía ya no emplazada para hacer detenciones arbitrarias, sino simplemente como seguridad de eventos con gran concentración de gente.^[301]​ Aunque también la menor actividad policial en el rock llevó a que se volviera común que, ante el surgimiento de algún incidente, la policía tardara en llegar y restablecer la seguridad (algo que se evidenció en 1996 en los incidentes deFlorida yLavalle, causados por una promoción de entradas para losRamones).^[301]​

El 1 de diciembre de 1992 se tenía planeado hacer el festival por el Día Mundial de la Lucha Contra el sida en laavenida 9 de Julio, anunciando que tocaríanFito Páez,Charly García ySoda Stereo. Cuando ya estaban reunidas 45 mil personas, se anunció que finalmente no tocarían esos artistas, lo que provocó que la multitud se enfureciera y hubieran saqueos de negocios y 200 heridos.^[302]​

El 18 de febrero de 1994Hermética estaba tocando en la discotecaMorón 90 cuando una descarga eléctrica mató a un fan de 16 años llamado José Luis Damián. Sin embargo, a continuación sucedió algo inédito, que no había sucedido en los casos anteriores de muertes en recitales de la escena (y que tampoco sucedería en los casos futuros): la banda decidió, a modo de disculpa con la familia de Damián, pagar el entierro y realizar un recital en la discoteca Stadium destinando todo lo recaudado hacia la familia.^[303]​ No obstante, la familia igual hizo juicio a la banda, y allí los miembros argumentaron que eran empleados del bajista y letristaRicardo Iorio así que quedaban libres de culpa. Iorio sería el único penado por este juicio, ya que le embargarían su cuenta deSADAIC (algo que recién se levantaría en 2012). Como consecuencia de este evento, los miembros quedaron seriamente enfrentados y Hermética entró en su recta final. La banda pasaba por su mejor momento y el 12 de noviembre tuvieron su primerObras propio, pero igual se separó el 18 de diciembre de ese mismo año en la discoteca Go! deMar del Plata.^[304]​

También habría muertes con las visitas internacionales. El 4 de diciembre de 1992, un día antes del recital deGuns N' Roses, una fan de 16 años llamada Cynthia Tallarico se suicidó de un disparo a raíz de que su padre le prohibió ir al recital, el padre también se mató al ver el cuerpo de su hija.^[302]​ El 3 de septiembre de 1994 en el recital deKiss murieron los fanes Edgardo Pereyra (23 años) y Carlos Clavero (25 años), ambos por caídas desde gran altura; la banda se enteró y estuvo a punto de no tocar, pero finalmente los convencieron de cumplir sus compromisos.^[303]​ El 14 de octubre de ese mismo año, en las filas de la boletería para el recital de losRolling Stones en febrero del año siguiente, un fan de 22 años llamado Fabián Maldonado fue asesinado de un corte en el cuello con una botella rota; el caso se resolvió con la condena del agresor, Raúl Zarza, a 9 años de prisión.^[303]​^[305]​

Sin muertes, pero igualmente con incidentes fueron las visitas deThe Exploited (20 de marzo de 1993, hubo una batalla campal entrepunks yskinheads),Poison (agosto de 1993, se presentaron en el programa de televisiónRitmo de la noche y destrozaron el estudio) yRamones (marzo de 1996, una promoción de canje de entradas por tapas de gaseosa termina siendo un desastre y provoca saqueos y destrozos en pleno microcentro porteño).^[306]​

El 8 de mayo de 2004 en la visita deMotörhead al boliche Hangar sucedió algo ominosamente profetizador: una horda de violentos ingresó golpeando a lospatovicas y luego, ya en el recital, uno prendió unabengala, lo que quitó el oxígeno dentro del boliche y provocó que los miembros de la banda empezaran a sentirse mal y decidieran dar por terminado el recital tras solo 50 minutos. Esto encendió la ira del público, que destrozó el boliche y los equipos de la banda.^[307]​

Distintas circunstancias hicieron que al principio de los años 1990 la rica escena under de los 80 quedara totalmente transformada. La crisis económica y la hiperinflación hicieron caer sellos discográficos, lugares de reunión y se produjo la desaparición de la mayoría de las bandas más relevantes. Por otro lado, algunas de las bandas que no desaparecieron, lograron una inesperada masividad, saliendo del circuito underground. El caso más emblemático fue el dePatricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Desde su llegada a Obras en 1989 quedó en claro que la etapa de pequeños shows caóticos en lugares pequeños quedaba definitvamente clausurada. Comenzaba la etapa de las "misas ricoteras", los grandes shows en estadios para un público cada vez más numeroso.

Algo similar sucedió con los dos grupos nacidos tras la muerte deLuca Prodan y la consiguiente disolución deSumo. TantoDivididos comoLas Pelotas iniciaron sus respectivas carreras como una continuación lógica deSumo, algo muy notable en el sonido del primer disco deDivididos,40 dibujos ahí en el piso (1989). Pero ya desde el segundo álbum,Acariciando lo áspero (1991), giran hacia un sonido de rock más duro basado principalmente en el trabajo de guitarra deRicardo Mollo. Con esta nueva fórmula ya en 1992 realizaron varios recitales en elEstadio Obras Sanitarias, convirtiéndose en una de las pocas bandas de rock que podía competir con los Redonditos en cuanto a convocatoria y al fanatismo demostrado por sus más jóvenes seguidores.Las Pelotas nunca llegó a ese nivel de popularidad. pero ya desde 1994, con motivo de la presentación de su segundo disco,Máscaras de Sal, comienzan a tocar en Obras y a realizar conciertos masivos.

Todos Tus Muertos, la banda que representaba las tendencias más under del punk y el dark en los 80, luego de su debut discográfico de 1988, prolonga su carrera con el magistralNena de Hiroshima (1991), un disco que sigue manteniendo ese perfil sombrío de su predecesor, pero despegándose de los sonidos punk y hardcore para profundizar en su vertiente más oscura, como se aprecia en "Terror al cambio", "Fallas" o "El espejo". También hay un cover deThe Doors, "Break on Through (To the Other Side)", en una versión en castellano. Posteriormente, a partir de su tercer disco,Dale Aborigen (1994), dejarían atrás el estilo para pasarse al crossover entre estilos como elreggae,raggamufin,hip-hop,hardcore y otros ritmos.

Paralelamente a la carrera deTodos Tus Muertos, y ya desde 1989,Horacio Villafañe integrabaLos 7 Delfines, banda formada porRichard Coleman tras la disolución deFricción. Aunque todavía no tenían un disco en la calle, los Delfines fueron galardonados como la Banda Revelación en el año 1990, por el Sí deClarín. Habían tenido una gran recepción en los recitales organizados por laMunicipalidad de Buenos Aires, al aire libre en la9 de Julio. Allí se presentaron junto aCharly García,Luis Alberto Spinetta yFabiana Cantilo.

En junio de 1992, la banda editó su primer trabajo discográfico, tituladoL7D; del cual se destacan canciones como «Dale salida», «Es tan celosa» y «Post Crucifixión», versión de una canción dePescado Rabioso. Este material fue grabado en los estudios deSoda Stereo y contó con la producción artística deGustavo Cerati. Su sonido potente y muy cuidado los acercaba a la escena del llamado "rock sónico".

De las cenizas de la otra gran banda del under,Don Cornelio y la Zona, nacieronLos Visitantes. Era el proyecto del líder y principal compositor deDon Cornelio,Palo Pandolfo e incluía a otros dos exintegrantes: Federico Gahzarossián y Daniel Gorostegui Delhom. La línea de continuidad conDon Cornelio estaba marcada por el propio nombre de la banda, que hacía referencia a la última canción del último disco de la vieja banda,Soy el visitante. A diferencia de su agrupación anterior, Pandolfo agrega nuevos sonidos a este proyecto, en donde el rock, el pop, el tango, el folklore y candombe, son algunas de las nuevas influencias en cada disco grabado de esta alineación.

El circuito under no cambió demasiado. Cerraron algunos sitios históricos y abrieron otros que harían historia. ElParakultural cerró sus puertas el 17 de julio de 1990, con una fiesta despedida que incluía la actuación deAmor Indio,^[308]​una banda que desde el año anterior estaba intentando introducir en el under porteño canciones bailables con sonidos beat y psicodélicos y que terminaría generando una efímera nueva escena que terminaría confluyendo un par de años después en la más amplia y variada escena "sónica". Ya a fines de 1991 (el 4 de octubre o antes) se abre un nuevo "Parakultural New Border" en la calle Chacabuco al 1000. Aquí se suman nuevos artistas, comoAlfredo Casero,Carlos Belloso,Diego Capusotto,Mex Urtizberea,Marcelo Mazzarello,Mariana Briski yValeria Bertuccelli. Sergio Aisenstein, uno de los exdueños del Café Einstein inaugura en 1989 Nave Jungla, un lugar de mayores dimensiones. En el mismo año el artista plásticoSergio De Loof abre Bolivia, el primero de sus muchos clubes en el que intentó crear una atmósfera distintiva y basada en materiales baratos y el encanto del kitsch que se complementaba con la "cocina pobre" (se servía polenta y guisos con vino servido directamente de damajuana). Según lo dijo De Loof en una entrevista:"En el baño del Parakultural vi a un punk vomitar vino de cartón y dije basta, voy a dar de comer y tomar al menos vino de damajuana".^[309]​ En una de las paredes del bar, un grafiti sintetizaba la directriz estética:Haute trash (algo así como "Alta basura"). Fue el inicio de la "estética trash" que triunfaría en los años 90 dentro del rock nacional a través del éxito deBabasónicos, una banda formada por habitués de Bolivia que tomaron mucho de esa influencia.

Después de Bolivia,De Loof continuó el estilo que el llamó "trash rococó" en otros tres clubes diseñados por él: El Dorado, Morocco y finalmente Ave Porco.

Cemento, el espacio deOmar Chabán, seguía siendo la meca del under, el lugar donde tocaban las bandas más convocantes justo antes de pasar a los recitales masivos. Además, desde 1992, el mismoChabán ideó un paso previo: "Die Schule", en la zona de Congreso, era un lugar similar aCemento, pero más pequeño. La capacidad y los costos eran más reducidos, lo que lo convertía en el lugar ideal para las bandas que daban sus primeros pasos antes de acceder a Cemento. El primer número de la revista "El Cazador" (de octubre de 1992), lo describía como"Un brote expansido de Omar Chaban en la zona de Congreso. El espacio es bien grande, reproduce el clima oscuro y berlinesco de Cemento aunque con mejores espacios y comodidades. Hay dos o tres ambitos distintos, podes estar en el recital o podes quedarte en la barra o en los extraños reservados con ventanas y paredes falsas, hay escaleras, barra grande y mucho personaje raro dando vuelta. Hay teatro, rock and roll y menos aglomeraciones que Cemento".^[310]​Fue un punto clave para las escenas punk y hardcore, para la movida sónica y también tocaron bandas señeras del rock barrial comoLa Renga yLos Piojos.

En diciembre de 1989, Javier Grosman inauguró el Centro Cultural Babilonia en el barrio delAbasto. Siguió la línea delParakultural en la mixtura de teatro y rock, y de hecho, al coincidir sus inicios con el cierre delParakultural, varios de los nombres más emblemáticos de éste, comoBatato Barea yDaniel Veronese, se hicieron asiduos al Babilonia, donde incluso terminaría presentando sus más importantes produccionesEduardo Pavlovsky, quien ya en ese momento era considerado un nombre mayor en elteatro argentino. Estéticamente, en cambio, el lugar mantenía su apariencia de depósito, con paredes grises y piso de cemento, contratando con la estética de glam contracultural de lugares como Eldorado, Bolivia o Morocco.^[311]​Este cambio de actitud estética también se reflejaba en la música ya que, pese a la variedad de propuestas, el lugar tenía un criterio mucho menos rupturista. Desde la cabina del DJ lo que sonaba por lo general era rock nacional más mainstream, y la misma noche de inauguración puede considerarse un cambio de ciclo ya que, esa misma noche y en ese escenario, se vio el último show deDon Cornelio y la Zona, que inmediatamente después de eso se disolvería.^[312]​A partir de entonces, entre los espectáculos en vivo de Babilonia sobresaldrían bandas de blues, comoMemphis oLa Mississipi, y bandas emergentes que buscaban un sonido de rock más directo y con un efecto directo sobre el público. Entre ellas, estaban dando sus primeros pasos varias de las que, en años posteriores, darían nacimiento a la corriente delRock "barrial", entre ellasLa Renga yLos Piojos, que inmortalizó el local en su canciónBabilonia, cuyo sonido ejemplifica bien la nueva estética que estaba surgiendo.

