El arte goza hoy en día de una amplia red de estudio, difusión y conservación de todo el legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia. Durante el siglo XX han proliferado las instituciones, fundaciones, museos ygalerías, de ámbito público y privado, dedicados al análisis y catalogación de lasobras de arte, así como suexposición a un público mayoritario. El auge de losmedios de comunicación ha sido fundamental para el mejor estudio y divulgación del arte.
Elarte prehistórico es el desarrollado por elser humano primitivo desde laEdad de Piedra (Paleolítico superior,Mesolítico yNeolítico) hasta laEdad de los Metales, periodos donde surgieron las primeras manifestaciones que se pueden considerar como artísticas por parte delHomo sapiens. Durante el Paleolítico (25 000-8000 a. C.), los seres humanos se mantenían principalmente gracias a la caza y a la recolección y habitaban encuevas, en algunas de las cuales desarrollaron la llamadapintura rupestre. Tras un periodo de transición (Mesolítico, 8000-6000 a. C.), en el Neolítico (6000-3000 a. C.) el ser humano se volvió sedentario y se dedicó a laagricultura, con sociedades cada vez más complejas donde fue cobrando importancia lareligión, y comenzó la producción de piezas deartesanía. Por último, en la llamadaEdad de los Metales (3000-1000 a. C.), surgieron las primerascivilizacionesprotohistóricas.
En laprehistoria surgieron las primeras formas rudimentarias demúsica ydanza: diversos fenómenos naturales y la modulación de la propiavoz humana hicieron ver al hombre primitivo que existían sonidos que resultabanarmónicos ymelodiosos, y que afectaban a las emociones, alestado anímico de las personas. Al tiempo, la danza, el movimientorítmico, supuso una forma de comunicación corporal que servía para expresar sentimientos, o para ritualizar acontecimientos importantes (nacimientos,defunciones,bodas). En principio, música y danza tenían un componenteritual, celebrados en ceremonias defecundidad,caza oguerra, o de diversa índole religiosa. Pronto el ser humano aprendió a valerse de objetos rudimentarios (huesos,cañas,troncos,conchas) para producir sonidos, mientras que la propiarespiración y loslatidos delcorazón sirvieron para otorgar una primeracadencia a la danza.[4]
La última fase prehistórica es la llamadaEdad de los Metales, pues la utilización de elementos como elcobre, elbronce y elhierro supuso una gran transformación material para estas antiguas sociedades. A finales del Neolítico y durante el llamadocalcolítico surgió elmegalitismo, monumentos funerarios en piedra, destacando eldolmen y elmenhir, o elcromlechinglés, como en el magnífico conjunto deStonehenge. EnEspaña se formó la cultura deLos Millares, caracterizada por lacerámica campaniforme y las representaciones humanas de figuras esquemáticas de grandes ojos. EnMalta destacó elconjunto de templos de Mudajdra, Tarxien y Ggantija. En lasislas Baleares se desarrolló una notable cultura megalítica, con diversas tipologías de monumentos: lanaveta, tumba en forma depirámide truncada, con cámara funeraria alargada; lataula, dos grandes piedras colocadas una vertical y otra encima horizontal; y eltalayot, torre con una cámara cubierta de falsacúpula.[6]
En laEdad del Hierro destacaron las culturas deHallstatt (Austria) yLa Tène (Suiza). La primera se dio entre los siglos VIII a. C. yV a. C., caracterizada por lasnecrópolis con tumbas de túmulo, con cámara mortuoria de madera en forma de casa, a menudo acompañada de un carro de cuatro ruedas. La cerámica erapolícroma, con decoracionesgeométricas y aplicaciones de adornosmetálicos. La Tène se desarrolló entre los siglos V a. C. yI a. C., ligada a la culturacelta. Destacó por sus objetos en hierro (espadas,lanzas,escudos,fíbulas), con diversas fases de evolución (La Tène I, II y III), que al final de esta era recibió las influenciasgriega,etrusca y delarte de las estepas.[7]
Se denomina así a las creaciones artísticas de la primera etapa de lahistoria, iniciadas con la invención de laescritura, destacando las grandes civilizaciones delPróximo Oriente:Egipto yMesopotamia. También englobaría las primeras manifestaciones artísticas de la mayoría de pueblos y civilizaciones de todos loscontinentes. En esta época aparecieron las primeras grandesciudades, principalmente en cuatro zonas delimitadas por grandes ríos: elNilo, elTigris y elÉufrates, elIndo y elrío Amarillo.
Elarte mesopotámico se desarrolló en la zona comprendida entre los ríosTigris yÉufrates (actualesSiria eIrak), donde desde elIV milenio a. C. se sucedieron diversas culturas como lossumerios,acadios,amorritas,asirios,caldeos, etc. Laarquitectura se caracteriza por el empleo delladrillo, con un sistemaadintelado y la introducción de elementos constructivos como elarco y labóveda. Destacan loszigurats, grandestemplos de forma escalonada piramidal, de los que prácticamente no nos han llegado vestigios, excepto algunos basamentos. La tumba solía ser de corredor, con cámara cubierta de falsacúpula, como algunos ejemplos hallados enUr. También destacaron lospalacios, conjuntos amurallados con un sistema de terrazas a modo de zigurat, otorgando gran importancia a las zonas ajardinadas (losjardines colgantes de Babilonia son una de lassiete maravillas del mundo antiguo).
La escultura se desarrolló entalla exenta orelieve, en escenas religiosas o de caza y militares, con la presencia de figuras humanas y animales reales omitológicos. En época sumeria se dieron pequeñas estatuas de formas angulosas, con piedra de color o pasta en los ojos, en figuras sin cabello, con las manos en el pecho. En el periodo acadio son figuras con cabello y larga barba, destacando la estela deNaram-Sin. De la etapa amorrita (o neosumeria) destacan las representaciones del reyGudea deLagash, con manto y turbante y las manos nuevamente sobre el pecho. En el dominio babilónico cabe mencionar la famosa estela deHammurabi. De la escultura asiria destacan las figurasantropomórficas detoros o genios alados, que flanqueaban las puertas de los palacios, así como los relieves con escenas de guerra o caza, como elObelisco negro deSalmanasar III.[9]
Con la aparición de la escritura surgió la literatura, como medio de expresión de la creatividad del ser humano. En laliteratura sumeria destaca elPoema de Gilgamesh, del siglo XVII a. C. Se escribieron una treintena de mitos sobre las divinidades sumerias y acadias más importantes, entre los que destacan: el descenso deInanna a losinfiernos y los generados en torno a los diosesEnki yTammuz. Otra muestra de relevancia es el poemaLugal ud melambi Nirpal (Los trabajos de Ninurta), cuyo contenido es de tipodidáctico ymoral. En época acadia destaca elAtrahasis, sobre el mito deldiluvio. En laliteratura babilónica es de remarcar el poemaEnûma Elish, sobre la creación del mundo.[10]
La música se desarrolló en esta región entre el IV y elIII milenio a. C., en rituales de los templos sumerios, donde se cantabanhimnos osalmos (ersemma) a los dioses. El cantolitúrgico estaba compuesto deresponsorios —canto alternado entresacerdotes ycoro— yantífonas —canto alternado entre dos coros—. Tenían varios instrumentos, como eltigi (flauta), elbalag (tambor), lalilis (precursor deltimbal), elalgar (lira), elzagsal (arpa) y laadapa (pandero).[11]
EnEgipto surgió una de las primeras grandes civilizaciones, con obras de arte elaboradas y complejas que suponen ya una especialización profesional por parte del artista/artesano. Su arte era intensamente religioso y simbólico, con un poderpolítico fuertemente centralizado y jerarquizado, otorgando una gran relevancia al concepto religioso de inmortalidad, principalmente delfaraón,[nota 1] para el que se construyen obras de gran monumentalidad. Iniciado alrededor del 3000 a. C., el arte egipcio perduró hasta la conquista deAlejandro Magno, si bien su influencia persistió en elarte copto ybizantino.
La escultura y la pintura muestran las representaciones de formafigurativa, generalmente con gran rigidez y esquematización. En laescultura egipcia comenzó a representarse a faraones y dioses ya en las primeras dinastías, alcanzándose durante la IV Dinastía el dominio absoluto de la técnica en elegantes representaciones de porte majestuoso con acabados pulidos en materiales tan duros como elgranito o ladiorita. Predominaba la ley de la frontalidad y el hieratismo, con formas tendentes a la geometrización, dado su carácter simbólico como manifestaciones de la vida ultraterrena. También destacan losushebti, pequeñas figurillas de tierra cocida o madera, de mayor realismo que la escultura funeraria, representando escenas cotidianas.
Lapintura se caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en planos superpuestos. Las imágenes se representaban con criterio jerárquico, por ejemplo: el faraón tiene un tamaño más grande que los súbditos o los enemigos que están a su lado. Predominaba elcanon de perfil, que consistía en representar la cabeza y las extremidades de perfil pero los hombros y los ojos de frente. En Egipto se desarrollaron notablemente lasartes aplicadas, especialmente laebanistería y laorfebrería, con magníficos ejemplos como los muebles decedro contaraceas deébano ymarfil de las tumbas deYuya y Tuyu (Museo Egipcio de El Cairo), o las piezas halladas en la tumba deTutankamon, de gran calidad artística.[12]
Laliteratura egipcia fue la primera en desarrollar un formato literario tal y como lo conocemos hoy en día: ellibro.[13] Una de sus mejores manifestaciones es laHistoria de Sinuhé, un servidor deSesostris I, cuyo relato data de mediados del siglo XX a. C. Posteriormente destaca elLibro de los muertos, escrito en elPapiro de Ani, datado hacia el siglo XIII a. C. La música egipcia era principalmente de signo religioso, con un gran protagonismo del canto vocal, desarrollando un ciclo anual de festividades cada una de las cuales tenía su música correspondiente —hecho que pasó a la liturgiajudía ycristiana—. Entre sus instrumentos figuraban elsistro, elser (pandero), elben (arpa), laseba (flauta), elsneb (trompeta) y elmet (clarinete). Al parecer, tenían también un tipo deórgano hidráulico, y en la tumba de Tutankamon se encontraron dos trompetas deplata.[14]
En una evolución paralela a la de los pueblos neolíticos europeos, los antiguoscazadores-recolectores se iniciaron en la agricultura en torno alVII milenio a. C. —especialmente elmaíz—, surgiendo las primeras sociedades en las tierras altas deMéxico, donde se observa el predominio de una casta sacerdotal, con grandes conocimientos enmatemáticas yastronomía. Los primeros hallazgos artísticos son de alrededor del 1300 a. C. en Xochipala (estado de Guerrero), donde se hallaron unas estatuillas de arcilla de gran vivacidad. La primera gran civilizaciónmesoamericana fue laolmeca, localizada en un espacio que actualmente corresponde a las provincias deVeracruz yTabasco, donde destacan las esculturas de piedra, de gran naturalismo (Luchador, hallado en Santa María Uxpanapán), o las colosales cabezasmonolíticas de hasta 3,5 metros de altura. Loszapotecas, establecidos enOaxaca, construyeron el magnífico conjunto de la Ciudad de los Templos, en elMonte Albán. EnAmérica del Norte destacaron las culturasHohokam,Mogollón yAnasazi.
EnPerú está documentada la construcción de grandes templos antes incluso de la invención de lacerámica, en elIII milenio a. C. (Sechín Alto,Kuntur Wasi). DestacaChavín de Huántar (900 a. C.), complejo religioso construido en diversas fases, con una estructura en forma de U, con una plaza embaldosada con losas en relieve con figuras dejaguares y animales mitológicos, templo edificado sobre tres pisos de galerías, y un monolito central de granito blanco de 4,5 metros de altura. En esta región surgió una notableindustria textil, quizá la primera del mundo, hilada contelar con hilos de casi 200 colores distintos, destacando especialmente los mantos delana deParacas. Otras culturas remarcables de la región fueron lamoche y lanazca —con sus enigmáticosgeoglifos de Nazca—. En la zona delAmazonas destacó lacultura barrancoide, con una cerámica de diseños incisos, así como lacultura San Agustín enColombia.[15]
Elarte africano ha tenido siempre un marcado carácter mágico-religioso, destinado más a ritos y ceremonias de las diversas creenciasanimistas ypoliteístas africanas que no a fines estéticos, aunque también hay producciones de signoornamental. La mayoría de sus obras son de madera, piedra o marfil, en máscaras y figuras exentas de carácter más o menos antropomórfico, con un típico canon de gran cabeza, tronco recto y miembros cortos. También se producían cerámica, joyería y tejidos, así como objetos demetalurgia —el hierro era conocido desde el siglo VI a. C.—. La primera producción de cierta relevancia fue lacultura Nok, en elI milenio a. C., situada en el norte de la actualNigeria. Destacan las esculturas deterracota, con figuras humanas —a veces sólo la cabeza— o de animales (elefantes,monos,serpientes), de gran sentido naturalista, mostrando expresiones faciales de signo individualizado, con diversos peinados, a veces concollares ybrazaletes. EnSudán se desarrollaron las culturaskerma ymeroe, caracterizadas por sus monumentales construcciones enbarro, sus armas y su cerámica. EnEtiopía destacó la ciudad deAksum, centro de un reino que alcanzó su apogeo en el siglo IV. Con una notable cultura —desarrollaron una escritura en lenguage'ez, y crearon un sistemamonetario—, son de destacar susestelas en forma depilares monolíticos, de carácter funerario, de hasta 20 metros de altura.[16]
Elarte indio tiene un carácter principalmentereligioso, sirviendo como vehículo de transmisión de las distintas religiones que han jalonado laIndia:hinduismo,budismo,islamismo,cristianismo, etc. También hay que destacar como rasgo distintivo del arte indio su afán de integración con lanaturaleza, como adaptación al orden universal, teniendo en cuenta que la mayor parte de elementos naturales (montañas,ríos,árboles) tienen para los indios un carácter sagrado.
Cultura delIndo: la primera gran civilización india se desarrolló entre el siglo XXVI a. C. y el siglo XIII a. C., conocida hoy día por las excavaciones realizadas en 1920 porsir John Marshall enMohenjo-Daro, antigua ciudad que en sucesivos emplazamientos muestra una planificada urbanización, con edificios públicos construidos en ladrillos de barro cocido. De igual importancia son las excavaciones realizadas enHarappa, con restos decerámica,escultura y útiles de metal (oro,plata,cobre ylatón).[17]
Período védico (siglosXIII-VI a. C.) ypremauria (siglos VI-III a. C.): en esta etapa se introdujeron los pueblosarios, apareciendo las religiones tradicionales indias. En el siglo VI a. C. aparecieron elbudismo y eljainismo, estableciéndose estrechos lazos con elarte persa. La expedición a la India deAlejandro Magno (326-325 a. C.) abrió contacto con elarte helenístico griego, plasmado en las formasgrecobudistas.
Arte maurya (siglosIII-II a. C.): la dinastíaMaurya, de religión budista, ocupó todo el curso medio delIndo y la parte central de la península delDeccán. La arquitectura de piedra sustituye al ladrillo, como en el Palacio deAśoka enPātaliputra. El monumento característico de este periodo es lastūpa,túmulo funerario de carácter conmemorativo, generalmente recubierto de relieves con escenas de la vida deBuda, como la Stūpa deSānchi.
Arte de Gandhāra (siglos II a. C.-I d. C.): el arte deGandhāra es de tradición grecobudista, con influencia helenística ysasánida, destacando por la representación directa de la imagen de Buda. Evolucionó la tipología de la stūpa, que es con cúpula sobre un altotamborcilíndrico colocado sobre una base cuadrada, como el de Kanisha, enPeshawar.
Arte de Mathurā y Amarāvatī (siglos I-IV): en la ciudad deMathurā, situada en la cuenca superior delGanges, se desarrolló una importante escuela artística que se difundiría por el resto de la India e influenciaría al artegupta. El estilo Mathurā mezclaba elementos tradicionales indios con motivos grecorromanos, sin embargo nos han llegado pocas representaciones de este periodo debido a la destrucción producida por la invasiónislámica. El arte deAmarāvatī también tiene influencia grecorromana, como lo demuestra los restos hallados en Virapatnam (Pondicherry). Al igual que los estilos anteriores, sus obras principales son monasterios y stūpas, destacando la gran stūpa de Amarāvatī, de 50 metros de altura.[18]
Laliteratura india comenzó alrededor del 2500 a. C., escrita ensánscrito. Su primera manifestación fue la literatura védica (deveda, ‘verdad’), con escritos centrados en la religión y la guerra, con un tono poético y evocador de un mundo mágico. Se divide en tres grupos:losSamjitas (o ‘colecciones’, que incluyen el propioRigveda (himnos litúrgicos de tema mitológico, con un lenguaje poético y de exaltación de la naturaleza);losBrāhmaṇa, también de carácter litúrgico, pero de signo másesotérico, incluyendo losUpaṇiṣad, escritos sobre doctrinas secretas que suponen la primera obra de tipofilosófico en la India;y losSutra, series deaforismos sobre religión,gramática, filosofía y otros aspectos delbrahmanismo. En un período posvédico (hacia el siglo III a. C.) surgen los grandes poemasépicos indios:elMajabhárata es la tercera obra literaria más extensa del mundo, con doscientos milversos recopilados en dieciocho libros (donde destaca elBhagavad-gītā), sobreleyendas yepopeyas de lamitología hindú, pero con un fuerte trasfondo filosófico y moral; yelRamaiana, obra deValmiki, nueva síntesis de poesía y epopeya con elementosteológicos y filosóficos.[19]
El teatro indio tiene su origen en elNāṭya-śāstra, libro sagrado deBrahma comunicado a los hombres por elrishiBharata Muni, donde se habla decanto,danza ymímica. Generalmente, la temática es de signo mitológico, sobre las historias de los dioses y héroes indios. La representación es básicamenteactoral, sindecorados, destacando únicamente elvestuario y elmaquillaje. Había diversas modalidades:Śakuntalā, de siete actos;Mricchakaṭikā, de diez actos. Comodramaturgos destacaronKālidāsa yŚūdraka.[20]
Lamúsica india tiene un fuerte selloecléctico debido a la multiplicidadétnica de los diversos pueblos que fueron llegando al subcontinente índico: losvedas tenían melodías únicamente de dos notas; losdrávidas tenían músicas y danzas más elaboradas, relacionadas con cultos a la fertilidad; los protomediterráneos introdujeron nuevos instrumentos, como elmagudhi, la famosa flauta de los encantadores de serpientes; losarios introdujeron los himnos religiosos en losVedas. ElṚig vedá («himnos vedas») deja constancia de tres tipos de entonaciones:udatta (aguda),anudatta (grave) ysvarita (media). ElSāma Vedá («cantos vedas») pasó de cinco a siete notas, usando generalmente untetracordio en las melodías vocales, que aún perdura en zonas delHimalaya.[21]
Elarte chino ha tenido una evolución más uniforme que el occidental, con un trasfondo cultural y estético común a las sucesivas etapas artísticas, marcadas por sus dinastías reinantes. Como la mayoría del arte oriental tiene una importante carga religiosa (principalmentetaoísmo,confucianismo ybudismo) y de comunión con la naturaleza. Al contrario que enOccidente, los chinos valoraban por igual lacaligrafía, lacerámica, laseda o laporcelana, que la arquitectura, la pintura o la escultura, a la vez que el arte está plenamente integrado en su filosofía y cultura.
Dinastía Shang (1600-1046 a. C.): destacó por sus objetos y esculturas enbronce, especialmente vasijas decoradas en relieve y máscaras y estatuas antropomórficas, como las halladas en la zona deChengdu, en el altoYangtsé, de alrededor del 1200 a. C. Se han encontrado restosarqueológicos de varias ciudades en la zona deHenan, amuralladas y con una retícularectangular, como enZhengzhou yAnyang. En estos asentamientos se han hallado igualmente tumbas con ricosajuares de armas, joyas y diversos utensilios en bronce,jade,marfil y otros materiales.
Dinastía Zhou (1045-256 a. C.): evolucionando desde el arte Shang, los Zhou crearon un estilo decorativo y ornamentado, de figuras estilizadas y dinámicas, continuando el trabajo en cobre. Una invasiónnómada en 771 a. C. fragmentó el imperio en pequeños reinos, periodo en el que sin embargo florecieron la agricultura y la metalurgia, apareciendo diversos estilos artísticos locales en el llamadoPeriodo de los Reinos Combatientes. Aparecieron el taoísmo y el confucianismo, que influenciarían enormemente al arte. Destacó el trabajo en jade, decorado en relieve, y apareció lalaca.
Dinastía Qin (221-206 a. C.): unificada China bajo el reinado deQin Shi Huang, se construyó laGran Muralla para evitar invasiones exteriores, con 2400 kilómetros de longitud y una media de 9 metros de altura, con torres de guardia de 12 metros de altura. Destaca el gran hallazgo arqueológico delEjército de terracota deXian (210 a. C.), situado en el interior delMausoleo de Qin Shi Huang. Está compuesto por cientos de estatuas deterracota de guerreros a medida natural, incluidos varioscaballos ycarros, con gran naturalismo y precisión en lafisonomía y los detalles.