A fines de 1990, en el número 33 de la revistaCerdos & Peces se publicó un Top 40 de bandas under evaluando"frecuencia de actuaciones, innovaciones temáticas o musicales, calidad de sonido, movida que provocan con la gente, "calidad musical", huevos o pelotas o como concha se llame la fuerza de la propuesta". Se trata de una lista completamente arbitraria y no se sabe quién la confeccionó. No obstante ello, por tratarse de un medio de prensa que retrató con fidelidad la escena under durante muchos años, bien se le puede conceder un valor testimonial a la opinión allí vertida. Lo que se ve en la lista es una escena en transición, agrupando a las pocas bandas que quedaban en actividad del under de los 80 (Attaque 77,Massacre Palestina,Duna,Perdón Amadeus,Sentimiento Incontrolable,Diana Nylon), junto a bandas recién surgidas de esa misma escena (Los 7 Delfines yLos Visitantes) y bandas nuevas que aún no habían editado material (Los Piojos -ocupando el n.º 1 del ranking-,Los Caballeros de la Quema -banda de la que también se reproducían las letras de dos canciones inéditas-,Juana La Loca -que poco después editaría su caseteAutoejecución, en lo que sería el canto del cisne del sello indie "Catálogo Incierto", yAmor Indio, que pese a ser una de las bandas de culto del momento se disolverían sin llegar a editar).^[313]​ Puede considerarse una postal de una escena que comenzaba a virar hacia los estilos típicos de los años 90. La importancia dada aLos Piojos como a las letras sucio-realistas deLos Caballeros de la Quema, al igual que la alusión a los «huevos» o «potencia» de los grupos, pueden ser vistos como señales embrionarias de la sensibilidad que poco después animaría al rock barrial.

Durante la primera mitad de los años 1990 surgen en la escena del rock nacional una nueva generación de bandas que intentaban, de distintas formas y en distintas proporciones, incorporar a su música los estilos musicales que se encontraban en boga en ese momento en el Hemisferio Norte (shoegaze,britpop,dream pop, distintos tipos deelectrónica,ambient,trip hop, etc.).

El origen de esta corriente puede rastrearse ya desde el mismo 1990, cuandoSoda Stereo se instaló en el estudio junto a su amigoDaniel Melero, ahora en el rol de productor, para grabar su quinto LP,Canción animal. Este álbum provocó un gran impacto en el rock nacional y latino, siendo considerado como el segundo mejor álbum de la historia del rock iberoamericano alternativo, según el ranking realizado en 2006 por J.L. Mercado y publicado por la revista norteamericanaAl Borde^[34]​ y el noveno según la revistaRolling Stone.^[314]​ La canción más destacada del álbum, «De música ligera», ha sido considerada como la cuarta mejor canción del rock latino en la clasificación deSatélite Musical,^[315]​ mientras que en Argentina es considerado también como la cuarta mejor por el sitioRock.com.ar.^[316]​

Canción animal confirmó que estaba bien que el rock argentino volviera a una actitud más potente, siendo las guitarras eléctricas las estrellas enriffs ysolos. Para hacerCanción animal, la banda se inspiró en el sonido guitarrero de bandas alternativas americanas que se adelantaban a la explosióngrunge del año siguiente (comoScreaming Trees yPixies), pero también en el sonido de las bandas de rock argentinas de los años setenta que habían escuchado durante su adolescencia, comoPescado Rabioso,Vox Dei,Color Humano yAquelarre. “Suena comoLed Zeppelin yPescado Rabioso”, le describía el discoDaniel Melero a la revista Pelo.^[317]​Todo eso mientrasLos 7 Delfines sacudían la escena con su arrolladora vesión de "Post Crucifixión" dePescado Rabioso (incluso la tocaron en el concierto de presentación deCanción Animal en el que fueron teloneros). Este cambio de sonido en Soda pronto influiría en la evolución que tomaría el rock en todo el continente. De ese álbum, el sencillo «De música ligera» se convirtió en un clásico del rock nacional, pero casi todas las canciones de este disco fueron lanzadas como sencillos, por lo que incluye varias de las más conocidas de la banda, como «(En) El séptimo día», «Cae el sol», «Un millón de años luz», «Entre caníbales», «Sueles dejarme solo», «Té para 3», «Hombre al agua» y la epónima «Canción animal».

En 1990 comenzaron a presentarlo con laGira Animal, por todo el continente americano, que finalizó el 14 de diciembre de 1991 con un recital gratuito en laavenida 9 de Julio deBuenos Aires. Soda Stereo sorprendió, y se vio sorprendido, reuniendo a 250.000 personas (hay quienes dicen 400.000) para escuchar a la banda en el marco del ciclo de recitales gratuitos realizados por laMunicipalidad de Buenos Aires llamados Mi Buenos Aires Querido II, que además fue televisado en directo. Se trata de la mayor reunión de personas de la historia argentina para escuchar música, relegando al segundo lugar aLuciano Pavarotti que reunió a 200.000 personas ese año en ese mismo lugar. Este álbum significó para la banda el acceso alpúblico español, que se plasmaría en mayo de 1992 con presentaciones en las ciudades deMadrid,Oviedo,Sevilla,Valencia yBarcelona.

LaGira Animal fue la más extensa que una banda iberoamericana hubiera realizado hasta entonces, tanto en recorrido como en tiempo de viaje.

A partir de entonces y de ese éxito, la banda apuesta por continuar ese proceso de asimilación de nuevas influencias y en 1992 lo lleva al extremo conDynamo, un disco que trae a la Argentina los sonidos delshoegaze y otros géneros que por entonces eran considerados la vanguardia dentro del rock anglosajón. No sólo fue un disco disruptivo por su sonido sino que la banda lo presentó con cuatro recitales realizados en el Estadio Obras a fines de ese mismo año. Cada show contó con una banda nueva como invitados y así estuvieron de soporteBabasónicos,Juana La Loca,Martes Menta yTía Newton. Fue el bautismo de fuego de la «movida sónica», que también integrabanLos Brujos yPeligrosos Gorriones. A mediados de 1993, todos esos grupos viajaron a Córdoba, junto a dos históricos del underground de los 80, comoTodos Tus Muertos yLos Visitantes para participar del Festival “Nuevo Rock Argentino”, organizado por el empresarioHéctor Emaides.

Daniel Melero, el exlíder de los disueltosLos Encargados, fue considerado el gran inspirador de toda esta escena. Además de producir los discos más "sónicos" de Soda Stereo, acompañó la edición de "Dynamo" con "Colores Santos", disco acreditado a dúo junto aGustavo Cerati. Ese disco introdujo a la Argentina los sonidos delambient house y la psicodelia electrónica que por entonces eran vanguardia en Europa. Su impacto fue tan potente que el crítico de música Ivan Adaime deAllmusic dijo que"de alguna manera este disco fue como un ovni en la escena del rock argentino a principios de los años 90". Fue a partir del influjo deColores Santos, que varios de los discos más representativos del rock sónico incorporan largos pasajes de experimentación electrónica, ya sea complementando las canciones creadas con base en instrumentación típica del rock (como es el caso deSueño Stereo deSoda Stereo;Amor Amarillo, el debut solista deGustavo Cerati oMiss Universo, el debut solista deCarca tras la disolución deTía Newton), o como su elemento principal (enBistró Málaga, disco debut deEstupendo, oVeladabristolcasino, de los marplatensesAltocamet).

Melero colaboró también con varias bandas de la movida, produciendo los mejores álbumes deLos Brujos (Fin de Semana Salvaje ySan Cipriano) yJuana La Loca (Electronauta, la Biblia delshoegaze argentino) y actuando como invitado en discos y conciertos deBabasónicos yCarca. Dos aportes de Melero, en particular, permiten apreciar su rol como creador consciente de esta movida. En 1992 fue su intervención directa lo que le consiguió el primer contrato de grabación, y nada menos que conSony Music (a través de su subsidiaria Epic), a la banda que terminaría siendo la de mayor relevancia de la camada sónica,Babasónicos. Lo notable es que al momento de obtener el contrato la banda no había tocado ni una vez en vivo. Melero lo comprometió aGustavo Cerati para que fuera su productor y, al mismo tiempo, los presentó a la compañía con dos evidencias de que se trataba de una propuesta que venía a romper con todo lo anterior: una sesión de fotos de prensa (con la banda mostrando su peculiar estética "trash", con ropa antigua comprada en ferias americanas) y una gacetilla escrita porPablo Schanton, en la que hacían declaraciones como:“Crecimos en el proceso y no nos dimos cuenta. Nosotros éramos los chicos que esperaban ver crecer a sus Sea Monkeys (...) Hasta hace poco se sufría horrores por cualquier cosa. En los 70 fue la revolución; en los 80, lo dark y la transgresión. Nosotros somos de los 90, somos optimistas. Somos buenos, queremos a nuestros padres. Ya no nos quejamos: total, hoy todo da lo mismo. Mataron las ideologías; y lo del sida, por ejemplo, no es tan terrible. Tomá las precauciones necesarias. Tratá de no morir”.^[318]​ Recién después de grabar el disco,Babasónicos empezó a presentarse en vivo. Hicieron cuatro shows con poco público. El quinto fue la presentación en Obras como teloneros deSoda Stereo el 19 de diciembre de 1992 y, ese mismo día, salió a la ventaPasto, el disco debut, conteniendo como tema de difusión un claro himno generacional: "D-Generación":“Porque a mi generación/ no le importa tu opinión/ Porque a mi generación/ algo le pasa/ Porque mi generación/ hoy se caga en tu opinión”.

El otro paso fundamental de Melero fue la edición, en 1993 del disco ambient "Recolección vacía", que incluyó un booklet donde se registran meses de conversación entre Melero y el crítico de rock Pablo Schanton.^[319]​Ese booklet incluye reflexiones sobre la música y el arte y puede ser tomado como un manifiesto estético del movimiento sónico de los años 90.

En el año 1994 lanza el disco "Travesti" por Random Records, con la participación de los integrantes deBabasónicos, trabajo basado en canciones acústicas, con influencias de cantautores piscodélicos comoKevin Ayers yNick Drake, pero con el sonido aggiornado a los años 90. Esta etapa "clásica" de los discos de Melero culmina en 1996 con el lanzamiento de "Rocío", donde confluyen eleasy listening y labossa nova. Este disco fue lanzado de manera independiente y se vendieron cinco mil copias.

La movida sónica entretanto se expandió, especialmente en Capital Federal, con el apoyo de medios y periodistas especializados comoPablo Schanton y la Revista “Ruido”. Fue a través de las ediciones en casete de “Ruido” que se fueron sumando a la movida propuestas más elaboradas y rompedoras en estilo, comoSuárez yResonantes.

Otras bandas delmovimiento 'alternativo' eranPerdón Amadeus (en su nueva versión),Massacre (tras el cambio estilístico y de nombre operado a principios de los '90),Los 7 Delfines,Carca (su proyecto solista tras la disolusión deTía Newton),Copiloto Pilato,Iguana Lovers,Pirata Industrial, Exhibición Atroz,Avant Press,Estupendo,El Otro Yo,Demonios de Tasmania,Giradioses, La Nueva Flor (y su continuadoras Victoria Abril y Victoria Mil),Altocamet,Jaime Sin Tierra ySantos Inocentes, entre muchos otros.

En el año 1995 apareció el último material de estudio deSoda Stereo: el tranquilo y casichilloutSueño Stereo, un álbum por momentos mucho máselectrónico que roquero, lo que sería un preludio de los primeros tiempos deCerati como solista.Soda Stereo hizo su última gran gira internacional a través de los Estados Unidos y Latinoamérica, agotando las entradas en dondequiera que se presentara.^[320]​Su último concierto en Buenos Aires, fue el 20 de septiembre de 1997, donde llenaron el estadio de River Plate, al que concurrieron aproximadamente 80 000 personas, y fue lanzado luego como un álbum endirecto doble. La banda se despidió de su público tocando su famosa canción «De música ligera», con sus últimas líneas: «Nada más queda...» repitiéndose una y otra vez y con Cerati diciendo a todo su público una frase que se convirtió en legendaria: «¡Gracias... totales!»

La breve estabilidad económica de comienzos de la década le dio a un sector de la población una mayor posibilidad real de acceder a discos y tecnologías importadas, propiciando toda una nueva camada de bandas de rock que buscaban sus influencias más allá de la tradición hasta entonces vigente en el “rock nacional”. Pero, en contrapartida, existía otro sector que era expulsado de la clase media y, al caer bajo la línea de pobreza, y al caer también el nivel de la educación pública, terminaba -especialmente las generaciones más jóvenes- adoptando la cultura y las referencias de las clases excluidas.

La "era barrial" en el rock nacional argentino es la expresión de los jóvenes pertenecientes a esas nuevas clases empobrecidas, y deja al descubierto un cambio de tendencias musicales. Varias bandas que se van popularizando en la década de 1990 ya no se interesan por estar a la vanguardia para agradar a la prensa musical propia e hispanoamericana en general (como sucedía anteriormente con bandas comoSoda Stereo), sino que dan prioridad a la comunicación directa con un público mayoritariamente urbano y de clases baja y media baja, retomando y reconfigurando el legado de artistas que ya en décadas anteriores habían tenido un mayor impacto en las clases sociales menores (comoVox Dei,Pappo oPatricio Rey y sus Redonditos de Ricota), y sumando lírica con jerga y temáticas mas comunes en esos estrato.

Desde el punto de vista musical, se observa un aislacionismo con las corrientes y estilos internacionales.EE. UU. yReino Unido pasaban por elpost grunge, elbrit hop, elteen pop y elnu metal.Latinoamérica yEspaña pasaban por elpop rock y el pop latino. Nada de estos movimientosmainstream internacionales hace efecto en el rock nacional durante esta época, y si bien había buena cantidad de ofertas de propuestas (rolinga, punk, dark, metal,indie, tropical, alternativo) es nulo el contacto que se hace con las corrientes internacionales. Este hermetismo fue defendido por los representantes del rock barrial como una forma de "vuelta a las raíces", a un estilo que consideran más auténtico; mientras que sus detractores lo verían como un estancamiento.

Pablo Semán, investigador del Conicet, publicó en 2005 "Vida, apogeo y tormentos del rock chabón", el intento teórico más serio para explicar la génesis del fenómeno en términos sociales. En él se profundiza en el cambio social vivido por la Argentina en la década del '90: el crecimiento de la pobreza en el país, la decadencia institucional y moral que experimentó el país durante el apogeo de la globalización y el crecimiento y popularización de la violencia en elfútbol que venía registrándose ya desde mediados de los años '80. Para Semán, resulta claro que hasta ese momento el "rock nacional" era, predominantemente, un fenómeno de clase media. "De esa fracción proceden los "grandes nombres", dice y ejemplifica:"Litto Nebbia (Los Gatos), Charlie García (Sui Generis, La máquina de hacer pájaros, Serú Giran), Luis Alberto Spinetta (Almendra, Pescado Rabioso, Spinetta Jade), Gustavo Cerati (Soda Stereo), el “Indio Solari” (Patricio Rey y sus redonditos de ricota), Federico Moura (Virus) son algunas de las figuras-guías de la producción de rock en Argentina que pertenecen a diversas trayectorias típicas de las clases medias. Al mismo tiempo las clases medias han sido las que, históricamente, más público le aportaron a esos músicos y sus grupos desde los inicios del rock nacional hasta la actualidad. En los sectores populares, en la población de trabajadores manuales, y de empleos poco calificados como entre los desocupados la tradición roquera se hacía presente de forma infrecuente, formando ínsulas, sobre todo de oyentes de heavy metal, en un campo dominado por la música melódica, la cumbia, el chamamé y la "música folklórica en general""^[197]​. El "rock barrial" nacería no como género musical sino como respuesta a la difusión de la cultura rock en una población de clase media empobrecida material y culturalmente y cuyas formas de pensamiento estaban más cercanas a las clases populares que, hasta ese momento, eran ajenas al rock. Para consumar el acercamiento, las bandas de rock barrial rechazan de plano las influencias "modernas" del rock "sónico", concentrándose en un rock considerado más “puro” y al que le suman, también de distintas formas y en distintas proporciones, elementos de otras músicas populares (principalmentereggae,murga,candombe ytango; también algo decumbia ofolklore).

El primer síntoma de este cambio social se pone en evidencia en la notable transformación del público de la principal banda de culto del rock argentino:Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. “Patricio Rey y los Redonditos de Ricota” citaba cifradamente a los héroes del rock junto con los próceres delanarquismo. Su canción “Todo preso es político” afirmaba, en sintonía conBakunin, un grito desgarrado: “reos de la propiedad/todo preso es político” e interpelaba el anarquismo juvenil de las clases medias mientras ocasionaba revuelo en la cultura de izquierda que no se mostraba muy afín a la posibilidad de poner en un mismo plano a las víctimas de la dictadura que a los delincuentes comunes. Pero hacia fin de los años ochenta otro público comenzó a dominar entre el de “Patricio Rey”. Para este público esa canción era una reivindicación de la práctica de todo tipo de ilegalismos. En ese contexto varios observadores notaron que el público de “los redondos”, como los llamaban sus nuevos admiradores, fue recomponiéndose y mientras las jóvenes vanguardistas de clase media de la Capital Federal dejaban su lugar en recitales que se organizaban en los teatros del centro, ganaba espacio el público del gran Buenos Aires que comenzaba a llenar canchas de fútbol en las que cultivaban el fervor por su grupo preferido. El publico universitario mermaba y, en cambio, aumentaba el de los que habían tenido un pasaje propio o familiar por el mundo del delito y la penitenciaría".^[197]​Este cambio más que evidente acompañó la fuerte masificación de la banda que pasó de los recitales en teatros y espacios underground al Luna Park en 1989 y desde allí a los grandes estadios. Las "misas ricoteras" como se llamaba a estas enormes congregaciones, se caracterizaban por la presencia de banderas, cánticos futboleros y hasta un discurso en el público que no se condecía con la música de la banda. El público hacía gala de un culto purista hacia el "rocanrol" (esta palabra se usaba como un fetiche o como contraseña entre los nuevos seguidores), algo que nunca practicaron losRedonditos de Ricota. Por eso quizás fue este caldo de cultivo el que dio lugar al próximo fenómeno masivo del rock argentino: el deLa Renga, una banda que sí se anclaba en las formas más puras del rock and roll y abordaba temas más acordes al público de rock barrial.

Grupo nacido a fines de la década de 1980,La Renga había editado su primer álbum en 1991, de forma independiente y con escasa repercusión. Sin embargo, la misma dinámica de nacimiento de un público diferente para elrock de principios de los 90 es lo que llevó a su masificación. Como lo explica Semán,“Un ejemplo de lo que sucedía en ese contexto es el surgimiento, precedido por encuestas, de una radio de rock nacional dedicada a los segmentos populares. La empresa que la constituyó quiso averiguar cuál era la radio que faltaba en la población de bajos ingresos y conoció la demanda de una radio de rock en español que, según el público encuestado, debería basar su programación en un repertorio de 200 canciones que pocas personas de la clase media hubieran identificado con el rock o con lo mejor del rock. Ellas eran el acervo del rock que se venía escuchando en los sectores populares. Esa radio llegaría a ser la expresión de los jóvenes del gran Buenos Aires mientras la emisora que hasta ese entonces fue insignia del rock nacional (Rock and Pop) vería recortado su imperio, antes incuestionable, a los jóvenes de la Capital Federal y los núcleos urbanos del interior”.^[197]​Una de las canciones más representativas de ese nuevo sentir roquero fue, sin dudas, “Blues de Bolivia”, del primer disco deLa Renga, el que llegaba al público más joven por la fuerza de su estribillo que, quizás por primera vez, llamaba a las drogas por su nombre y se jactaba abiertamente de su consumo, al contrario de las complejas metáforas usadas por losRedonditos de Ricota y otras bandas históricas del rock nacional.

Para 1993, cuandoLa Renga edita su segundo disco,A donde me lleva la vida..., la demanda por el mismo es tan grande que supera ampliamente las posibilidades de distribución de la banda, viéndose obligados a contratar conPolyGram, un sello discográfico grande que fue el primero en apostar por esta nueva forma de expresión dentro del rock argentino.

De esta manera, el intenso cambio económico y social vivido en Argentina a principios de los 90 como consecuencia del Plan de Convertibilidad, la mayor estabilidad económica en décadas y la apertura al mundo en virtud de laGlobalización por entonces en boga, como también sus consecuencias secundarias en términos de desempleo, aumento de la marginalidad y familias de clase media descendiendo bajo la línea de pobreza, produjo transformaciones contradictorias en la producción y consumo de música popular. Por un lado, la mayor posibilidad real de acceder a discos y tecnologías importadas, propició toda una nueva camada de bandas de rock que buscaban sus influencias más allá de la tradición hasta entonces vigente en el “rock nacional”, dando lugar a la "movida sónica".

Pero paralelamente a esa movida, en los escenarios del Gran Buenos Aires y del interior, se vivía un proceso opuesto. Los nuevos recitales masivos deLos Redonditos de Ricota, como los deLa Renga, daban lugar a grandes concentraciones de un público de clases populares, identificado con banderas y cánticos futboleros y buscando vivir el recital más como una fiesta o como una manifestación de una “mística” del vivir en un barrio y ser de clase trabajadora. Como lo expresa Semán:"La actividad del público en el rock chabón es tanto o más importante que la que ofrecen las bandas. El protagonismo es dividido y desplazado por aparición de un nuevo actor en el espectáculo: los grupos de seguidores practican el “aguante” de la misma manera en que lo hacen las hinchadas de fútbol en relación con su equipo. Siguen a las bandas en sus viajes y en los festivales locales, presentando banderas, bengalas, vestimentas y coros en una contraescena que crea un piso mínimo de público y fervor para la actuación de la banda que está en el escenario".^[321]​

En 1994, cuandoLa Renga da su primer recital enObras, dejaron en el camarín un grafiti con la leyenda "El barrio llegó a Obras", demostrando que la misma banda veía ese día como el puntapié inicial de un nuevo movimiento, algo que hasta ese momento no existía en el rock argentino. Y de hecho, a partir de ese momento, las primeras bandas de rock barrial comenzarían una etapa de recitales en grandes estadios y con importantísima convocatoria. Fue en ese contexto que la crítica comenzó a hablar de la “futbolización del rock” y a catalogar aLa Renga como “rock barrial”, una nueva categoría que al principio abarcaba también a grupos que compartían escenario con las del “Nuevo Rock Argentino”, comoLos Piojos,Los Visitantes yCaballeros de la Quema. Fue este el núcleo inicial que desarrolló la tendencia de pensar el universo del rock en relación directa con la vida cotidiana en los barrios populares del Gran Buenos Aires o de los barrios de clase media baja de la Capital. No obstante, estando estas bandas enraizadas en el under de los 80, todas ellas tenían un desarrollo musical y lírico de una riqueza muy superior a las bandas que les seguirían, es decir a las bandas de rock barrial de segunda camada.

En 1994 se da el hecho que la prensa considera como hito fundacional del rock barrial: la publicación del discoValentín Alsina, de2 Minutos, que fue el primero en centrarse en la temática callejera (si bien anteriormente ya existían canciones referidas a los mismos temas, no había antecedentes de que un disco entero se centrara en ellos, aunque algunos de otras bandas de punk porteño, comoSin Ley,Attaque 77,Comando Suicida yFlema se acercaban mucho a ello), sumado a la jerga juvenil y callejera utilizada por la banda y la fuerte impronta de la misma por marcar su orgullo por su identificación con su lugar de origen,Valentín Alsina (ubicado en la zona sur del área metropolitana de Buenos Aires). El disco entero se refiere a peleas callejeras, alcohol, fútbol y violencia hacia la policía y la burguesía.

Al año siguiente publicó su primer discoViejas Locas, el cual contenía una temática principalmente referida al sexo, las drogas y el alcohol, lo que hizo crecer al rock rolinga enormemente en las clases bajas pero también contribuyó al crecimiento del rock barrial, debido a las temáticas de las canciones de la banda y al origen proletario de sus integrantes y de gran parte del público. También en ese año se formaríaLos Gardelitos, banda cuyos recitales al principio se realizaban usualmente de manera gratuita o con precios bajos en suburbios obreros,villas de emergencia e incluso cárceles (muchas veces con fines benéficos).

En 1996,Los Piojos editan su tercer disco,3er Arco, y el rock barrial se consolida como el sonido dominante a nivel comercial. En el verano del 97,Los Piojos fueron indudablemente el grupo de moda con los hitsEl Farolito yVerano del '92, liderando todos los rankings radiales. En julio de 1997 dos conciertos a sala llena convocaron a más de 10.000 personas en el microestadio del Rácing Club de Avellaneda, convirtiéndolos en una banda de multitudes, mucho más allá de sus inicios en el under.

En los años siguientes, la mayoría de las bandas de rock barrial que surgirían (comoLa 25, en 1996) o publicarían sus primeros discos (Jóvenes Pordioseros), serían parte delrock stone (también denominadorock rolinga), tendencia que continuó hasta mediados de la década del 2000, por lo que se confundieron ambos conceptos, y de esta manera se relacionó toda la corrientebarrial del rock and roll argentino como parte de la escena stone, cuando en realidad es exactamente al revés. Esto hizo que bandas comoLos Gardelitos,Callejeros,La Beriso y muchas otras del circuitounderground, fuesen catalogadas comorolingas, cuando, si bien tenían influencia deThe Rolling Stones, no buscaban imitarlos como hacían las bandas pertenecientes al rock stone. Sin embargo, sí tenían muchos seguidores de la subculturarolinga o stone, la tribu urbana más ligada al rock barrial. En 1998, en el marco del programa radial "Day Tripper" que hacíaJuan Di Natale enRock & Pop, nace el segmento "El Bombardeo del Demo", conducido por Marcelo Torabe Martínez con el fin de difundir demos enviados por bandas emergentes. Según recordaría años más tarde Torabe,"Cuando empezó El bombardeo, el 90% de los grupos eran copias deLa Renga,Los Piojos oViejas Locas. El rock barrial es producto del contexto social de ese momento, de la crisis y de esa cosa de llevar al rock la pasión futbolera".