Dinastía Han (206 a. C.-220 d. C.): época de paz y prosperidad, se introdujo el budismo, que tuvo una implantación lenta pero progresiva. Destacó por suscapillas funerarias, con estatuas aladas deleones,tigres ycaballos. La pintura se centró en temas de la corte imperial, nobles y funcionarios, con un sentido confucianista de la solemnidad y la virtud moral. También son de remarcar los relieves en santuarios y cámaras de ofrendas, generalmente dedicados a motivos confucianistas, en un estilo lineal de gran simplicidad.
Periodo de las Seis dinastías (220-618): se difundió más ampliamente el budismo, construyéndose grandes santuarios con estatuas colosales de Buda (Yungang,Longmen). Junto a esta nueva religión, y gracias a laRuta de la Seda, se recibieron diversas influencias procedentes del oeste asiático. En pintura se formularon losseis principios, enunciados porXie He a principios del siglo VI, y comenzó la caligrafía artística con la figura legendaria deWang Xianzhi.[22]
Laliteratura china se inició con obras de carácter religioso y filosófico, apareciendo entre los siglos X yV a. C. los llamadosCinco Clásicos: elLi-Ki, compendio de rituales y costumbres que fue posteriormente ampliado, llegando a los cien tomos; elI Ching, manual de adivinación basado en el significado deocho trigramas, atribuido al mítico emperadorFu Xi; elShu-king,crónica escrita en un lenguaje formal y ceremonioso que será típico de la producción literaria china; elShi King (El clásico de la poesía), recopilación de poemas; y elCh'uen-tsieu, primera crónica fechada (722-481 a. C.). En torno al siglo V a. C. surgieron las principales obras del pensamiento chino, grandes compendios de la filosofía y la moral: elLùn Yǔ (Analectas) deConfucio y elTao te king (Libro del Tao) deLao Tse. También tuvo mucha repercusiónEl arte de la guerra deSun Tzu. En época Han apareció un nuevo género, elfu, poesía de carácter didáctico asociada a una composición musical, mientras que en prosa destacó elShe-ki (Memorias históricas) deSsê Ma-ts'ien.[23]
Lamúsica china espentatónica (de cinco notas), al contrario que el sistemaheptatónico occidental (de siete notas). Del periodo predinástico hay constancia de varios instrumentos, como elch'ing (piedra sonora), elhsüan (flauta), elku (tambor) y elchun (campana). De época Shang es elShih Ching (Libro de los Cantos), que recoge creaciones musicales desde el 1600 hasta el 600 a. C. Durante la dinastía Zhou se sentaron las bases de la música tradicional china, recopiladas en elLü Shih Ch'un Ch'iu (Anales del Sr. Lü) deLü Buwei (239 a. C.): sobre un «tono base» (huang chung) procedente de una caña debambú, derivaron tonos más agudos cortando el tubo un tercio menor que el anterior, obteniendo las cinco notas: king, shang, chiao, chih, yü. Los principales instrumentos eran: elpien-ch'ing (carillones de piedra de jade), elpien-chung (campanillas), elsheng (órgano de tubos de bambú), elp'ai-hsiao (flauta pánica osiringa) y elch'in (cítara).[24]
Elarte japonés ha estado marcado por suinsularidad, aunque a intervalos ha ido recibiendo la influencia de las civilizaciones continentales, sobre todo deChina yCorea. Gran parte del arte producido enJapón ha sido de tipo religioso: a la religiónsintoísta, la más típicamente japonesa, formada alrededor del siglo I, se añadió elbudismo en torno al siglo V, forjando unsincretismo religioso que aún hoy perdura.
Período Jōmon (5000-200 a. C.): durante elMesolítico y elNeolítico se fabricaron instrumentos de hueso y piedras pulimentadas,cerámica y figuras antropomorfas. Japón se mantuvo aislado del continente, por lo que toda su producción fue autóctona, aunque de poca relevancia. Cabe señalar que la cerámica Jōmon es la más antigua producida por el ser humano, hecha a mano y decorada con incisiones o impresiones de cuerda.[25]
Período Yayoi (200 a. C.-200 d. C.): desde el siglo I a. C. empezó a introducirse la civilización del continente, a causa de las relaciones con China y Corea. En esa época se difundió un tipo desepulturas de gran tamaño con cámara ytúmulo ornamentado concilindros deterracota, con figuras humanas y de animales. La cerámica se producía contorno.
Período Kofun (200-600): destacan las grandes sepulturas de losemperadoresŌjin (200-310) yNintoku (310-399), donde aparecieron diversas joyas, armas, cerámica y unas figuras de terracota llamadashaniwa. En este período encontramos las primeras muestras depintura japonesa (tumbas deKyūshū, siglos siglo V d. C.-VI; enterramiento real de Otsuka). En cuanto a arquitectura religiosa, cabe destacar el templo de Isa.[26]
Laliteratura japonesa tiene una fuerte influencia china, debido sobre todo a la adopción de laescritura china. El testimonio más antiguo conservado es elKojiki (Relatos de cosas antiguas), especie de historia universal de corte mítico yteogónico. Otro testimonio de relevancia es elNihonshoki (Anales de Japón). La poesía está representada por elMan'yōshū (Colección de diez mil hojas),antología de poemas de diverso signo, con gran variedad temática y estilística, redactado por varios autores entre los que destacanŌtomo no Yakamochi yYamanoue no Okura.[27]
Lamúsica japonesa tuvo sus primeras manifestaciones en lashonkyoku («piezas originales»), que se remontan al siglo XIX a. C., así como elmin'yō, cancionesfolclóricas japonesas. Los ritos sintoístas tenían coros que recitaban un trino lento acompañado de flauta de bambú (yamate-bue) y cítara de seis cuerdas (yamato-goto). La principal modalidad de música y danza sintoísta es lakagura, sobre el mito deAmaterasu, diosa delsol. Se ejecuta con los instrumentos mencionados, y otros como elhichiriki (oboe) y tambores como elo-kakko y elo-daiko.[28]
Elarte oceánico está marcado por la multiplicidad de territorios insulares que jalonan elocéano Pacífico, destacando las islas deAustralia yNueva Zelanda, y tres principales áreas de islas yarchipiélagos:Polinesia,Melanesia yMicronesia. La primera cultura desarrollada en la zona fue lalapita (1500-500 a. C.), originada enNueva Caledonia y extendida porNueva Guinea y Polinesia occidental (islas Salomón,Vanuatu,Fiyi,Tonga ySamoa, principalmente). Se caracteriza por su cerámica decorada con motivos dentados hechos con peines o púas, así como objetos de obsidiana y conchas. Entre el 500 a. C. y el 500 d. C. continuó la colonización hacia Micronesia, Melanesia y Polinesia oriental (islas Sociedad,Marquesas,isla de Pascua,Hawái), aunque en estas primeras fases no se han hallado numerosos vestigios, excepto algunos utensilios y abalorios, principalmente de conchas. En Australia destacan las pinturas rupestres, que son bastante esquemáticas, llegando a la simplificación geométrica.[29]
Arte hitita: el pueblo hitita habitó en la península deAnatolia,Armenia ySiria, entre el III y elII milenio a. C. Recibió influencia mesopotámica y, a su vez, influenció alarte persa,minoico yetrusco. Su arquitectura era monumental, con palacios precedidos de avenidas con esculturas de esfinges, como enBoğazköy, donde aparecieron también diversos relieves con escenas de guerra y caza. También destacaron las esculturas deKarkemish yTell-Halaf (Siria).
Arte fenicio: pueblo de tradición marinera, dedicados principalmente al comercio, navegaron por todo el Mediterráneo y el norte de África, fundando la ciudad deCartago en la actualTunicia. Transmitieron la influencia del arte oriental por todo el Mediterráneo. Destacan sus esculturas, de influencia asiria y egipcia, con cierta rigidez arcaica y falta de naturalidad. El arte fenicio se dio también en distintas zonas del Mediterráneo, especialmenteChipre,Cerdeña eIbiza.
Arte escita: también llamado «arte de las estepas», es el correspondiente a los pueblos nómadas que habitaban las llanuras euroasiáticas, principalmente entre el II y elI milenio a. C. Su arte era preponderantemente mobiliar, fácil de transportar, al ser un pueblo nómada. Ligado a la metalurgia, destacan los objetos en bronce, hierro y metales preciosos (armas, escudos, fíbulas, cinturones, joyas), así como obras en madera, hueso,cuero, telas yalfombras. En sus obras destacan los motivos animalísticos, posiblemente de origentotémico. El arte escita influenció al de lospueblos germánicos,vikingos ypaleocristianos.
Arte ibérico: se desarrolló en lapenínsula ibérica coetáneamente a la cultura deLa Tène, principalmente enAndalucía y la zona delevante y, en menor medida, en laMeseta Central y el sur deFrancia. La arquitectura se basaba en los muros detapial, con sistema adintelado, realizando arcos y bóvedas falsas por aproximación de hiladas. Las ciudades se solían construir enacrópolis, como enAzaila,Ullastret yOlérdola. Se desarrolló notablemente la escultura, destacando la tipología de las «damas», como las deElche,Baza y elCerro de los Santos. También fue típica la representación de animales (caballos, toros, leones), algunos de carácter antropoide, como laBicha de Balazote.
Arte persa: enPersia se desarrolló una importante cultura bajo el reinado de dos importantes dinastías: laaqueménida (560-331 a. C.) y lasasánida (226-640 d. C.). La arquitectura persa aglutinó las formas mesopotámicas con las egipcias, empleando por primera vez la piedra en grandes palacios como los deSusa,Persépolis yPasargada, donde surgió por vez primera el uso de laventana —a diferencia de la iluminación cenital utilizada hasta entonces—, y donde destacan las grandes salas oapadanas, con columnas de gran altura ycapiteles de volutas. En época sasánida surgieron palacios (Ctesifonte,Firuzabad) con sistemas abovedados con cúpulas sobre trompas, y un pórtico oiwan con gran arco abierto a un patio, que influirá alarte islámico. En la escultura persa destacan los relieves, en piedra o cerámicaesmaltada, con escenas de guerreros, combates con monstruos o animales como toros y leones.[30]
Arte nabateo: pueblo de origensemítico que habitaron en la zonasirio-palestina entre los siglos VI yII a. C., destaca especialmente la ciudad dePetra, situada entre desfiladeros de montaña, donde se han hallado diversos templos, palacios y tumbas excavados en la roca, de estilo helenístico. Entre ellos destaca elJazneh Firaun («el tesoro del faraón»), con una monumental fachada conpronaoshexástilo yfrontón, y la parte superior con untholos redondo y dosedículos laterales con semifrontones.