La disolución de losRedonditos de Ricota, en noviembre de 2001, motivó el crecimiento de distintas bandas barriales que intentaban imitar el sonido o ciertos recursos líricos de esta banda, aunque con un nivel de desarrollo muchísimo más básico.Pier yCallejeros son dos de las bandas que más éxito tuvieron en captar a las generaciones más jóvenes del público "ricotero".

Más adelante, el fenómeno del estilo marginal nacido en las villas, lacumbia villera, desafiaría el predominio del rock rolinga en las clases bajas y trabajadoras enArgentina. Este género, de gran popularidad tras la crisis argentina de 2001, también contaba con el atractivo de relatar la vida cotidiana y la realidad de la calle.

Con la llegada de la década de los 90, todos los grupos principales del punk que habían llegado a editar material propio, terminan cambiando de estilo.Todos Tus Muertos, después de su disco debut, prolonga su carrera con el magistralNena de Hiroshima (1991), un disco que sigue manteniendo ese perfil sombrío de su predecesor, pero despegándose de los sonidos punk y hardcore para profundizar en su vertiente más oscura, como se aprecia en "Terror al cambio", "Fallas" o "El espejo". También hay un cover deThe Doors, "Break on Through (To the Other Side)", en una versión en castellano. Posteriormente, a partir de su tercer disco,Dale Aborigen (1994), dejarían atrás el estilo para pasarse al crossover entre estilos como elreggae,raggamufin,hip-hop,hardcore y otros ritmos.

Massacre Palestina, que al mismo tiempo de la edición de su primer álbum de estudio,Sol Lucet Omnibus (1992), acortaron su nombre aMassacre, también iniciaron ya en ese momento un giro estilístico que los llevaría a abrazar distintos tipos de sonidos del rock alternativo hasta acercarse a la "Movida Sónica" que en ese momento imperaba en Buenos Aires.

En 1990 Radio Tripoli editaEl cielo puede esperar, el segundo disco deAttaque 77 producido porJuanchi Baleiron deLos Pericos, en el que se alejan definitivamente del sonido y la estética del punk rock. Se inicia, para ellos, un período de mucha popularidad, que incluye la emisión constante de «Hacelo por mí» en todas las radios de la Argentina y de algunos otros países deSudamérica. La canción llega a ser tan popular que hasta se convierte en el nombre de un programa ómnibus de televisión dominical con el queMario Pergolini intentaba competir con el exitosoRitmo de la noche deMarcelo Tinelli. Ya en ese momento la banda llegó a tocar ante cerca de 10 000 personas en elEstadio Obras el 5 y 6 de octubre de 1991, agotándose las entradas. Por la exposición de"Hacelo por mi" el grupo recibe la distinción de "tripleplatino" y comienza una larga gira que lo llevó desdeParaguay hastaTierra del Fuego. Totalmente alejados de los circuitos under y de festipunks, también su sonido queda atrapado en una especie de pop punk muy simple con letras políticamente correctas que intentan ser presentadas como "canciones de protesta".

Finalmente, el punk también cae en la "barrialización" que marcó a gran parte del rock argentino en los años 90. Era la época en que losRamones, a partir de su segunda visita a la Argentina (en abril de 1991, cuando hicieron tres shows consecutivos en elEstadio de Obras Sanitarias, todos con lleno total), dejaron de ser una banda de culto para convertirse en un fenómeno de masas en la Argentina. Durante toda la década, cada nueva actuación de la banda neoyorkina despertaba en Buenos Aires un fervor y una convocatoria de público que los Ramones ya no vivían en el resto del mundo. Gran parte de este fenómeno se debe a la aparición de una nueva prensa de rock que sería también la que cimentaría las bases del fenómeno del "rock barrial". "Rock en blanco y negro" fue la primera revista de rock semanal de la Argentina y se editaba en formato tabloide siguiendo el estilo de las revistas populares y sensacionalistas del país. Como éstas, tenía una gran penetración en un público de clase media baja y de barrios populares que, hasta poco tiempo atrás, era refractario al rock. Si bien la revista hacía mucho hincapié en la historia del rock, estaba claramente destinada a un público adolescente. LosRamones llegaron a aparecer en la portada de "Rock en blanco y negro" más veces que ninguna otra banda, y en las largas notas que publicaban, siempre se resaltaba el carácter callejero de sus integrantes y de su mensaje, algo que también se valoraba enAttaque 77, cuyo sonido se vinculaba al deRamones. Entre 1991 y 1996 losRamones realizan una serie de 7 shows en Argentina con localidades agotadas. En ellos actúan como teloneras muchas de las bandas que conforman la escena nacional, como:2 Minutos,Attaque 77,Cadena Perpetua,Flema,Mal Momento,Superuva,Doble Fuerza,Mala Suerte yBien Desocupados lo cual les ayuda ayuda a cimentar su fama.^[322]​^[323]​ Todos aquellos grupos, en mayor o menor medida, eran deudores de su sonido simple, rápido y directo. Todos ellos, también, mostraban el giro del punk contracultural de los años ochenta al punk callejero de los noventa.

Esta tendencia se consolidó en el año 1994, cuando se edita "Valentín Alsina", primer disco de2 Minutos, que significó un hito para elrock barrial y también un punto de ruptura para el punk argentino. En la propuesta musical de2 Minutos se intensifica el sonido "ramonero" queAttaque 77 había tenido en sus inicios, pero también la temática de sus letras, de las que desaparecen todo el interés por la contracultura de que el punk había hecho gala durante los años ochenta. Sus letras, en un vocabulario simple y despojado, relatan las vivencias de los jóvenes de clase media empobrecida o de los barrios obreros, la vida sin trabajo ni estudio ni mayores perspectivas, que se basan en una eterna repetición de la reunión en la esquina, tomar cerveza en los kioscos, las drogas, las mujeres y la pasión por el fútbol. Casi todo el punk rock argentino de la década adquiere esa señal de identidad, aunque en algunos casos, logrando picos de calidad que lograron elevarse sobre el promedio, como fue el caso de las composiciones deRicky Espinosa paraFlema y su proyecto paraleloFlemita.

La impronta contracultural de las bandas de los ochenta comienza a desaparecer. Como describiría ese momentoPat Pietrafesa:"En el punk, surgen bandas que se popularizan, aunque caen las prácticas que a mí me habían interesado y con las cuales me había compenetrado a mil por ciento. Además de musical y artística, yo pensaba que el punk era una herramienta política y social muy grande, muy útil. Pero muchas experiencias que terminaron mal me hicieron desilusionar y tomé otros rumbos, pero rumbos underground. Siempre el underground es el lugar que más me interesa. Con los desilusionados del punk –con (Marcelo) Pocavida, con el Gitano, con Lula (Lucio Adamo)– nos fuimos a un género como el protopunk y a emborracharnos, drogarnos, autodestruirnos, divertirnos y provocar; es que musicalmente hablando buscábamos un tipo de provocación. En ese mismo tiempo intentamos llevar al fanzine estas músicas de las cuales tampoco se sabía tanto en Argentina: el garage, grupos de Australia y todas las bandas de los 70 como losStooges."^[324]​Cadáveres de Niños, tras la incorporación del históricoMarcelo Pocavida, abrevia su nombre aCadáveres y se convierte en una banda de killer punk, con un repertorio que incluía varioscovers (deThe Stooges,Radio Birdman,The Damned, entre otros). La carrera deCadáveres continuó hasta 1995. Posteriormente,Marcelo Pocavida profundizaría en ese estilo y estética con su nueva bandaThe Star Losers, mientrasPat Pietrafesa centró su atención en un nuevo proyecto:She Devils, primer grupo dequeercore del país, para luego sorprender con la bandaKumbia Queers con quienes intenta fusionar la ética y estética del punk rock con sonidos de cumbia y música tropical.

Lejos de esta tendencia, en 1992 se separanLos Violadores y su cantante,Pil Trafa, formaPilsen (1992-1995), banda que editaría dos álbumes y sumaría colaboraciones con personajes claves de la historia del punk, comoRonald Biggs, el histórico ladrón delasalto al tren postal de Glasgow-Londres de 1963; que trabajó con losSex Pistols,^[325]​Campino, líder de la banda punk alemana,Die Toten Hosen ySteve Jones, exguitarrista de losSex Pistols.^[326]​ Por la misma época,Stuka formó la bandaStukas en vuelo, quienes editarían dos trabajos discográficos:Stukas en vuelo (1992) eInterzona 66 (1995).^[327]​

También se puede destacar durante la década la aparición de otras bandas como los marplatensesLoquero,Katarro Vandaliko, los rosarinosGatos Sucios,Expulsados,Eterna inocencia y Mal de Parkinson.

Si bien elhardcore Punk en Argentina ya tenía un lugar reducido con grupos como División Autista y posteriormenteMassacre Palestina, se popularizó principalmente en los '90 con el denominadoBuenos Aires Hardcore, un movimiento muy influenciado por el New York hardcore (que habría explotado en la década anterior de la mano de bandas comoAgnostic Front,Sick of It All yBiohazard entre otras).^[328]​ Los principales exponentes argentinos de este género fueron B.O.D (Buscando otra diversión), D.A.J (Diferentes actitudes juveniles), E.D.O (Existencia de odio) y N.D.I (No demuestra interés).^[329]​ Esta movida encontró en Zona Cyborg (San Telmo) y el Teatro Arlequines sus principales lugares para recitales y punto de reunión para la juventud. Este momento de ebullición y crecimiento del estilo se materializó en la edición del compilado independienteMentes Abiertas, la verdadera invasión, editado por el Sello Mentes Abiertas.

Paralelamente, en las perifierias de laCiudad de Buenos Aires y elconurbano surgieron bandas que si bien se apropiaron del estilohardcore punk tendrán una impronta política más definida, al tocar y vincularse con organizaciones sociales y políticas y basar el armado de sus recitales y festivales en la vía pública como expresión de la filosofía del"hazlo tu mismo". En este grupo se puede incluir a bandas como Detenido Desaparecido (zona sur Gran Buenos Aires), La Banda del Cuervo Muerto (Monte Grande), Familia Asesina, Acción Directa (La Plata) y Os Mocos (Bragado). En sus primeros años, las primeras presentaciones en Buenos Aires de los marplatensesLoquero también fueron con este grupo de bandas, aunque su sonido fue tomando más elementos del pop punk y el rock alternativo.

Mientras tanto, en eloeste del conurbano bonaerense también surgen bandas de hardcore con un vínculo y una impronta más cercana al metal. EnMerlo a fines de los '80 surgen los ODR (Odiosa Discrminación Racial) y enMoreno AEM (Asesinato en Masa). El gran crecimiento de bandas de hardcore punk en el oeste tuvo como materialización la creación del "Oeste Hardcore", que en el Club Social dePaso del Rey (Moreno) su centro musical y juvenil.

Con varianteStraight edge se encontraba XAutocontrolX y Vieja Escuela, mientras que la variante melódica estaba representada por Restos fósiles y, principalmente Anesthesia (posteriormenteFun People).^[330]​ Esta banda terminó convirtiéndose en la más trascendente de la escena hardcore, y ampliando sus letras a cuestiones relacionadas con losderechos humanos, losderechos LGBT yde los animales,de los niños,feminismo y elaborto legal, elvegetarianismo, elamor propio, a los demás y elambientalismo. También fueron incorporando a su música otros ritmos como depop,indie rock,ska,reggae,folk,balada,tango,grindcore ythrash metal. Llegado el éxito de la banda, comenzaron a aparecerboneheads, en sus recitales que disfrutaban de la música de una forma violenta y agresiva. En respuesta a esto, los integrantes del grupo, quienes predican elpacifismo y el amor, se autodenominaron como una banda "hardcore gay antifascista", para apartar a estos sujetos violentos, creando controversia y siendo clasificados como una bandaqueercore.

El rock tropical, fusión y de influencias latinas siguió creciendo, 1992 fue el año de «La Pachanga»: el sencillo de losrosarinos,Vilma Palma e Vampiros. Su popularidad invadió las radios a comienzos de los años 1990.

Bandas comoLos Auténticos Decadentes, que tuvieron un gran éxito en 1990 con «Loco (tu forma de ser)», yLos Pericos reflejaron la tendencia. Otra banda surgida afines de los ochenta fueLa Sonora de Bruno Alberto; creadores del mega éxito «Tirá la goma», cuyo título marcaría como referencia en doble sentido al acto de felación muy popular y «La Canoa», cuya melodía se empezó a utilizar en las canchas defútbol de toda la Argentina.