Arte hebreo: loshebreos se instalaron enPalestina en el siglo XIII a. C. Recibieron la influencia del arte egipcio, fenicio y mesopotámico, así como del helenístico más adelante. De acuerdo a su religión se rechazaban las imágenes, por lo que la mayoría de su arte es ornamental. En arquitectura, hay testimonios de la gran magnificencia delTemplo de Jerusalén, que lamentablemente no ha llegado hasta nuestros días. Aparte de eso destacan lassinagogas, generalmente deplanta basilical y fachada tripartita, como en los templos sirios. En laliteratura hebrea destaca laBiblia (elTanaj oAntiguo Testamento, también llamadoTorá, «ley»), importante documento no solo religioso sino también literario, redactado entre los siglos X a. C. y II d. C. en diversos estilos y géneros (histórico, legendario, mitológico, poético, profético, sapiencial y epistolar). Posteriormente se redactaron laMishná, elTalmud y laCábala.[31]
Se denominaarte clásico[nota 2] al arte desarrollado en las antiguasGrecia yRoma, cuyos adelantos tanto científicos como materiales y de orden estético aportaron a la historia del arte un estilo basado en lanaturaleza y en elser humano, donde preponderaba laarmonía y el equilibrio, la racionalidad de las formas y los volúmenes, y un sentido de imitación («mímesis») de la naturaleza que sentaron las bases delarte occidental, de tal forma que la recurrencia a las formas clásicas ha sido constante a lo largo de la historia en la civilización occidental.
EnGrecia se desarrollaron las principales manifestaciones artísticas que han marcado la evolución del arte occidental. Tras unos inicios donde destacaron las culturasminoica ymicénica, el arte griego se desarrolló en tres periodos: arcaico, clásico yhelenístico. Caracterizado por el naturalismo y el uso de la razón en medidas y proporciones, y con un sentido estético inspirado en la naturaleza, el arte griego fue el punto de partida del arte desarrollado en el continente europeo.
Enarquitectura destacaron los templos, donde se sucedieron tres órdenes constructivos:dórico,jónico ycorintio. Eran construcciones en piedra, sobre unbasamento (krepis), con o sin pórtico (o con pórtico delante y detrás, es decir,anfipróstilo), con o sin columnas (que pueden ser frontales, laterales, o pueden rodear todo el edificio, en cuyo caso se denominaperíptero), y coronados generalmente en forma defrontón, situado por encima delentablamento, cuyofriso muestra habitualmente relieves escultóricos. Destaca especialmente el conjunto de laAcrópolis, con el templo dórico delPartenón y los jónicos delErecteión y laNiké Áptera. Otras obras de relevancia fueron elTeatro de Epidauro y laLinterna de Lisícrates, y se desarrolló elurbanismo de la mano deHipodamo de Mileto.
Enescultura predominó la representación del cuerpo humano, basado en la armonía de las proporciones. En época arcaica se dieron formas rígidas y esquemáticas, de gran expresividad, destacando por un tipo de sonrisa cercano a la mueca, llamada «sonrisa eginética» por tener su mayor representación en las figuras delTemplo de Afaia enEgina. También son típicos de esta época las estatuas deatletas desnudos (kouros) y de muchachas vestidas (kore). En el siglo V a. C. (el llamado «siglo de Pericles») se instauró el clasicismo, llevando a la perfección el canon en las proporciones del cuerpo humano, con mayor naturalismo y un estudio anímico en la expresión de la figura representada. Destacó especialmente la obra deMirón,Fidias yPolicleto. En una segunda fase clasicista, se rompió la serenidad naturalista en aras de enfatizar la expresión, que resulta más trágica y angustiosa, como percibimos en la obra deEscopas,Praxíteles yLisipo. Por último, en el periodo helenístico la proporción y la armonía dan paso al recargamiento y la sinuosidad, al dinamismo violento de la forma y la expresión patética del sentimiento, como en elLaocoonte y elToro Farnesio, si bien persisten las formas clásicas en obras como laVenus de Milo y laVictoria de Samotracia.
Lapintura se desarrolló sobre todo en lacerámica, en escenas cotidianas o de temática histórica o mitológica. Se suele establecer dos épocas, en función de la técnica utilizada en la confección de cerámica pintada: «figuras negras sobre fondo rojo» (hasta el siglo VI a. C.) y «figuras rojas sobre fondo negro» (desde el siglo VI a. C.). Aunque no han llegado numerosas muestras hasta la actualidad, se tiene constancia por fuentes históricas del nombre de varios famosos pintores griegos, comoZeuxis,Apeles,Parrasio,Eufranor,Polignoto, etc.[32]
Laliteratura griega alcanzó cotas de gran calidad, poniendo las bases de la literatura occidental. Se configuraron losgéneros literarios (épica,lírica ydramática), siendo la base argumental de sus obras lareligión y lamitología. Desde unos inicios de tradición oral (laepopeya), surgió la literatura escrita con el desarrollo delalfabeto griego alrededor del siglo VIII a. C.. Los mitos griegos eran una fusión de elementos indogermánicos y mediterráneos, con un particular sentido estético que daría origen a lapoesía. En origen, elmythos griego era una historia explicada, de tradición oral, considerándose fidedigna —al contrario que hoy, en que «mito» es sinónimo de leyenda, de ficción—; con la épica y la poesía, el mito pasó a la literatura, principalmente con la figura deHomero y sus dos grandes obras: laIlíada y laOdisea. La poesía destacó por una lírica coral que expresaba sentimientos colectivos, como se percibe en la obra deHesíodo,Píndaro,Safo yAnacreonte. También se desarrolló laprosa, sobre todo en el génerohistórico, destacandoHeródoto,Tucídides yJenofonte; laoratoria, representada porDemóstenes,Platón yAristóteles; y lafábula, practicada porEsopo.[33]
En Grecia nació elteatro entendido como «arte dramático», donde junto a un texto —donde predomina eldiálogo, base de la representación escénica—, intervienen también los actores, laescenografía, las luces y efectos de sonido, el vestuario, el maquillaje, etc., mientras que es esencial la presencia de un público que contempla el espectáculo. Elteatro griego evolucionó de antiguos rituales religiosos (komos); el ritual pasó a mito y, a través de la «mímesis», se añadió la palabra, surgiendo latragedia. A la vez, el público pasó de participar en el rito a ser un observador de la tragedia, la cual tenía un componente educativo, de transmisión de valores, a la vez que de purgación de los sentimientos («catarsis»). Más adelante surgió lacomedia, con un primer componente desátira y crítica política y social, derivando más tarde a temas costumbristas y personajes arquetípicos. Apareció entonces también lamímica y lafarsa. Los principales dramaturgos griegos fueron:Esquilo,Sófocles yEurípides en tragedia, mientras que en comedia destacaronAristófanes yMenandro.[34]
Lamúsica griega nos es desconocida a nivel auditivo, tan sólo tenemos idea de cómo podía ser por documentos escritos. Los griegos escribían música con las letras del alfabeto, pero no se sabe cuánto duraba cada nota, por lo que se desconoce el ritmo. Una de las primeras modalidades fue elditirambo, relacionado con el culto aDioniso. El teatro y las narraciones épicas eran cantados, aunque al perderse las anotaciones musicales han quedado como documentos escritos. En Grecia fue la primera vez en la historia que se estudió la música de forma científica:Pitágoras la relacionó con las matemáticas, y se escribieron tratados teóricos sobre música, siendo el primero el deAristóxeno en el siglo IV a. C. Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron: lalira, lakithara, elaulós, lasiringa, varios tipos detambores —como por ejemplo eltympanon—, elcrótalo, elcímbalo, elsistro, etc.[35] Grecia fue el primer lugar donde ladanza fue considerada un arte, teniendo unamusa dedicada a ella:Terpsícore. Los primeros vestigios provienen nuevamente de los cultos a Dioniso, mientras que fue en las tragedias —principalmente las de Esquilo— donde se desarrolló como técnica, en los movimientos rítmicos del coro.[36]
Con un claro precedente en elarte etrusco, elarte romano recibió una gran influencia del arte griego. Gracias a la expansión delImperio romano, el arte clásico grecorromano llegó a casi todos los rincones deEuropa, norte deÁfrica yPróximo Oriente, sentando la base evolutiva del futuro arte desarrollado en estas zonas.
Laescultura, inspirada en la griega, se centró igualmente en la figura humana, aunque con más realismo, no les importaba mostrar defectos que eran ignorados por la idealizada escultura griega. Un género muy difundido fue elretrato, con gran detallismo y fidelidad en los rasgos, perceptible en el uso deltrépano para producirclaroscuro y en el hecho de grabar laspupilas. Más idealizados son los retratos de losemperadores, realizados en tres versiones:togata, comopatricio;thoracata, como militar; yapoteósica, como divinidad. Destacó especialmente elrelieve, en temas históricos o religiosos, como vemos en elAra Pacis deAugusto, en elArco de Tito y en laColumna Trajana.
Lapintura es conocida sobre todo por los restos hallados enPompeya, donde se perciben cuatro estilos: el deincrustación, que imita el revestimiento enmármol; elarquitectónico, llamado así por simular arquitecturas; elornamental, con arquitecturas fantásticas,guirnaldas yamorcillos; y elfantástico, mezcla de los dos anteriores, con paisajes imaginarios, variadas formas arquitectónicas y escenas mitológicas. También destacó elmosaico, enopus sectile, de formas geométricas, uopus tesellatum, con pequeñas piezas que forman escenas figurativas, comoEl sacrificio de Ifigenia enAmpurias oLa batalla de Isos enNápoles.[37]
Laliteratura romana recibió como en el resto de las artes la influencia griega, de la que adoptaron técnica y géneros; la principal innovación latina fue el concepto de «estilo» que los romanos aplicaron a sus obras. Si bien su producción no fue de gran calidad —en el aspecto estético-literario—, la obra de los autores latinos ha ejercido una gran influencia en la literatura occidental, por su ascendiente sobre la literaturacristiana ymedieval, y debido a que ellatín fue el origen de laslenguas vernáculas habladas posteriormente en muchos lugares deEuropa. Cultivaron los mismos géneros que los griegos, destacando en poesíaLucrecio,Virgilio,Horacio yOvidio; en prosa,Petronio yApuleyo; en oratoria,Cicerón ySéneca; enhistoriografía,Salustio,Tácito yTito Livio.[38]
El teatro romano recibió la influencia del griego, aunque originalmente derivó de antiguos espectáculos etruscos, que mezclaban el arte escénico con la música y la danza: tenemos así losludiones, actores que bailaban al ritmo de lastibiae —una especie deaulos—; más tarde, al añadirse la música vocal, surgieron loshistriones —que significa «bailarines» enetrusco—, que mezclaban canto y mimo (lassaturae, origen de lasátira). Al parecer, fueLivio Andrónico —de origen griego— quien en el siglo III a. C. introdujo en estos espectáculos la narración de una historia. El ocio romano se dividía entreludi circenses (circo) yludi scaenici (teatro), predominando en este último el mimo, la danza y el canto (pantomima). Como autores destacaronPlauto yTerencio.[39] La música romana nos es desconocida, igual que la griega. Tan sólo Cicerón habla un poco de ella en sus escritos. Al parecer, la época de mayor esplendor fue el reinado deNerón, que favoreció notablemente la música —él mismo tocaba la lira—. La música romana pasó a la iglesia cristiana primitiva.
La caída delImperio romano de Occidente marcó el inicio en Europa de laEdad Media, etapa de cierta decadencia política y social, pues la fragmentación del imperio en pequeños estados y la dominación social de la nuevaaristocracia militar supuso lafeudalización de todos los territorios anteriormente administrados por laburocracia imperial. El arte clásico será reinterpretado por las nuevas culturas dominantes, de origengermánico, mientras que la nueva religión, elcristianismo, impregnará la mayor parte de la producción artística medieval.
Se denominaarte paleocristiano al efectuado por los primeros seguidores de esta nueva religión, primero de forma oculta, mientras aún eran perseguidos por el poder imperial, para pasar posteriormente, tras la conversión alcristianismo delemperador romanoConstantino, a ser el estilo oficial del Imperio. Las formas clásicas fueron reinterpretadas para servir como vehículo de expresión de la nueva religión oficial, y se produjo una atomización de estilos por zonas geográficas.
En arquitectura, las primeras manifestaciones se produjeron en el ámbito de loscementerios o «catacumbas», que servían a la vez de lugares de reunión para los perseguidos devotos cristianos. Con la legalización de su religión, destacó como tipología labasílica, adaptación del edificio romano de mismo nombre que, sin embargo, pasó de una función civil a una religiosa. Generalmente constaba de tres partes: unatrio de acceso, el cuerpo de la basílica, dividido en tresnaves, y elpresbiterio, donde se sitúa elaltar. Destacan las basílicas deSan Pedro del Vaticano,San Juan de Letrán,San Lorenzo ySan Clemente enRoma, ySan Apolinar enRávena.
Las artes figurativas inician el camino del arte medieval, eminentemente religioso, dando preponderancia al simbolismo de las escenas representadas por encima del realismo de la narración o de su carácter estético. En escultura destacaron lossarcófagos, que evolucionaron desde la simple decoración ornamental con molduras cóncavas (strygiles) hasta la narración de escenas en friso. La pintura se dio sobre todo en las catacumbas, con escenas religiosas yalegóricas, y surgió laminiatura, iluminación demanuscritos, con dos principales escuelas: la helenística-alejandrina y la siria. Cobró especial relevancia el mosaico, que tuvo un gran desarrollo, llegando a influir alarte bizantino; los mejores ejemplos se hallan enSanta María la Mayor de Roma y San Apolinar ySan Vital de Rávena.[40]
La música cristiana primitiva era heredera de la romana, así como de la liturgia judía. Lamisa era cantada, de tipo coral. En el siglo IV,san Ambrosio introdujo elcanto ambrosiano, ondulación vocal sin ritmo ni saltos entre notas. Más adelante, elpapaGregorio I Magno creó elcanto gregoriano (siglo VII), con una línea melódica continua, en forma de misal (missalis romanum). Existen tres estilos de canto gregoriano, que se clasifican dependiendo de la cantidad de tonos diferentes que se cantan por sílaba: cuando hay un tono por sílaba se llama estilo «silábico»; de 2 a 5 tonos por sílaba se llama «neumático»; y de 6 a más tonos por sílaba se llama «melismático».[42]
La invasión delImperio romano por lospueblos germánicos supuso la fragmentación del territorio en diversos reinos, donde los pueblos invasores pasaron a ser la clase dirigente, si bien subsistió la cultura romana entre las clases humildes. Esta convivencia cultural generó la aparición de laslenguas vernáculas y la creación de nuevas entidades políticas y culturales, que se irán afianzando a lo largo de la Edad Media hasta formar las diversas nacionalidades existentes en la actualidad en el mundo occidental.
Las primeras manifestaciones arquitectónicas de estos pueblos fueron de escasa relevancia, debido a la pobreza de los materiales usados y a la falta de un programa constructivo de envergadura. Se solían aprovechar instalaciones y materiales romanos, generalizándose el uso delarco de medio punto y labóveda. Destacan las construccionesostrogodas enItalia, como elMausoleo de Teodorico enRávena. En escultura destacó el relieve, como los dePoitiers enFrancia o deCividale en Italia. La pintura se desarrolló en la miniatura, como vemos en lossacramentarios de Luxeuil yGelasiano (Vaticano).
Se denomina así a los múltiples estilos desarrollados en Europa desde la coronación deCarlomagno (año 800) hasta alrededor del año 1000, donde la aparición delrománico supondrá la divulgación de un mismo estilo unitario a lo largo de todo el continente europeo. Esta acepción es simplemente una forma de englobar una serie de estilos independientes y con pocos o ningún factor común, con el único aglutinante de ser predecesores de la internacionalización del románico.
Arte carolingio: la coronación de Carlomagno supuso en cierta forma la restauración del Imperio Romano, lo que conllevó un renacer cultural y un primer retorno a la cultura clásica como fuente de inspiración, aunque matizada por la religión cristiana. Laarquitectura carolingia se basó en el uso delpilar en vez de la columna, con arcos de medio punto y cubiertas de madera o bóvedas de cañón. Ejemplos de ello son laCapilla Palatina deAquisgrán ymonasteriosbenedictinos comoSankt Gallen,Fulda yCorvey. La escultura se produjo sobre todo en marfil y bronce, como laEstatua ecuestre de Carlomagno (Louvre). La pintura se circunscribió a la miniatura, con varias escuelas como la palatina, la deTours, la deReims y la deSaint-Denis.
Arte celta: en lasislas británicas, recientemente evangelizadas, tuvo una época de esplendor el arte celta. En arquitectura se conservan pocos restos, ya que generalmente se construía en madera: cabe destacar las iglesias de Deerhurst y Bradford-on-Avon. En escultura destacan las grandes crucesirlandesas, decoradas en relieve, como las deMoone,Kells yMonasterboice. La miniatura tuvo influencia carolingia, destacando la escuela deWinchester, a la que perteneció elPontifical de San Aethelwold (British Museum).
Arte vikingo: la arquitectura era en madera, destacando las iglesias de forma piramidal, de tejados apuntados y salientes de gran verticalidad, al estilo de las salas de reunión vikingas, como la iglesianoruega deBorgund. Destacan asimismo los trabajos de orfebrería, especialmente las fíbulas con largas agujas y las espadas con botón terminal y anillos en la empuñadura.
En esta época, lamúsica va experimentando sucesivos avances: la música carolingia fue la primera en incorporar instrumentos musicales, además del canto de tipo gregoriano; surgen las primeras piezas musicales sin texto, en incisos a los cantos litúrgicos (tropos a medio texto, ysecuencias al final); en el siglo VIII comenzó un tipo de escritura musical diferenciada del alfabeto, con una serie degrafismos (neumas) actualmente no identificados.[46]
Pese a la caída del Imperio Romano de Occidente, en Oriente perduró —conocido comoImperio bizantino—[nota 3] hasta la conquista deConstantinopla en 1453 por losturcosotomanos. Heredero del arte helenístico, elarte bizantino recogió las principales tradiciones artísticas orientales, de las que fue puerta de entrada en Europa, donde el arte bizantino influyó en el arte prerrománico y románico. Se distinguen en el arte bizantino tres «edades de oro»: una primera en el siglo VI, coincidiendo con el reinado deJustiniano; una segunda desde el siglo IX hasta la toma de Constantinopla por loscruzados el 1204; y una tercera en el siglo XIV, con ladinastía Paleólogo.
Las artes figurativas tuvieron en época de Justiniano influencia paleocristiana, a la vez que recogieron diversas tradiciones anteriores, especialmente la helenística y la siria neoática, destacando los conjuntosmusivarios deSan Demetrio de Salónica ySan Vital de Rávena. En la segunda edad dorada se establecieron la estética y laiconografía bizantinas, sobre todo en torno a losiconos, con una fuerte carga simbólica de las imágenes, con figuras estilizadas y perspectivas jerárquicas (el tamaño de la figura depende de su importancia religiosa). Laescultura solía ser en relieve, sobre piedra o marfil, destacando las imágenes de «consagración imperial» (Cristo con las manos sobre las cabezas de los emperadores). En la tercera edad dorada lapintura sustituyó al mosaico, sobre todo los iconos de pintura sobre tabla, destacando las escuelas deChipre,Salónica,Creta,Venecia yMoscú (donde descuellaAndrei Rubliov).[47]
Con laHégira deMahoma en 622 surgió una nueva religión, elislamismo, que tuvo una rápida difusión desde elPróximo Oriente por el norte deÁfrica, llegando a Europa con la conquista de lapenínsula ibérica y con la zona de losBalcanes tras la caída del Imperio bizantino. Con el tiempo, la nueva religión aglutinó a una gran diversidad de pueblos y culturas, siendo su arte el reflejo de esta disparidad, teniendo numerosas manifestaciones y variantes estilísticas según la región donde se produjese. La mayor parte de las manifestaciones del arte islámico son obras de arquitectura —en las que se incluyen magníficas ornamentaciones esculturales o de otro tipo—. En cuanto a pintura y escultura, la prohibición religiosa de representar imágenes figurativas conllevó que se desarrollase sobre todo como ornamentación, en motivos abstractos o geométricos; las escasas muestras de obras figurativas se dieron habitualmente en ámbitos privados como los palaciegos.