Los Fabulosos Cadillacs, tuvieron un desplome a comienzos de los 1990, después de haber cosechado elogios a finales de los 1980, pero regresaron en 1993 con su discoVasos Vacíos, que contaba con el megahit «Matador». El sencillo ganaría alcance internacional, ganando losPremios MTV a vídeo del año 1994^[331]​ y logrando el puesto n.º 3 de los mejores 100 videos MTV.

También a comienzos de la década comenzó a tocar una agrupación caracterizada por su mezcla de rock tropical, algo decumbia, una gran cantidad de miembros y un carismático líder calvo:Bersuit Vergarabat. Esta banda, se caracterizaría por tener un nombre sin significado alguno y usarpijamas en el escenario, que es en sí, un homenaje a los internos delHospital Municipal José Tiburcio Borda y una respuesta contraria al atuendo decuero, que usan los grupos normalmente vinculados con el rock y heavy metal. Tras tres discos de mediano éxito:Bersuit Vergarabat y punto! (1992),Asquerosa alegría (1993) yDon Leopardo (1996); el reconocimiento nacional y mundial, lo alcanzarían a su cuarto trabajo discográfico, tituladoLibertinaje (1998). Tras el éxito masivo de este material, visitaríanEspaña,Estados Unidos,México,Chile,Venezuela,Colombia,Costa Rica,Uruguay,Bolivia,Perú,Nicaragua,Guatemala,Ecuador yPuerto Rico.

La Mosca Tsé-Tsé, también mostraría el crecimiento del género con su salto a la popularidad hacia fines de los 1990, dando una gran presencia del género en la llegada del tercer milenio. En 1992, se formaLas Manos de Filippi, grupo de rock fusión liderado porHernán de Vega, un músico callejero que militaba en elPartido Obrero. En sus letras se encontraban canciones contra elcapitalismo y al orden establecido, como también letras graciosas. Sus mayores éxitos fueron lacumbia «El himno del Cucumelo» (popularizada posteriormente porRodrigo Bueno) y «Sr. Cobranza», (popularizada porBersuit Vergarabat).

Por el lado delreggae-pop,Los Pericos yLos Cafres dominaron la escena. Aunque la renovación del género se vea impulsada por festivales y grupos nuevos de diferente capacidad de convocatoria y creatividad. ElSka tenía aLa Mosca,Los Calzones yKapanga como las versiones más comerciales con importante éxito nacional e internacional, peroLos Fabulosos Cadillacs seguían siendo la banda más famosa del género, mezclandorock, ska,rap, reggae y música latina, hasta su separación. Las bandas ska más underground que nacieron en los años ochenta inspiradas el rock steady británico han desaparecido en su totalidad. Inspiradas en la creatividad y el estilo brit-fussion de Sumo, los estilos del ska, el reggae y el punk no trascendieron los años ochenta con la fuerza alternativa que las caracterizaba. SoloDancing Mood, Mimi Maura, Cienfuegos o La Portuaria suponen un intento de ese espíritu creativo para un público de las clases medias sensible a la fusión contemporánea con ritmos latinos.

Una banda nueva del género esKaramelo Santo, de laciudad de Mendoza (al igual queLos Enanitos Verdes). La banda cuenta con un sonido bastante nuevo de rock, punk, ska, reggae y cumbia que le ganó la atención de la crítica. El grupo pasó la mayor parte del período 2001 a 2007 haciendo giras por Europa y América^[332]​ y es la única banda que ha tocado en elRoskilde Festival deDinamarca.^[250]​

A comienzos de la década, las bandas de heavy metalHermética,Rata Blanca,Horcas yLogos ya tenían carreras destacables dentro del metal nacional, pero, exceptoRiff, ninguna banda metalera había estado en el circuitomainstream del rock argentino, sino que generalmente eran eclipsadas por otros géneros, y se mantenían en elundergound. Esto cambió en los años 1990, principalmente a través del éxito deRata Blanca yHermética.

Rata Blanca, tras su disco debut homónimo de 1988, llegaría al éxito masivo con su segundo trabajo, el neoclásicoMagos, espadas y rosas (1990), que los llevó a recorrer gran parte deHispanoamérica y otros países del mundo. En 1991 harían una fecha en elestadio de Vélez Sarsfield, presentando su álbumGuerrero del Arco Iris ante más de 30.000 personas, cifra que ninguna banda metalera argentina logró antes ni después.

Hermética, sólo a fuerza de sus letras profundas y personales de descontento social, sin tenervideoclips o una difusión radial o mediática importante, se estableció firmemente en la escena e influenció a gran parte de las nuevas bandas y el público, hasta llegar a ser considerada como una de las agrupaciones más notorias del género en Hispanoamérica^[333]​ y a su vez como el grupo insignia y fundamental delheavy metal argentino.^[334]​^[335]​Incluso, por arrastre,V8, la banda anterior deRicardo Iorio, principal responsable de ambos grupos, alcanzó un nivel de popularidad mucho mayor del que tuvo en vida.Hermética —al igual queV8 y luegoAlmafuerte— marcó un antes y un después en el heavy metal nacional de pura cepa, con su sonido "seco y brutal", como lo llamaban sus integrantes y seguidores.Hermética consiguió una popularidad impensada, convirtiéndose en grupo soporte de grandes bandas del género, comoMotörhead yBlack Sabbath. Incluso, participaron en festivales heavys junto a otras bandas comoSlayer yKiss.

Hermética se separó en 1995, dando origen aAlmafuerte (el bajistaRicardo Iorio,Claudio Marciello yClaudio Cardaci) y aMalón (el resto de los ex-Hermética). Con un sonido más actualizado,Almafuerte pasó a la cabeza del metal nacional, junto conRata Blanca yA.N.I.M.A.L.(Acosados Nuestros Indios Murieron Al Luchar). Esta banda trajo a la Argentina el sonido del crossover y el metal alternativo.^[336]​ Su sonido combinaba con elhardcore punk, el heavy metal y elthrash. La mayor parte de su público estaba entre los más jóvenes, que recién descubrían elheavy metal.

Otros grupos importantes de la década (en el underground) fueronTren Loco (quienes viajaron a tocar aJapón),Lethal,Nepal,Imperio,Jeriko,Jason, entre otros.

Hacia la segunda mitad de la década, también se impondría en Argentina, como en el resto del mundo, el sonido delstoner rock, que en la Argentina tomó un matiz distinto debido a la influencia local. Como escribió un comentarista: "La confluencia de la cultura skater, conMassacre oBabasónicos como banda de sonido, las disquerías de barrio donde los jóvenes pasaban horas revolviendo bateas y la llegada de las revistas metaleras extranjeras fueron el caldo de cultivo para una generación que se alimentaba de una estética impulsada por los videos de MTV. Escuchando bandas comoKyuss, también descubrieron que ese sonido se familiarizaba con linajes anteriores comoBlack Sabbath oMetallica, pero también conPescado Rabioso oV8".^[337]​Los Natas originalmente fueron la primera banda en destacar en esa movida. Su primer disco,Delmar, no tuvo una gran recepción, acusándoselos poco menos que de plagiar a bandas comoKyuss. Su sonido característico llega a partir de su segundo álbum,Ciudad de Brahman (1999). A partir de entonces llegaron a dar giras por Estados Unidos durante los años 1998, 1999 y 2000, y en sus últimos álbumes fueron pasando a un sonido más experimental y estridente con una propuesta cercano a la psicodelia, inspirada enThe Doors, los primeros álbumes deBlack Sabbath,Led Zeppelin,Pink Floyd oHawkwind, entre otras, además de la influencia siempre vigente del grupo pionero deldesert rock,Kyuss. A raíz de eso,Los Natas proponen un sonido con fuerte presencia de equipamiento valvular e instrumentosvintage. Su música se caracteriza por constantes cambios a la largo de una canción, y por largas improvisaciones, que varían en cada interpretación, mezclandorock espacial,rock psicodélico yjazz. Se diferencias estilísticamante del mainstream del 'metal' local, aunque reconocen enPappo's Blues oColor Humano una fuente creativa.^[338]​

Los artistas solistas hacía tiempo que estaban establecidos como grandes figuras del mundo del rock nacional. Las dos grandes estrellas desde los años 1970 fueronCharly García yLuis Alberto Spinetta. Charly disfrutó de unos prolíficos años ochenta, editando varios álbumes y con sus canciones convirtiéndose en clásicos absolutos del rock argentino. Sin embargo, en los años 1990, al mismo tiempo que avanzaban sus problemas de salud relacionados con el consumo de drogas, sus álbumes fueron decayendo en calidad, aunque nada podía hacer mella en el fanatismo de su núcleo duro de seguidores. En 1996 comenzó a usar el eslogan «Say No More», que con el paso del tiempo se convertiría en su «marca registrada».

En diciembre de 1990Charly García tocó una versión rock del «Himno nacional argentino» ante 100.000 personas reunidas en un festival público organizado en laAvenida 9 de Julio por la Municipalidad de la ciudad de Buenos Aires. La interpretación generó un amplio debate, e incluso denuncias penales y una descalificadora crítica de la esposa del presidenteCarlos Menem.^[339]​^[340]​

A fines de febrero de 1999, durante el festival Buenos Aires Vivo 3, organizado por el Gobierno de la Ciudad (con entrada libre y gratuita), Charly García realizó su concierto más convocante en Puerto Madero, estimándose que asistieron entre 130 000 y 300 000 personas (según la fuente).^[341]​^[342]​

Luis Alberto Spinetta lanzó en 1990 su primer álbum en vivo como solista, denominadoExactas debido a que fue grabado durante el recital realizado en laFacultad de Ciencias Exactas y Naturales de laUBA los días 30 y 31 de agosto de ese año. La banda que acompañó a Spinetta volvía a la tendencia que había desarrollado en los años '70, de rodearse principalmente de músicos de jazz: elMono Fontana yClaudio Cardone en teclados,Guillermo Arrom en guitarra,Javier Malosetti en el bajo yMarcelo Novati en batería.

Con esa misma formación grabó en 1991Pelusón of milk, un álbum introspectivo y familiar, grabado caseramente (en su nuevo estudio propio, Cintacalma, luego rebautizado La Diosa Salvaje) mientras toda la familia esperaba el nacimiento de su cuarta hija, Vera. El título Pelusón of milk es una metáfora de la beba. El tema«La montaña», cuya letra según Spinetta se relaciona con losdesaparecidos, fue grabado también comovideoclip. El álbum resultó votado como el mejor disco del año, (1991) y la mejor canción, «Seguir viviendo sin tu amor», que se convirtió en el mayor éxito radial de toda la carrera artística de Spinetta y ha sido ubicada en el puesto n.º 33 entre las100 mejores de la historia del rock argentino. Era el momento del cambio tecnológico e inicio de la era del CD. Por ese motivo, fue su último álbum en editarse en vinilo (sólo se editaron 4.000 copias en vinilo y contenía 11 canciones, una menos que la versión en casete y tres menos que la versión en CD).

Este disco llevó mucho tiempo, porque hice todo solo. Hay algunas intervenciones de músicos de mi banda, pero lo hice casi todo yo.Pelusón se parece a Spinetta de entrecasa. [...] Hay canciones acústicas, las melodías son frescas, tiene una buena selección de material. [...] Como para que sea entendido.Luis Alberto Spinetta

En 1993 lanzó el álbumFuego gris, con los diecisiete temas que integran lapelícula homónima exhibida al año siguiente, una obrasurrealista sin diálogos, concebida como un "drama-rock" por su directorPablo César, que narra la búsqueda interior de una adolescente perdida en las cloacas de Buenos Aires, con imágenes orientadas por la música y la poesía de Spinetta. Es un álbum de calidad pareja, considerado por uno de sus analistas como "la última obra maestra de Spinetta",^[343]​ aunque sus canciones se encuentran entre las menos difundidas de la obra spinetteana. Spinetta mismo no hizo casi ninguna referencia explícita aFuego gris, ni incluyó ninguna de sus canciones en el histórico conciertoSpinetta y las Bandas Eternas con el que repasó toda su carrera en 2009. Se destacan canciones como "Escape hacia el alma", "Preciosa dama azul", "Parado en la sentina", "Dedos de mimbre" y "Penumbra", estas dos últimas compuestas respectivamente en 1973 y durante su adolescencia. Ocasionalmente lo acompañanClaudio Cardone,Machi Rufino yJota Morelli. A partir de ese momento, recupera las ganas de tocar en una banda y en 1994 forma, junto aDaniel Wirtz yMarcelo Torres elpower trioLos Socios del Desierto, que sería su última experiencia colectiva, durando hasta el año 1999.