En al-Ándalus el arte islámico tuvo su momento de esplendor en elemirato de Córdoba: la arquitectura cordobesa era heredera de las formas hispanorromanas y visigodas, como demuestra el uso del arco de herradura, que es enmarcado enalfiz y al que se añade una característica alternancia de susdovelas en color rojo y blanco. Su principal monumento es laMezquita de Córdoba, compuesta de once naves perpendiculares a laquibla, con una serie de arcadas superpuestas, de medio punto en la parte superior y de herradura en la inferior, con la tradicional alternancia blanco-rojo. También cabe destacar laMezquita de Bab al-Mardum enToledo y el Palacio deMedina Azahara. Otras importantes manifestaciones del arte islámico en la península fueron las producidas enSevilla durante la dominaciónalmohade, destacando laGiralda y laTorre del Oro; y elarte nazarí enGranada, que tiene su principal expresión en laAlhambra.[48]
Laliteratura árabe arrancó con una obra de gran trascendencia, elCorán, libro sagrado delislam escrito porMahoma y fijado en su texto definitivo por elcalifaUthman Ibn Affan en 650. Consta de 114 capítulos (sura), en versículos rimados, con dos principales grupos de predicaciones: las escritas por Mahoma enLa Meca, breves y de tono poético, de una religiosidad más fervorosa; y las escritas enMedina, más largas y discursivas, exponiendo los principales preceptos de la nueva religión. ElCorán fue la base gramatical y estilística de la literatura árabe, que se desarrolló sobre todo en la poesía (Abu Nuwas,al-Mutanabbi,Ibn Quzman); y la prosa, ya sea filosófica (al-Kindi,Avicena,Avempace,Ibn Tufail,Averroes), histórica (Ibn Jaldún), narrativa (Ibn al-Muqaffa,al-Jahiz), o fantástica (al-Hamadani,al-Hariri). Cabe destacar la recopilación de cuentos tituladaLas mil y una noches,obra anónima redactada entre los siglos IX yXV en diversos estilos, y que es un impresionante ejercicio de ingenio y fantasía.[49]
Lamúsica árabe tiene su origen en antiguos cantos (huda’) efectuados por losbeduinos en sus viajes encaravana, con seis pies métricos (rajaz) derivados —según la leyenda— de los pasos delcamello. El canto tenía una especial relevancia, con dos partes:estribillo (tarji’) yantífona (jawab). La música sacra no se desarrolló tanto como la cristiana: en origen, la llamada a la oración (adhdan) era cantada; el Corán tiene una prosa rimada cuya asonancia se presta a la modulación. La música profana fue prohibida por loscalifas ortodoxos, pero potenciada posteriormente por losOmeyas, predominando el canto solista conlaúd.Ibn Misjaḥ fue el primer teórico musical árabe, y es considerado el padre de la música clásica árabe. Creó un sistema melódico ornado (zawa'id), similar a lafioritura occidental. A partir del siglo X cobró importancia la música instrumental —con una modalidad principal, lanauba, especie desuite vocal—, y comenzó el estudio teórico de la música (al-musiqi), destacando diversos eruditos comoAvicena,al-Kindi yal-Farabi. Entre los instrumentos árabes destacan ellaúd (‘ud), lalira (mi'zaf), elarpa (jank), laflauta (gussaba), eloboe (mizmar), elpífano (shahin), eltambor (tabl), lapandereta (duff) y los palillos (gadib).[50]
Elarte románico representa el primer estilo de carácter internacional de la cultura europea occidental, con una identidad plenamente consolidada tras el paso dellatín a laslenguas vernáculas. De carácter eminentemente religioso, casi todo el arte románico estaba dirigido a la exaltación y divulgación del cristianismo. Surgido a mediados del siglo XI, se desarrolló fundamentalmente durante el siglo XII, a finales del cual empezó a coexistir con el incipientegótico. En el románico culminaron los diversos estilos producidos por el prerrománico, a la vez que se denota la influencia oriental del arte bizantino.
Lapintura se desarrolló sobre todo en formato mural y en tabla, así como en la miniatura. Su temática era de signo eminentemente religioso, en un estilo de corte esquemático al igual que la escultura, con una intencionalidad simbólica alejada de la descripción naturalista. Tuvo una fuerte influencia bizantina, difundida sobre todo por la orden benedictina a través de laabadía de Montecassino como centro irradiante. La pintura mural se vinculó estrechamente con la arquitectura, hasta el punto de que casi todos los muros de las iglesias se decoraban con pinturas, con un programa iconográfico donde destacaba la figura delPantocrátor —localizada por lo general en el ábside—, así como elTetramorfos, laVirgen y losapóstoles, elJuicio Final y otras escenas del Antiguo y Nuevo Testamento. Algunos de los mejores exponentes se encuentran en laAbadía de Sant'Angelo in Formis (Capua), laiglesia de San Clemente de Tahull y el panteón real deSan Isidoro de León. En la pintura sobre tabla, generalmente destinada a servir defrontal de altar, se empleó principalmente eltemple. En la miniatura cabe destacar las escuelas inglesa e italiana.[53]
Elteatro medieval era de calle, lúdico, festivo, con tres principales tipologías: «litúrgico», temas religiosos dentro de la Iglesia; «religioso», en forma demisterios ypasiones; y «profano», temas no religiosos. Estaba subvencionado por la Iglesia y, más adelante, porgremios ycofradías. Los actores eran en principio sacerdotes, pasando más tarde a actores profesionales. Las obras fueron en primer lugar en latín, pasando a continuación a lenguas vernáculas. El primer texto que se conserva es elRegularis Concordia, de san Æthelwold, que explica la representación de la obraQuem quaeritis?, diálogo extraído del Evangelio entre variosclérigos y unángel.[56]
Durante el románico surgió lamúsica tal como es practicada actualmente, gracias a la creación delpentagrama y a lanomenclatura de lasnotas musicales elaborada porGuido de Arezzo. Las principales obras musicales se circunscriben alcanto gregoriano, aunque empezó a desarrollarse lapolifonía y la música profana, en torno atrovadores yjuglares. Los juglares eran trotamundos, mitad poetas y mitadsaltimbanquis, mezclando en sus actuaciones la declamación y elmalabarismo, la música y la sátira, la lírica y las gestas épicas. Los trovadores eran de clase social más elevada (el mismo reyRicardo Corazón de León fue trovador), y componían y cantaban sus propias obras. Entre las formas trovadorescas destacan: elrondeau (alternancia de coplas y estribillo), elvirelai (en que el estribillo no interrumpe el desarrollo de las estrofas), y laballade (estribillo alternante cada tres estrofas). En Alemania, los trovadores recibieron el nombre deminnesänger.[57]
Ladanza medieval tuvo escasa relevancia, debido a la marginación a la que la sometió la Iglesia, que la consideraba un rito pagano. A nivel eclesiástico, el único vestigio eran las «danzas de la muerte», que tenían una finalidad moralizadora. En las cortes aristocráticas se dieron las «danzas bajas», llamadas así porque arrastraban los pies, de las que se tiene poca constancia. Fueron más importantes las danzas populares, de tipo folclórico, como elpasacalle y lafarándula, siendo famosas las «danzas moriscas», que llegaron hasta Inglaterra (Morris dances).[58]
Elarte gótico[nota 7] se desarrolló entre los siglos XII yXVI, época de gran desarrollo económico y cultural. El fin de la época feudal supuso el afianzamiento de los estados centralizados, con mayor predominio de las ciudades sobre el campo, al tiempo que un sector cada vez mayor de la sociedad tenía acceso a la cultura, que dejó de ser patrimonio exclusivo de la Iglesia. El auge de lasuniversidades comportó un aumento de los estudios científicos, filosóficos y literarios, sentando las bases de la cultura moderna.
Laescultura continuó enmarcada en la obra arquitectónica, aunque comenzó a desarrollarse la escultura exenta, con formas más realistas, inspiradas en la naturaleza. Los artistas buscaban la belleza ideal, en formas sencillas y diáfanas, con cierta melancolía y nobleza en los sentimientos, y con escenas de carácter narrativo. En Francia destacan el Pórtico Real y las portadas del crucero de la Catedral de Chartres, así como los conjuntos de Amiens y Reims. En Italia destaca el taller deNicola yGiovanni Pisano en Pisa, mientras en Alemania descuella la obra deVeit Stoss yTilman Riemenschneider. En España destaca elPórtico de la Gloria de laCatedral de Santiago de Compostela, las portadas de laColegiata de Toro y de las catedrales deTuy yCiudad Rodrigo, los conjuntos de Burgos, León y Toledo, así como la obra dePere Johan yGil de Siloé.
Lapintura dejó de ser mural para pasar aretablos situados en los altares de las iglesias, y empezó a desarrollarse la pintura enlienzo, altemple o alóleo. Se sucedieron cuatro estilos pictóricos:
Gótico lineal o franco-gótico: se desarrolló desde el siglo XIII hasta principios delXIV, caracterizado por el dibujo lineal, el fuertecromatismo, un naturalismo de líneas sencillas y el idealismo de los temas representados. Este estilo se desarrolló sobre todo en vidrieras y miniaturas.
Gótico internacional: corresponde a finales del siglo XIV y primera mitad del XV, suponiendo una fusión de los estilos anteriores. Se caracteriza por la estilización de la figura y el predominio de la línea curva, el detallismo técnico y el naturalismo simbólico de la narración. Destacan los pintoresPaul de Limbourg,Stefan Lochner,Conrad Soest,Bernat Martorell yLluís Borrassà.
El teatro se desarrolló en tres principales tipologías: «misterios», sobre la vida deJesucristo, con textos de gran valor literario y elementos juglarescos; «milagros», sobre la vida de los santos, con diálogos y partes danzadas; y «moralidades», sobre personajes simbólicos, alegóricos, con máscaras tipificadas. En esta época nació el teatro profano, con tres posibles orígenes —según los historiadores—: la imitación de textos latinos de Terencio y Plauto; el arte polivalente de los juglares; o los pequeños divertimentos escritos por autores de signo religioso para evadirse un poco de la rigidez eclesiástica.[61]
Elarte precolombino floreció con gran brillantez hasta eldescubrimiento de América. Los invasores destruyeron numerosas obras de arte precolombino (máscaras, códices ilustrados, piezas de plumas y, especialmente, obras de oro y plata, que fueron fundidas). Aun así, la huella precolombina perduró en numerosas producciones artísticas posteriores.
EnMéxico se desarrollaron varias culturas: la primera fue la deTeotihuacán, ciudad construida entre los siglos I yVII, de sistema reticular —con un trazado de baseastrológica—, donde destacaba una gran avenida flanqueada de templos en forma depirámide escalonada, decorados con esculturas enrelieve y pinturas alfresco. Losmayas ocupaban la península delYucatán y las actualesBelice yGuatemala (siglos II-IX), desarrollando un arte de signo religioso, donde destacaban igualmente los templos, concebidos bajo medicionesastronómicas, de forma piramidal (Tikal,Uxmal,Templo de Kukulcán enChichén Itzá). La escultura era en relieve, generalmente de animales mitológicos, serpientes, pájaros y figuras humanas, a menudo conjeroglíficos. Lostoltecas (siglos VII-VIII), en elestado de Hidalgo, construyeron el Templo del Dios de la Estrella Matutina enTula, y nos han dejado una de las mejores muestras de escultura precolombina: elChac Mool. En lameseta mexicana se desarrolló la culturaazteca (siglos XIII-XV), que recogió diversas tradiciones anteriores en un arte sintético consagrado a la expresión del poder. En su capital,Tenochtitlán, construyeron una gran ciudad con grandes palacios y jardines, y templos de forma piramidal, dedicados al sacrificio humano.