Para la edición delprimer disco de Los Socios del Desierto, Spinetta entró en conflicto con la industria discográfica, ya que se trataba de un disco doble de 33 canciones, una apuesta arriesgada que ningún sello se animaba a hacer. Finalmente, luego de muchas negociaciones, lo pudo editar sin cortes por medio del sello Sony Music. Las críticas fueron muy buenas y el tema“Cheques” se convirtió en un hit tanto en las radios como en los canales de música con un impactante videoclip filmado en el Subte B y protagonizado porCarolina Peleritti, pareja deSpinetta por ese momento. Con posterioridad, la banda lanzó dos álbumes en vivo, uno acústico y el otro eléctrico (Estrelicia MTV Unplugged ySan Cristóforo) y un segundo disco en estudio:Los ojos.

Miguel Mateos seguía siendo popular y reconocido en Latinoamérica, aunque casi desapareció del panorama local debido al éxito obtenido en los Estados Unidos, que lo hizo tomar la decisión de radicarse en la ciudad deLos Ángeles,California desde 1989, luego de dar el primer concierto de rock en español en «The Palace» y hacer giras en ese país ya sin ZAS, y con una banda formada por su hermano y reconocidos músicos estadounidenses como Stuart Mathis yJennifer Batten (guitarrista deMichael Jackson) y codeándose con bandas anglosajonas comoBon Jovi hasta 1994 que regresa para grabar el álbum «Pisanlov».

Celeste Carballo pronto dejó atrás su breve etapapunk y se empezó a dedicar a experimentar con elblues tradicional, losritmos folclóricos e incluso eltango.

La carrera deFito Páez tomó un curso inesperado cuando, en 1992, lanzóEl amor después del amor, álbum que se convertiría junto aRockas Vivas de la bandaZas deMiguel Mateos, en uno de los discos de rock argentino más vendidos de todos los tiempos.^[344]​ Enraizado como cantautor en la escena de laTrova Rosarina, se había convertido en un nombre reconocido del rock nacional a partir de la segunda mitad de los años 80, especialmente con sus discosCiudad de Pobres Corazones yEy!, se había hecho famoso y había ganado numerosos elogios de la prensa de rock, pero el éxito comercial le seguía siendo esquivo. Un periodista escribió sobre esa época:"En 1990 Fito Páez no tenía plata para pagar todas sus comidas. Iba a casas de amigos para comer y lamentarse. Hacía shows pequeños con uno o dos músicos porque el presupuesto no alcanzaba para toda la banda. En las entrevistas despotricaba contra las discográficas. Estaba sin mánager. Decía que nadie apoyaba sus proyectos y aseguraba que las radios no pasaban sus canciones. Se había transformado en la caricatura de un personaje de Bukowski. Sin plata, triste, siempre con mujeres, escuchaba música, iba a conciertos, veía películas, leía libros y compartía la vida cultural de Buenos Aires con artistas de todos los ambientes. Su vida no tenía horarios. Se emborrachaba seguido y tocaba el piano todo el día. Cambiaba de vivienda con la misma velocidad con la que destapaba botellas. Alquilaba una sala de ensayo en Caballito que se comía parte de los escasos ingresos que tenía. Usaba un solo calzoncillo, lo lavaba y se lo volvía a poner sin secar. Llegó a contagiarse piojos y ladillas. Volvía a casa en lo que podía: en el camión de la basura o en un patrullero. Su vida personal había tocado fondo. A veces comía gracias a los bares que le fiaban el menú".^[345]​ En esa situación extrema, y mientras planeaba radicarse en Europa. lo sorprendió el éxito de su discoTercer Mundo, el que vendió 30.000 discos en una semana. La baladaFue amor, una especie de despedida en buenso términos a su relación conFabiana Cantilo, tuvo amplia difusión en las radios de la época, al igual queY dale alegría a mi corazón, dedicada aDiego Maradona y con las voces deDavid Lebón yLuis Alberto Spinetta, este último cantando en un registro diferente al que acostumbraba. Páez lo presentó en un show en el Teatro Gran Rex y, poco después, en una fiesta de disfraces en Punta del Este conoció a la actrizCecilia Roth, quien se convertiría en su esposa. Esa experiencia es la que inspiró el título deEl Amor después del Amor. Con el gigantesco éxito comercial de ese álbum Páez, se confirmó como estrella nacional e internacional trascendiendo el ámbito del público de rock.

En 1996 Fito Páez fue protagonista de un momento histórico: por primera vez el rock argentino llegó alteatro Colón, habitualmente destinado a la presentación deóperas yorquestas demúsica clásica. Sucede que el pianistaMiguel Ángel Estrella le ofreció a Páez que se le uniera en una gira junto a laCamerata Bariloche, para la Fundación Música Esperanza. A pesar de algunas críticas de sectores puristas y conservadores de la música clásica, que no querían que su habitual espacio fuera ocupado por un artista de otro género,^[346]​ el recital fue un éxito y recibió muy buenos elogios de los medios.^[347]​^[348]​

Mientras tanto,Andrés Calamaro disfrutaba de cierta popularidad como solista, pero hasta entonces no había logrado un éxito masivo. Calamaro dejó la Argentina y se fue a España, donde junto conAriel Rot y otros conformanLos Rodríguez en 1991. Dos años después, el hit«Sin documentos» le dio finalmente a Calamaro un éxito internacional que haría despegar su popularidad en España y, sobre todo, en la Argentina. Con este discoLos Rodríguez logran conquistar Latinoamérica, especialmente Argentina, y Calamaro se convierte en el roquero argentino con más popularidad internacional. La banda hispanoargentina permaneció desde 1991 hasta 1996 y fue la que más veces lleno las instalaciones de la Plaza de los Toros, llamadaLas Ventas, enMadrid.

En 1999 Andrés Calamaro publicaHonestidad brutal, que según algunos críticos puede considerarse el mejor disco del cantante. Sin embargo ese disco marcó el inicio de una etapa en la que el artista comenzó a sufrir un colapso tóxico, que lo alejó de los escenarios por más de cinco años.

En la noche del 30 de diciembre de 2004 el boliche bailableRepública Cromañón se incendió como consecuencia de una bengala que se enredó en una tela de media sombra, mientras tocabaCallejeros. La banda estaba, en ese mismo momento, atravesando un intenso crecimiento en su convocatoria, lo que la había convertido en los últimos meses en una de las bandas más reconocibles y representativas delrock barrial. Habían llegado a tener dos fechas enObras en el mes de junio y, pocos días antes de Cromañón habían tocado para 15.000 personas en el estadio deExcursionistas.

En la noche del 30 de diciembre, el combo fatal de las bengalas, la media sombra, el sobrepasado de la capacidad del local (hubo sobreventa de entradas, que hizo que hubiera más gente en el local que la legalmente permitida), las puertas de emergencia que fueron macabramente cerradas (lo cual provocó una trampa mortal para las personas que intentaban escapar, que murieron sofocados por laestampida humana y por la inhalación de gas venenoso), la falta de ventilación del local (lo que provocó que durante el incendio se convirtiera esencialmente en una cámara de gas), la negligencia y desidia de la clase política que no atendió las necesidades de la sociedad, la corrupción de los inspectores que debían chequear el estado del local, y la inconsciencia del público delrock barrial encendiendo elementos pirotécnicos en un espacio cerrado, fueron todos factores que fueron sumándose y que resultaron en el desencadenamiento de una tragedia mortal. El incendio del boliche Cromañón significó la mayor tragedia del rock nacional en sus más de cuarenta años de vida, ya que dejó un saldo de 194 muertos, además de ser la mayor tragedia no natural de la historia argentina. Entre las víctimas fatales además de los jóvenes que habían ido a ver el recital, también fallecieron familiares y amigos de los miembros de la banda. En los años posteriores, la depresión, elsíndrome de estrés postraumático y las enfermedades también fueron matando a sobrevivientes y a familiares de los fallecidos.

Cromañón era administrado porOmar Chabán, artista y hombre de negocios estrechamente relacionado con el mundo del rock, y que había sido dueño de otros dos sitios importantísimos para el rock en general: Café Einstein yCemento. Tras la tragedia, Chabán fue detenido, procesado y encarcelado. Durante su periodo en la cárcel, Chabán entró en tristeza ydepresión y su salud fue progresivamente desmejorando, razón por la cual finalmente contrajocáncer. En 2014, por su delicado estado de salud, fue sacado de la cárcel para ser tratado en un hospital, pero continuó desmejorando y murió el 17 de noviembre de 2014, cuando faltaba poco más de 1 mes para cumplirse 10 años de la tragedia.^[349]​

Además de Chabán, fueron llevados a juicio el intendente de laCiudad Autónoma de Buenos Aires,Aníbal Ibarra, quien fue destituido de su cargo, los responsables de la inspección del local, los empleados del local que cerraron las puertas de emergencia la noche del incendio provocando una trampa mortal, y los músicos de Callejeros. Con distinta suerte, algunos fueron absueltos, mientras que otros fueron encarcelados.Se llamó "efecto Cromañón" a la clausura masiva de espacios de recitales en forma posterior al incendio, que incumplían normas de seguridad. Esta clausura masiva no se produjo solamente en la Ciudad de Buenos Aires, sino también en diversas partes del país.^[350]​^[351]​ Tras Cromañón se establecieron nuevos estándares de infraestructura, seguridad, control y capacidad que en un primer momento, al no haber casi ningún espacio que lograra calificar en esos estándares, provocaron los cierres masivos. Inclusive, la onda expansiva de Cromañón se trasladó al ámbito de los actos masivos políticos, y por eso durante los primeros años post-Cromañón hubo controles para que no asistieran más manifestantes que el espacio permitido.^[352]​

Frente al cierre de los pequeños locales, se fortaleció el recurso de los festivales al aire libre, una tendencia que ya venía creciendo desde el primerCosquín Rock de 2001 y que se aceleró aún más tras Cromañón. En los años siguientes se asentó en la escena argentina una programación de festivales a lo largo del año:Cosquín Rock,Quilmes Rock,Pepsi Music yPersonal Fest. La mayor parte de la escena del rock argentino, desde entonces, debió adaptarse a esos festivales o bien, en el caso de las bandas con gran convocatoria, a organizar shows en estadios al aire libre. El costo de este tipo de shows los hizo imposible de alcanzar para la mayoría de las bandas chicas y emergentes, quienes quedaron durante años relegadas al circuito de locales del conurbano bonaerense.^[353]​

En cuanto a la evolución musical del rock argentino, tras Cromañón se produjo un retroceso en el apoyo al género delrock barrial,^[354]​^[355]​^[356]​ que comenzó a sufrir unademonización en los medios y cierto rechazo en parte de la sociedad, que veía la principal causa de la tragedia en la cultura del "aguante" y el "descontrol" que preconizaban tanto los músicos como los fanáticos del género. Según el diarioPágina 12 sobre el estado del rock barrial a fines de los años 2000:

Cromañón le arrancó la inocencia y expuso todo su potencial peligroso. Lo convirtió en un factor maléfico, en un profanador de cunas sobre las que lloran aquellos padres dueños de un dolor en eterna procesión.

Página 12, 31 de diciembre de 2009^[357]​

La utilización debengalas y otro tipo depirotecnia, tanto en espacios abiertos como (peligrosamente) en espacios cerrados, era común en los recitales del llamadorock barrial o rock chabón.^[358]​ La pirotecnia llegó a convertirse en parte del folclore y de la estética de esa música, un ritual dentro del propio recital.^[358]​ Estas prácticas fueron completamente alentadas por los artistas. En la edición de noviembre de 2005 de la revistaRolling Stone Argentina, en una entrevista alIndio Solari, uno de los principales referentes delrock argentino, este comentaba declarando explícitamente su deleite por ver bengalas encendidas en los recitales:

En referencia a las bengalas y demás, digamos que la cultura rock tiene eso, también: no es una cultura progresista, de todo prolijito. Ahora les recomendamos a los chicos que no vayan con pirotecnia al show (...) Pero, en definitiva, a mí me cuesta mucho renegar del folklore de las bengalas y las banderas del rock. Creo que el rock es eso. Yo tengo la imagen de «Juguetes perdidos»^[359]​ enRiver, entrando a cantar con todo eso y… ¡Guau! No es sopa. Yo no quiero renegar definitivamente de todo eso. Aunque, desde ya, en este momento tiene que primar el respeto y el cuidado. (...) [La pirotecnia] Dejó un acento, una marca estética en casi todo lo que llamamos rock nacional, que por algo es diferente del rock belga, del rock japonés o de cualquier otro.

Indio Solari.^[360]​

De hecho, hasta el mismo momento de la tragedia,Callejeros se promocionaba, en flyers, como "la banda más explosiva" por la cantidad de pirotecnia que usaba su público, algo usual en todos los recitales de rock barrial, aunque estuvieran lugar en espacios cerrados. Han quedado como testimonios dos entrevistas de éstos en la radioRock&Pop en los meses previos a la tragedia:

—Juan di Natale: hay un rumor parece, que no se van a dejar pasar las bengalas y que si pasa alguna, le pondrían una multa a la banda. Esto tiene que ver igual con las condiciones de seguridad deObras, y no es nada contra Callejeros ni contra este show.

—Patricio Fontanet: no, no, es así en todos los shows.
— Juan di Natale: bueno, ¿y qué hacemos con las bengalas, Pato?

— Patricio Fontanet: el problema con las bengalas es que te las saca la seguridad de Obras. Cuando nosotros tocamos, tratamos que puedan pasar las bengalas.

Entrevista en la radioRock&Pop, agosto de 2004.^[361]​

—Eduardo Vázquez: vivo acá, después de tres shows intensísimos acá en Cromañón. Fueron tres días... ayer tocamos con 4000 personas.

— Juan di Natale: ¡guau!, muchísima bengala, ¿no?

— Eduardo Vázquez: muchísima bengala, fue la frutilla de la torta.

Entrevista en la radioRock&Pop, 10 de diciembre de 2004.^[361]​

A causa de esto, en el fallo del juicio oral se expresó:

Sí hemos podido extraer una conclusión: que la banda toleraba el uso de pirotecnia. Ello así, pues su empleo en los recitales fue siempre una constante y nada serio se hizo para evitar que esa práctica cesara definitivamente.^[362]​

También se probó que no se trató de un hecho aislado: otra importante banda de rock barrial,La 25, tocó en el mismo escenario deCromagnon cinco días antes de la tragedia, y también sufrió un principio de incendio que pudo ser sofocado a tiempo.^[55]​

Paradójicamente, tras la tragedia,Callejeros tuvo un aumento en su difusión en las radios (quizás por la curiosidad que provocaba su mención en las noticias, sus canciones «Una nueva noche fría» y «Prohibido» rotaron fuertemente en los meses siguientes llegando a una masividad que nunca antes habían tenido), continuaron haciendo shows (aunque cada vez con más obstáculos, pues cada una de sus presentaciones se veía rodeada de polémicas y protestas) e incluso el 11 de mayo de 2006 lanzaron su álbumSeñales a un precio equivalente a 15dólares, un 29% más caro que lo entonces habitual, y sin embargo el álbum se agotó rápidamente.^[363]​^[364]​El baterista de Callejeros,Eduardo Arturo Vázquez, sería luego protagonista de un crimen de femicidio, cuando en febrero de 2010 asesinó a su parejaWanda Taddei prendiéndola fuego, crimen por el cual fue condenado a prisión perpetua y que aceleró la separación definitiva deCallejeros. No obstante ello, el cantante Patricio Fontanet y el bajista Cristian Torrejón todavía intentaron seguir con el mismo proyecto, rebautizándoloCasi Justicia Social (sus iniciales son CJS, manteniendo el logo deCallejeros).^[365]​ Luego de un tiempo, tras la salida en libertad de Fontanet en 2014, la banda cambió su nombre aDon Osvaldo y editaron su primer disco en 2015.

La caída del rock barrial continuó manifestándose en forma paulatina en los años siguientes a Cromañón, especialmente con las separaciones deJóvenes Pordioseros en 2008,Los Piojos yBersuit Vergarabat en 2009 yCallejeros en 2010. Para mediados de la década de 2010, y ya adaptadas a la nueva modalidad dominante de recitales en grandes estadios o grandes festivales, bandas propias del género que habían sobrevivido de los años noventa, comoGuasones yLos Gardelitos resurgieron obteniendo un público más numeroso. Fue el surgimiento de otras bandas comoLas Pastillas del Abuelo,Don Osvaldo (con dos miembros de la disueltaCallejeros),La Mancha de Rolando,El Bordo yLa Beriso (aunque estas tres últimas,con una carrera apoyada en un sello multinacional,Sony Music -sea directamente o a través de su subsidiariaPop Art Discos-, algo diferente a los orígenes del género), lo que dio pie a hablar del resurgimiento del género.^[55]​ En el mismo contexto, la continuidad en la vigencia deLa Renga y de los proyectos solistas delIndio Solari (conLos Fundamentalistas del Aire Acondicionado) y deAndrés Ciro (conLos Persas) y también de bandas Uruguayas influidas por ese género, comoNo Te Va Gustar yLa Vela Puerca (y también, a partir de 2006El Cuarteto de Nos, aunque esta banda no se relaciona con el rock barrial sino que proviene del under montevideano de los ochenta), le dio nuevas alas a los recitales multitudinarios en estadios con banderas y ritual futbolero que marca una continuidad con el rock barrial, aunque sus protagonistas en general tiendan a rehuir la etiqueta.

Es la era en que empiezan a incorporarse en la sociedad argentina las nuevas tecnologías digitales, y el uso deinternet sobre todo abre nuevas posibilidades para el mundo del rock nacional, a lo largo de la era se irían sucediendo distintos espacios digitales que ayudarían al rock nacional comoBlogspot,Fotolog,Myspace,Facebook,Twitter,Spotify yBandcamp.

En la misma línea, se profundizó el avance de sitios web con gran cobertura de la escena musical, como10Musica.com,Terra,Rock.com.ar, y los sitios web deRolling Stone Argentina, de los suplementosSí (Clarín) y No (Página 12), y de radios comoFM Hit,Mega 98.3,Rock & Pop yLa 100.

Como parte de estos cambios tecnológicos, distintas bandas (tanto consagradas como nuevas) se abren al nuevo escenario y crean sus páginas web oficiales con las que difunden sus actividades.

Ayudados por la llegada de labanda ancha, el público también comienza a usar los medios digitales y se produce un intercambio de información revolucionario como nunca antes visto en la historia de la música argentina.

Babasónicos se convirtió el 25 de febrero de 2009 en la primera banda argentina en llegar al millón de visitas en su perfil deMyspace.^[366]​

En 2007Massacre lanzó a la venta su álbumEl mamut. El álbum brindó el punto de partida de la nueva etapa en la carrera del conjunto. Este fue también el año del regreso deSoda Stereo, cuyo rotundo éxito comercial no tardó en evidenciar la vigencia del rock alternativo.

Durante este período se produjo el surgimiento de la mayor cantidad de bandasindie en la Argentina, por consecuencias que deja la tragedia deRepública Cromañón. Todos estos grupos salen a la luz producto del avance deinternet y las redes sociales, bolichesunderground y centros culturales. Este tipo de bandas comenzó a tomar gran importancia en la escena local a principio de la década de los 2010, ejemplo de esto son:Eruca Sativa,Connor Questa,Él Mató a un Policía Motorizado,107 Faunos,Mustafunk,Usted Señalemelo,Sewer,Perras on the beach,Guauchos,Sig Ragga,Cirse,Eruditos,Huevo,Los Espíritus,Octafonic,Banda de Turistas, Caballo,Bicicletas,Sur Oculto,Científicos del Palo, y otras más, todas pertenecientes a distintos subgéneros que van desde el rock más puro a fusiones con el funk, el jazz, la música electrónica, el rock progresivo y hasta el reggae.

En el año 2017 vuelve a tomar fuerza elIndie Rock con el lanzamiento de discos comoLa síntesis O'konor deÉl Mató a un Policía Motorizado yAgua Ardiente deLos Espíritus colocándose en el centro de la escena alternativa.

En la primera mitad de la década, se incrementaron notablemente, tanto la cantidad de festivales dedicados completamente al rock nacional, como la visita de bandas internacionales. Si bien desde sus comienzos el rock nacional tuvo festivales masivos, eventos como el «Pepsi Music» o el «Cosquín Rock» han aumentado considerablemente tanto su público como sus propuestas. Por ejemplo, el Pepsi Music contaba con más de diez días dedicados casi completamente al rock nacional (agrupado en días temáticos como el día reggae, el día metalero, el día punk, etc).^[367]​

En 2011 comenzó a realizarse elMovistar Free Music,^[368]​ un festival que con el correr de los años iría cambiando de época del año y ganando cada vez más espacio.

En octubre de 2009 sucedió una ruptura en el ámbito de la realización de recitales. A causa de las recurrentes quejas de los vecinos por los problemas de los recitales (altos niveles de contaminación sonora, falta de seguridad, deterioro de la vía pública), elgobierno de la ciudad de Buenos Aires ordenó que se clausuraran varios estadios donde se solían realizar recitales:River Plate,GEBA,Club Ciudad,Obras,Club Hípico yDefensores de Belgrano.^[369]​ Esta medida planteó a los empresarios un nuevo la necesidad de buscar otros espacios para continuar con las actividades musicales. Los clubes mencionados hicieron diferentes reformas de infraestructura para ajustarse a las normas de aislamiento acústico, algunos volvieron a dar algunos recitales pero inmediatamente volvieron a ser cerrados. De modo que perdieron su regularidad y previsibilidad, y pasaron a ser otros los espacios principales en la escena.

Por otro lado, a partir de la reinauguración delEstadio Único de La Plata el 17 de febrero de 2011 cambiaron los escenarios elegidos por los empresarios para hacer los festivales y las visitas internacionales. Por un lado, el Único de La Plata era muy distinto a los estadios de fútbol argentinos hasta ese momento: presentaba una infraestructura moderna, cumpliendo las normas de los estadios de fútbol europeos, con amplio uso de elementos tecnológicos modernos como cámaras, además de ser el primer estadio techado del fútbol argentino.^[370]​ Pero, fundamentalmente, lo que terminó de convencer a los empresarios de realizar los recitales más importantes en el Único de La Plata en lugar de continuar haciéndolo en elEstadio de River Plate fue el tema de la seguridad y el problema de lasbarras bravas, que traía varios inconvenientes: perder dinero al otorgarle entradas gratis a los barras, liberación de molinetes, trapitos en las inmediaciones de las canchas, falta de prevención a episodios de violencia, y venta no autorizada de bebidas.^[371]​ A raíz de estos factores, los empresarios empezaron a decantarse por espacios que no estuvieran en poder de clubes, sino que estuvieran bajo la órbita del gobierno municipal o provincial, como el mismo Estadio Único de La Plata, elEstadio Mario Alberto Kempes deCórdoba y elEstadio José María Minella deMar del Plata.^[372]​ El cambio en las tendencias se evidenció en los recitales de losRolling Stones en febrero de 2016: se realizaron en el Único de La Plata, siendo que en todas las anteriores visitas la banda había tocado en River; resulta que los organizadores de la gira de los Rolling Stones querían hacerlo en River, pero Grinbank los convenció de lo contrario al mostrarles videos del ataque congas pimienta en elSuperclásico de laCopa Libertadores 2015.^[373]​

En 2014 la escena argentina de festivales experimentó cambios drásticos. Por un lado, ya no se realizarán los festivalesPepsi Music yQuilmes Rock (que tuvieron sus últimas ediciones en 2013), por el otro, aparece elLollapalooza. Este fenómeno en particular fue analizado en una nota del 8 de marzo de 2014 en el diarioLa Nación, donde se advirtió la ausencia de anuncios para las ediciones del Pepsi y el Quilmes, que tradicionalmente ocupaban los espacios del otoño y la primavera.^[374]​ En la nota se reportaron los argumentos de los empresarios acerca de las dificultades para organizar los festivales: por un lado, en su entender la música quedaría opacada en un añomundialista, por el otro, la creciente inflación durante el gobierno deCristina Kirchner les dificultaba hacer planes.^[374]​ No obstante, los empresarios afirmaban que los cañones apuntaban a la segunda mitad del año, lo que sugería que el Pepsi y el Quilmes se harían en la primavera.^[374]​ Finalmente el Lollapalooza se realizó en el otoño, el espacio de la primavera fue ocupado por el Movistar Free y el Personal Fest, y el Pepsi y el Quilmes desaparecieron. Así en 2014 se comenzó a realizar en Argentina el mundialmente famosoLollapalooza, realizado una vez al año en dos jornadas que albergan la participación de músicos de la escena alternativa tanto nacionales (tales comoIKV,Eruca Sativa,Él Mato a un Policía Motorizado,Sig Ragga,Onda Vaga oBabasónicos) como internacionales (Robert Plant,Red Hot Chili Peppers,Nine Inch Nails,Soundgarden,Eminem, entre otros).

Durante 2015 se realizó la primera edición delRock en Baradero, segundo festival organizado en la ciudad (su antecesor fue el Baradero Rock) después de casi ocho años de no realizarse ningún evento similar allí. Desde entonces se consagró como el festival más importante de la provincia deBuenos Aires,^[375]​ contando con la participación de bandas comoAlmafuerte,Kapanga,La 25,Las Pelotas,Guasones, entre otros.