En losAndes floreció el arteinca, surgido igual que el azteca en el siglo XIII, abarcando los actualesEcuador,Perú,Bolivia,Chile y parte deArgentina. Los incas tenían una cultura muy desarrollada, con adelantados procedimientos metalúrgicos, cerámicos y textiles. Al igual que los romanos desarrollaron una notable arquitectura e ingeniería civil, con ciudades planificadas y carreteras bien trazadas, como el Camino Real de las Montañas, de 6000 kilómetros, amurallado y con un ancho de 9 metros. Su capital,Cuzco, estaba fortificada con murallas de sillarespoligonales, técnica igualmente empleada enMachu Picchu. Sus edificios eran rectangulares o circulares, con puertas y ventanas de formatrapezoidal. Además de su arquitectura, destacó su cerámica y arte textil, generalmente decorado con motivos geométricos. En Bolivia destacó la ciudad deTiahuanaco.[63]
La literatura precolombina era predominantemente oral, por lo que nos han llegado pocos vestigios. En México se conservan varias expresiones en lenguanáhuatl: escritos de signo religioso,cosmológico y adivinatorio (Códice Borgia); documentos administrativos y relatos históricos (Códice Xólotl); y composiciones poéticas, como los himnos rituales recogidos porBernardino de Sahagún enCantares de los Dioses. Enlengua maya destacan los libros deChilam Balam, transcripción de obras jeroglíficas sobre tradiciones orales, y elPopol Vuh, libro sagrado de los indiosquiché. En Perú, la literatura inca está representada por una serie de obras de poesía religiosa, así como largos poemas narrativos de temática histórica o mitológica. Al parecer, fue la única cultura precolombina donde se desarrolló algo parecido al teatro, como se puede apreciar en el drama enlengua quechuaOllantay.[64]
El norte deÁfrica tuvo más relación con el arte europeo y asiático, introduciéndose elcristianismo en el siglo IV, especialmente enEtiopía. Posteriormente, elislamismo se expandió con fuerza por todos los países delMagreb. ElÁfrica subsahariana, en cambio, estuvo más aislada, con pequeños reinos sumidos en frecuentes disputas. Sus primeras manifestaciones artísticas, en materiales perecederos, no han llegado hasta nosotros. Los primeros vestigios son tallas en madera, como las de los pueblostellem ydogon, en el actualMalí. Los objetos en bronce aparecen en África occidental y meridional alrededor del siglo X, como algunas vasijas del puebloIgbo-Ukwu enNigeria. EnZimbabue floreció lacultura Monomotapa (siglos XI-XV), cuya capital,Gran Zimbabue, fue una de las ciudades más grandes de toda África. EnIfe (igualmente en Nigeria), de culturayoruba, surgió en los siglos XII-XIII una notable escuela de figuras enterracota, de gran naturalismo. De esta época datan lasiglesias talladas en la roca de Lalibela, en Etiopía, donde también destaca la pintura de temas cristianos. Entre los siglos XII yXV se dio enDjenné (Malí) un estilo de figuras de terracota más esquemático, de figuras masculinas con una característica barba puntiaguda. Por último, entre los siglos XV yXVI, se dio otra notable escuela escultórica enBenín, destacando su magnífica colección debronces.[65]
Arte gupta (siglos IV-VIII): en elImperio gupta se expandió elbudismo, con un arte caracterizado por el purismo formal, la armonía de proporciones y la idealización de la figura humana. Destacan los grandes santuarios rupestres ovihara (Ajantā,Ellorā,Elephanta) y los templos al aire libre (Bhitargaon, Bodhagaya, Deogarth, Sirpur). El arte gupta se extendió por casi todo elDeccán: losChālukya lo emplearon en los templos de Ahiōlē y Bādāmi (550-750), y losPallava lo pusieron de manifiesto en su complejo arquitectónico-escultórico de Mahābalipuram. A estos estilos se les suele denominar «posgupta».
Arte hindú (siglos VIII-XII): durante este periodo perviven los estilos anteriores, acentuando las formasbrahmánicas. El tipo de santuario más difundido es elśikhara, como el deUdaipur. La arquitectura se divide en dos tipologías: «el edificio cubierto y la pirámide» (vimāna de Tanjore, siglo XI), y «el edificio con tejado curvilíneo» (templo deGujarāt). Entre los siglos X-XI se produjo el arte deKhajurāhō, máxima expresión del arte indoario por la elegancia formal y estética de sus templos, así como de la escultura que los adorna. EnOrissā, en la parte nororiental de la India, se desarrollan nuevas tipologías que convirtieron los śikhara y los vimāna en representaciones arquitectónicas de los dioses hindúes, como enBhubaneshwar yKōnārka.[66]
Laliteratura india de esta época se realizó en diversas modalidades: eldrama continuó con lasepopeyas mitológicas, con un fuerte sello de imaginación, destacandoBhavabhūti, autor deMalatimadhava, historia sobre el amor de dos jóvenes que ha sido comparada conRomeo y Julieta; el poema épico es heredero delRāmāyana, en un nuevo género denominadomahakavya, de temas históricos y mitológicos, destacando elRajatarangini deKalhana (hacia 1150); la poesía lírica está representada por lasSataka deBhartrihari, conjunto de poesías sobre el concepto indio de la vida, y laGītāgovinda deJāyādeva, poemas de amor de tipo alegórico; por último, lafábula se caracterizó por cuentos breves de aire popular, de carácter didáctico y aleccionador, destacando los autoresNarayana ySivadasa. También cabe citar al famosoKama-sutra, compilado en el siglo VI porVātsyāyana, que es un conjunto de preceptos y consejos relativos al amor y el sexo.[67]
El teatro evolucionó sin grandes signos de ruptura desde época antigua, en espectáculos donde, junto a dramas de tipo mitológico sobre lacosmogonía hindú, destacaban el canto, la danza y la mímica. En esta época destacaron dos modalidades principales: elmahanataka (gran espectáculo), sobre las grandes epopeyas indias; y eldutangada, en que un actor recita el texto principal mientras otros lo escenifican con ayuda del mimo y la danza.[68]
La música fue en esta época predominantemente vocal, con acompañamiento de diversos instrumentos, principalmentecítaras ylaúdes. Se escribieron varios tratados sobre música: elBrihad deshi deMatamga (siglo VIII), elNaradiya-siksa deNārada (siglo X) y elSamgita-Ratnakara deŚārngadeva (siglo XIII). Tenían sietenotas (svaras): sa, ri, ga, ma, pa, dha, ni; con 22 gradosmicrotonales (srutis). Lamelodía se componía de varias estructuras de ciclos tonales (ragas), que incluyen diversos ornamentos (gamakas). A su vez, cadaraga está relacionado con untala o medida de tiempo, para marcar elritmo, que puede ser lento (vilambita), medio (madhya) o rápido (druta). Por último, elkharaja (pedal) es un sonido mantenido que sostiene el centro tonal, ejerciendo de guía durante la ejecución de la obra.[69]
Colores del otoño en las montañas Qiao y Hua, deZhao Mengfu
Dinastía Tang (618-907): este fue uno de los periodos más florecientes del arte chino, destacando por su escultura y sus célebres figuras de cerámica. La figura más representada siguió siendo Buda, así como losbodhisattvas (místicos budistas), destacando la estatua en madera policromada deGuan Yin (oBodhisattva de la Misericordia), de 2,41 metros de altura. En arquitectura la tipología principal fue lapagoda (Hua-yen, Hsiangchi). En pintura apareció elpaisaje, género inicialmente de signo elitista, destinado a reducidos círculos culturales. Desafortunadamente, los paisajes Tang no han llegado hasta nuestros días, y sólo se conocen por copias, comoTemplo budista en las colinas después de la lluvia, deLi Cheng (siglo X).
Dinastía Song (960-1279): época de gran florecimiento de las artes, se alcanzó un nivel de elevada cultura que sería recordado con gran admiración en posteriores etapas. Apareció elgrabado sobre madera, impregnada detinta sobreseda opapel. En arquitectura continuó la construcción de pagodas, como la pagodahexagonal de Kuo-Hsiang-Su (960), o la pagoda de madera de Chang-Tiu-Fu. En cerámica destacan dos tipologías: la cerámica deesmalte blanco de Ting-tcheu, y la cerámica de esmalte rosa o azul de Kin-tcheu. En pintura continuó el paisaje, con dos estilos: el septentrional, de dibujo preciso y colores nítidos, con figuras demonjes ofilósofos,flores einsectos; y el meridional, de pinceladas rápidas, colores ligeros y diluidos, con especial representación de paisajes nublados.
Dinastía Yuan (1280-1368): dinastía de origenmongol (su primer emperador fueKublai, nieto deGengis Khan), China se abrió más hacia Occidente, como queda patente en el famoso viaje deMarco Polo. En arquitectura destaca la Pagoda Blanca dePekín. Se desarrollaron especialmente las artes decorativas: se manufacturaron alfombras, se produjo cerámica con nuevas formas y colores, y se elaboraron obras de metalistería de gran riqueza. En pintura proliferaron los temas religiosos, especialmente los taoístas y budistas, destacando las pinturas murales del templo de Yonglegong (Shanxi), y artistas comoHuang Gongwang,Wang Meng yNi Zan.[70]
Representación de un concierto de música tradicional china en el Museo Provincial deHubei (Wuhan)
Laliteratura china de esta época estuvo marcada por la continuidad respecto a la producción anterior. La época Tang fue la edad dorada de la poesía china, destacandoLi Bai yDu Fu, mientras que en prosa se tendió a un estilo más simplificado, representado porHan Yu yLiu Zongyuan. También apareció un nuevo género, elpienhuen, mezcla de verso y prosa, de signo budista. Durante la dinastía Song apareció la imprenta detipos móviles (inventada porBi Sheng), que favoreció la difusión de la literatura. La poesía estaba íntimamente relacionada con la música (génerots'e), como enLiu Yu-Hui ySu She; en prosa destacó el tratado históricoTsê-che T'ong-kien, deSsê Ma-kuang. En época Yuan cobró relevancia el teatro, destacandoKuan-Han-K'ing yPo-Yeu-Fu, mientras que en poesía descollóSan-K'iu.[71]
En este periodo se produjo la edad de oro musical china: destacaron los rituales confucianistas, donde un coro cantaba el himno, con instrumentos de viento y campanillas, unórgano soplado para elcontrapunto, y diversos juegos decítaras (ch'in, de 5 cuerdas, ysê, de 26 cuerdas), para definir la duración (tsao-man). Era una música predominantementetímbrica, con unaarmonía sencilla y elemental. Durante el reinado del emperadorHsüan-tsung (713-756) hay constancia de que existía en la corte una orquesta de unos 1300 músicos. Los poetas recitaban al ritmo de un laúd corto (p'i-p'a), música de la que nos han llegado composiciones comoLa última batalla de Hsiang Yü yNueve canciones para Yüeh. Durante la dinastía Song se popularizaron los espectáculos músico-teatrales, comoNan-ch'ü (Cantos del sur) yPei-ch'ü (Cantos del norte). En época Yuan surgieron los dramas musicales uóperas, con dos escuelas: septentrional y meridional, que han llegado hasta nuestros días.[72]
Período Asuka (552-646): la llegada del budismo produjo en Japón un gran impacto a nivel artístico y estético, con fuerte influencia del arte chino. Como edificio más destacable de este período hay que mencionar el templo deHōryū-ji (607), representante del estilo Kudara. Las primeras imágenes deBuda fueron importadas del continente, pero luego se instalaron en Japón gran número de artistas chinos ycoreanos (Kannon de Kudara, siglo VI). La pintura denota un gran sentido deldibujo, con obras de gran originalidad, como elrelicario de Tamamushi.