En 2007,Soda Stereo anunciósu regreso para una gira americana que incluyó seis fechas totalmente agotadas en Argentina, en elestadio River Plate. Aproximadamente un millón de personas presenciaron la gira, en países de Hispanoamérica y en Estados Unidos. En el citado año, Andrés Calamaro llenó dos veces el estadio Club Ciudad de Buenos Aires, congregando a 70 000 personas en dos noches. En esos conciertos presentó el álbumLa Lengua Popular.

Se produce una oleada de reuniones, varias bandas que se encontraban separadas deciden volver a juntarse, tal decisión tomaron tras la reunión de Soda los exintegrantes de losFabulosos Cadillacs.

Con respecto al punk argentino, uno de sus principales exponentes se volvió a reunir a cinco años de la muerte de su líder. Así,Flema volvió en 2007 a los escenarios, manteniéndose en actividad hasta la actualidad. Por otro lado, 2011 es el año en que Los Violadores deciden disolverse definitivamente. De todas formas, en 2015 anuncian un regreso con su formación original.^[376]​

Estas separaciones y reuniones se hicieron presentes también en el rock barrial de los '90. En el año 2008, Intoxicados (una de las bandas más importantes de la década del 2000) comenzó a disolverse, dando fin a su carrera en la edición de 2009 del Cosquín Rock (aunque ya la mitad de la banda no estaría presente en dicha presentación).^[378]​ Jóvenes Pordioseros se aleja de los escenarios en 2008, aunque en 2011 vuelve al ruedo con una formación diferente de la que contaba al momento de su separación. A fines de 2008Ciro Pertusi (líder deAttaque 77) propuso un descanso de la banda por un año. Esa propuesta fue denegada por los tres integrantes restantes por lo que el 18 de marzo de 2009 (mismo día en el que cumplía 41 años)Pertusi anunció su desvinculación de la banda. El 30 de mayo de 2009 se produjo la separación deLos Piojos. Su último concierto se hizo ante 70 000 personas en el estadio de River con un show que repasó toda la historia del grupo por más de tres horas. Por otra parte, Ratones Paranoicos, fundadores de la música stone argentina, dio a conocer la noticia de su separación definitiva en agosto de 2011.^[379]​

En 2010, luego de varias controversias arrastradas desde la tragedia de Cromañon, Callejeros comienza a disolverse. A partir de la salida de casi todos los miembros, su bajista y su líder deciden fundarCasi Justicia Social, grupo que contaba con los músicos reemplazantes del Callejeros de su última etapa. A partir de entonces comenzaron a trabajar en nuevas canciones, y en 2014 (luego de un largo proceso judicial que mantuvo a los músicos de Callejeros privados de su libertad) el grupo fue renombrado comoDon Osvaldo, que ya cuenta con dos álbumes propios (Casi Justicia Social y Casi Justicia Social II).

Ya en 2011, los miembros de Bersuit Vergarabat deciden volver a juntarse luego de realizar una pausa en la carrera de la banda para dedicarse cada uno a distintos proyectos solistas. A la reunión no se sumó su líder Gustavo Cordera, quien decidió poner su carrera solista por sobre la nueva etapa de Bersuit.^[380]​ Este mismo año, otra banda exponente del rock fusión latinoamericano,Todos Tus Muertos, se disuelve a causa de la muerte de su guitarrista y fundador:Gamexane. No obstante, en 2015Fidel Nadal se reúne con los demás miembros de TTM y anuncian un regreso a los escenarios para 2016.^[381]​

Respecto del metal, luego de algunos largos períodos de separaciones, el grupoMalón realiza en 2011 su reunión definitiva, reunión que los mantiene en actividad hasta el presente.^[382]​

El 30 de octubre de 2012 se presentóLa Tolva (junto al músico dejazzOmar Garayalde y el músico detangoWalter Slongho) en laBase Marambio,Antártida Argentina, como parte de la campaña de promoción para la creación delINAMU y la sanción de la Ley de Música.^[383]​ El rock argentino volvía a tocar enAntártida después de una ausencia de 12 años, desde el recital deLeón Gieco como parte del festival Argentina En Vivo 2000.

Para principios de la década de 2010, ya se notaba un cambio generacional en la escena del rock en Argentina: bandas como Carajo ya se asentaban férreamente en la escena nacional, bandas como Eruca Sativa y El Bordo consolidan su lugar con públicos cada vez más sólidos,^[384]​ y comienzan a aparecer nuevos grupos comoDudosa Moral,Sygma,Placton en el norte de la Provincia de Buenos Aires.^[385]​

Uno de los problemas que venía arrastrándose desde lahiperinflación de 1989-90 era que los grandes sellos discográficos preferían quedarse con los artistas consagrados, en lugar de apostar por artistas emergentes poco conocidos.^[271]​ Esto llevaba a que, desde aquella época, hubiera cierto estancamiento al menos en las escenasmainstream ypop de Argentina, y que fueran bastante lentos los movimientos de recambio generacional, como ascensos de nuevos grupos y solistas. Las bandas delrock barrial, por ejemplo, se habían consagrado en popularidad masiva en los '90 a pesar de las grandes discográficas, no gracias a ellas.^[386]​

Debido a esta situación, un sector importante de la escena del rock argentino apoyó el proyecto deLey de Servicios de Comunicación Audiovisual (conocida popularmente como"ley de medios"), propuesta en 2009. Uno de los sectores que más estuvo al frente del activismo por la aprobación de la ley fue laUnión de Músicos Independientes (UMI),^[387]​ fundada en 2001 y que tenía como presidente al músicoCristian Aldana (guitarrista de la banda derock alternativoEl Otro Yo). El UMI también apoyaría otras medidas de la época relacionadas con la actividad musical^[388]​ hasta el año 2016, cuando la condena de Cristian Aldana a 22 años de prisión efectiva por abuso sexual agravado y corrupción de al menos cuatro menores de edad, hizo caer en el descrédito no sólo a Aldana sino también a su banda (que entró en receso por tiempo indefinido) como a la UMI que nombró un nuevo presidente pero, poco a poco fue cesando su actividad.

Entre los motivos que despertaban esperanzas por La Ley de Medios estaba que su artículo 65 establecía que el 30% de la música transmitida en las radios debería ser nacional, y de ese porcentaje la mitad debería ser de música independiente.^[387]​

Sin embargo, el proyecto de ley no estuvo exento de polémicas y rechazos: hubo sectores que interpretaron que su verdadera intención no era democratizar los medios, sino destruir el poder delGrupo Clarín, y otorgarle al gobierno nacional el poder para silenciar las críticas de los medios.^[389]​ A pesar de ello, la ley fue aprobada el 10 de octubre de 2009 pero nunca llegó a tener plena vigencia debido a sucesivos planteos de inconstitucionalidad y medidas cautelares que postergaron su aplicación durante más de cuatro años. El 29 de octubre de 2013, laCorte Suprema de Justicia dictó un fallo en el que determinó la constitucionalidad de la ley, pero no fue claro respecto a los requsitos que debían cumplir los grupos mediáticos para sus planes de desinversión. Esta falta de claridad motivó nuevos planteos y medidas cautelares que continuaron impidiendo la aplicación plena de la ley. El Estado argentino intentó iniciar de oficio un plan de desinversión no voluntario alGrupo Clarín pero este intento fue frenado por la Justicia por la Sala I de la Cámara Nacional de Apelaciones en lo Civil y Comercial Federal, que medante sentencia del 19 de febrero de 2015 suspendió el procedimiento y mantuvo la medida cautelar vigente a favor del grupo. Finalmente, sus puntos centrales, entre ellos los artículos que regulaban la venta de licencias, fijaban topes a la cantidad de las mismas que puede poseer un grupo de medios y establecían restricciones a la propiedad privada, fueron derogados por un decreto de necesidad y urgencia del presidenteMauricio Macri en diciembre de 2015, a pocos días del alejamiento del kirchnerismo del poder. La derogación de estos puntos fue finalmente confirmada por Ley del Congreso el 6 de abril de 2016, con el voto de todos los legisladores deCambiemos más el apoyo de distintos sectores del peronismo, como los que respondían aJosé Manuel de la Sota y aSergio Massa.

Así, diez años después de su sanción, quedaba muy poco en pie del proyecto original de la Ley de Medios.^[389]​ El candidato a presidenteAlberto Fernández, que había sido uno de los pocos miembros delkirchnerismo que se habían opuesto a la ley, argumentó en una nota conTiempo Argentino que el fracaso de la iniciativa se debió a que lasorganizaciones sin fines de lucro no tienen la capacidad para manejar proyectos comerciales:

Si el Grupo Clarín, como consecuencia de esto, tiene alguna posición dominante o alguna posición para-monopólica o cuasi-monopólica, se resuelve con las leyes de Defensa de la Competencia y de Defensa del Consumidor. Y esas son las leyes que tenemos que utilizar para ver si el Grupo Clarín incumple algunas de esas cosas. Pero no se resuelve eso con la ley de Medios. La Ley de Medios puede ser una gran herramienta si es que queremos multiplicar voces, y si queremos promover algo que, recuerdo, en esencia es un negocio. Porque ese fue uno de los errores de la Ley. Cuando la Ley dice que un tercio del espectro debe estar en manos de ONGs y de entidades sin fines de lucro. Porque no podés dejar en manos de una entidad sin fines de lucro un proyecto comercial. No es posible eso. (...)
El error es pensar que puede una ONG tener una radio y competir con una radio que tiene una capacidad de contratación de locutores, de periodistas, de músicos, infinitamente mayor. Porque entonces nosotros creamos dos radios pero hay una que concentra la atención del público. Eso es el resultado de no advertir que los medios de comunicación son negocios. En la sociedad moderna son un negocio. (...) La ley de Medios no sirvió para aquello que quería servir.

Alberto Fernández, 26 de mayo de 2019.^[390]​

En 2006, muchos solistas se consagraron comoAndrés Calamaro (quien grabó durante este año un disco en compañía deLitto Nebbia), quien recibió la consagración definitiva por su carrera, lanzó dos álbumes, grabó dos discos tributo, brindó recitales repletos de público, se reunió conAriel Rot como homenaje aLos Rodríguez, fue invitado por elIndio Solari a compartir escenario en un recital de La Plata, y ganó elGardel de oro y otros homenajes durante esos años.^[391]​^[392]​

Por otra parte, 2006 fue el año del retorno discográfico deGustavo Cerati, con su trabajoAhí Vamos. El nuevo disco fue un gran éxito para Cerati, dándole numerosos premios y nominaciones a lo largo del continente, como lo fueron sus premiosGrammy Latino alMejor álbum 2006,Mejor canción 2006 (Crimen) yMejor canción 2007 (La excepción); su premioMTV Video Music Awards Latinoamérica alMejor artista sur 2006; sus premiosRock & Pop Awards alMejor solista nacional 2006 yMejor cantante nacional 2006; su premio en la encuesta delsuplemento Sí! deldiario Clarín alSolista del año 2006; sus premiosPremios Carlos Gardel 2007 alÁlbum del año,Mejor álbum de rock,Canción del año (Crimen) que también fueInterpretación del año yVideoclip del año; y el Premio Carlos Gardel 2008 alMejor DVD del año (Ahí Vamos Tour). ConAhí Vamos llegó la consagración internacional definitiva de Cerati como solista, que hasta entonces no había conseguido despegarse de la imagen deSoda Stereo, y le dio una solidificación y consolidación como uno de los mejores solistas de la historia del rock nacional.^{[cita requerida]}

En el 2009, se produce la vuelta deCharly García, luego de un encierro largo debido a sus problemas de adicción, vuelve a los escenarios de Hispanoamérica.

Luego de un mes del regreso de Charly García en Vélez,Luis Alberto Spinetta hace un megarecital tituladoSpinetta y las Bandas Eternas, en donde durante más de cinco horas tocó con todas las bandas que tuvo a lo largo de su carrera:Almendra,Pescado Rabioso,Spinetta Jade,Invisible ySpinetta y los Socios del Desierto, así como con los principales músicos a nivel local, incluyendo a Charly García, Fito Páez, Gustavo Cerati y Pedro Aznar. Dicho recital fue considerado posteriormente como el «Recital de la Década», y quizá el más importante de la historia del rock argentino.

A partir de 2010 el Indio Solari experimentó un crecimiento exponencial en la asistencia a sus recitales en los siguientes años, batiendo cada año sus propios récords personales. Comenzó en su recital del 13 de noviembre de 2010 en el Hipódromo deTandil, siendo su único show en el año, en el cual batió su récord personal de cantidad de público hasta ese momento, con 80.000 espectadores.^[393]​^[394]​

En 2011 el Indio realizó tres recitales en el marco de la presentación deEl perfume de la tempestad. El 26 de marzo en elEstadio Padre Ernesto Martearena deSalta (35.000 personas),^[395]​ el 3 de septiembre en elAutódromo Eusebio Marcilla deJunín (100.000 personas, batiendo su récord personal)^[396]​ y el 3 de diciembre en elHipódromo de Tandil (80.000 personas).^[397]​