Período Nara (646-794): en esta época tuvo su apogeo el arte budista, continuando con gran intensidad la influencia china. Se conservan pocos ejemplos de arquitectura: Pagoda del Este de Yakushi-ji, templo deTōdai-ji, templo deKōfuku-ji, Shōsoin deNara. Obtuvo gran desarrollo en escultura la representación de Buda:Sho Kannon,Buda de Tachibana,Bodhisattva Gakko de Tōdai-ji. La pintura está representada por la decoración mural de Hōryū-ji (finales del siglo VII) y porkakemonos ymakimonos, historias pintadas en un largo rollo depapel oseda, con textos relatando las diversas escenas osutras.
Período Heian (794-1185): laiconografía budista tuvo un nuevo desarrollo con la importación de dos nuevassectas del continente:Tendai yShingon. La arquitectura sufrió un cambio en la planta de losmonasterios, que se erigían en lugares apartados, pensados para lameditación: templos de Enryaku-ji, Kongōbu-ji ysantuario-pagoda de Muro-ji. Durante el períodoFujiwara (897-1185), el templo volvió a situarse en la ciudad, siendo centro de reunión de las clases dirigentes. Se construían según el modelo de los grandespalacios, con una decoración muy desarrollada (monasterio deByōdō-in, también llamado delFénix). En pintura, la aparición de la escuela de Yamato-e supuso la independencia de la pintura japonesa de la influencia china; se caracterizó por su armonía y luminosidad, con colores brillantes.
Período Kamakura (1185-1333): en esta época se introdujo en Japón la sectazen, que influyó poderosamente en el arte figurativo. En escultura destacó la Escuela deNara, con la figura más remarcada deUnkei (estatuas de los montes Muchaku y Seshin). La arquitectura era más sencilla, más funcional, menos lujosa y recargada; la influencia zen provocó el llamado estilo Kara-yo. Destacan el conjunto de cinco grandes templos deSanjūsangen-dō (1266). La pintura se caracterizó por un mayor realismo y por su introspecciónpsicológica, desarrollándose principalmente elretratismo y elpaisajismo.
Período Muromachi o Ashikaga (1333-1573): en este período floreció notablemente la pintura, enmarcada dentro de la estética zen. Predominó la técnica de laaguada, perfecta transcripción de la doctrina zen, que pretendía reflejar en los paisajes lo que significan, más que lo que representan, destacandoSesshū, autor de retratos y paisajes. Cabe mencionar también laEscuela Kanō, que aplicó la técnica de la aguada a temas tradicionales. La arquitectura se distinguió por su elegancia, destacando las mansiones señoriales: el Pabellón de Oro y el Pabellón de Plata, enKioto; también hay que mencionar el monasterio de Zuiho-ji. Se desarrolló notablemente el arte de lajardinería, en cerámica destaca la de Seto, y cobraron importancia los objetos delaca ymetal.[73]
Laliteratura japonesa continuó con el influjo de la china, sobre todo en poesía, donde la mayor producción fue en lengua china, considerada más culta: tenemos así elKaifuso (Tiernos recuerdos de poesía, 751), antología de varios poetas. En época Heian hubo un renacer de las letras japonesas, destacando la narrativa:Genji Monogatari (Relato de Genji), deMurasaki Shikibu, es un clásico de la literatura nipona, describiendo el mundo de la nobleza en un lenguaje sencillo, de tono a veceserótico. La poesía de la época fue compilada en la antología imperialKokinshu, donde se exaltaba preferentemente la naturaleza, escrita enwaka (composición de 31 sílabas). En el período Kamakura la literatura se vio afectada por las constantes guerras feudales, reflejadas en una narrativa de tono pesimista y desolado:Hojoki (Narración de mi cabaña), deKamo no Chomei. Del período Muromachi cabe destacar elTsurezuregusa (Ensayos en ocio), deYoshida Kenkō, y elSannin Hoshi (Los tres sacerdotes), anónimo.[74]
Enteatro apareció en el siglo XIV la modalidad denominadanō, drama lírico-musical en prosa o verso, de tema histórico o mitológico. Su origen se sitúa en el antiguo bailekakura y en la liturgia sintoísta, aunque posteriormente fue asimilado por el budismo. Está caracterizado por una trama esquemática, con tres personajes principales: el protagonista (waki), un monje itinerante y un intermediario. La narración es recitada por un coro, mientras los actores principales se desenvuelven de forma gestual, en movimientos rítmicos. Los decorados son austeros, frente a la magnificencia de vestidos y máscaras. Su principal exponente fueChikamatsu Monzaemon.[75]
En música la llegada del budismo comportó la influencia extranjera, surgiendo dos corrientes: lamúsica izquierda, de origen indio y chino; y lamúsica derecha, de origenmanchú ycoreano. Estas modalidades empleaban instrumentos como elbiwa (laúd de cuello corto), eltaiko (tambor japonés), elkakko (tambor chino), elshôko (gong), elsô-no-koto (cítara), elkoma-bue (flauta), elhichiriki (oboe), elôteki (flauta travesera) y elshô (órgano soplado). Asimismo había una gran variedad de tipos de música tradicional: dos de los estilos más antiguos eranshōmyō («hombre gordo que canta») ygagaku («música graciosa»), ambos provenientes de los períodos Nara y Heian. Adicionalmente, elgagaku se divide ensōgaku (música instrumental) ybugaku (música y danza).[76]
En el sudeste asiático el arte estuvo a caballo entre la tradición hinduista y budista, introduciéndose el islamismo en el siglo XV, principalmente enIndonesia. En las culturas autóctonas de la Edad del Bronce y del hierro —de las que se conservan escasos restos— se denota la influencia china, siendo a partir del siglo VI que comenzará progresivamente la influencia india.
Arte jemer: el reinojemer se situó enCamboya, teniendo su apogeo entre los siglos VIII yXII. Su principal manifestación es el magnífico conjunto deAngkor Wat (1113-1150), ciudadela-templo dedicado aVishnú, cuya planimetría representa eluniverso. El templo central está rodeado de cuatro santuarios más pequeños, coronados por agujas inspiradas en lasśikhara indias, construidos con piedracaliza con abrazaderas de hierro. Destaca igualmente la decoración esculpida en relieve.
Arte thai: es el desarrollado enSiam (Tailandia), caracterizado por una arquitectura vertical de formas alargadas y puntiagudas, con una torre-relicario (prang), como el templo de Vat Sri Sampet (siglo XVI). Destacan las imágenes de Buda, como la deSukhothai (siglo XIV), enbronce ypan de oro.
Arte cham: se dio en el reino deChampa (Vietnam). En los siglos VIII-IX recibió la influencia hindú (monasterio de Dông-Dương). En el siglo XII predominó la influencia jemer, plasmada en una arquitectura armónica de sobria decoración.
Arte birmano: enBirmania es más palpable la influencia china, como en el uso de labóveda de crucería. Se utilizaba el ladrillo recubierto deestuco, sobre el que se realizaba la decoración. Su período clásico fue la época de Pagan (siglos X-XIII), donde destacan lasstūpas, que pueden ser de forma cilíndrica, cónica, hemisférica, en bulbo o en campana (templo de Ananda, siglo XII).
Arte indonesio: se recibió una primera influencia india —principalmente gupta—, constatable en las stūpas con cúpulas de campana. El período más floreciente se dio entre los siglos VII yX, principalmente enJava, donde la dinastía Sailendra adoptó el budismo, construyendo el templo deBorobudur, la stūpa más grande del mundo, con 120 metros de largo por cada lado y 35 metros de altura, contando con 1500 bajorrelieves y 400 estatuas de Buda. Entre los siglos X yXV predominó nuevamente el hinduismo, con una arquitectura más vertical, con decoración en relieve, destacando los monumentos funerarios (chandi), como los de Shwentar y Kidal. En el siglo XV se introdujo el islamismo, destacando las estelas sepulcrales y las nuevas tipologías arquitectónicas, como la mezquita de Sendang Duwur.[77]
En este periodo continuó la expansiónpolinesia hacia la periferia oceánica (Nueva Zelanda,islas Kermadec,islas Chatham). Se produjo una gran diversificación cultural y artística: solo enMelanesia, por ejemplo, había más de 1000 grupos étnicos diferentes. La mayoría de manifestaciones artísticas eran de carácter ritual, relacionadas con danzas y ceremonias de tipoanimista opoliteísta. EnMicronesia se produjeron elaborados complejos arquitectónicos con esculturas de piedra ymegalitos. EnYap (islas Carolinas), apareció un tipo demoneda de piedra compuesta por grandes discos con un agujero central. EnGuam y lasislas Marianas destacan las casas sobre columnas de piedra (latte). EnHawái se construyeron grandes templos (heiau), con esculturas de madera de hasta tres metros que representaban a sus dioses. En lasislas Marquesas se dieron un tipo de construcciones de casas megalíticas sobre plataformas de piedra, con grandes estatuas antropomórficas. En Nueva Zelanda, losmaoríes desarrollaron un tipo de talla de madera con figuras de líderes políticos y religiosos, así como colgantes denefrita tallada (hei tiki). Por último, cabe destacar la construcción en laisla de Pascua de las famosas cabezas monolíticas (moái), de las que se erigieron unas 600 entre el año 900 y el 1600. Son figuras de 4 o 5 metros, que se situaban sobre plataformas de piedra que servían de base a los templos (ahu) de culto a los ancestros.[78]
Elarte de la Edad Moderna —no confundir conarte moderno, que se suele emplear como sinónimo dearte contemporáneo—[nota 8] se desarrolló entre los siglos XV yXVIII. LaEdad Moderna supuso cambios radicales a nivel político, económico, social y cultural: la consolidación de los estados centralizados supuso la instauración delabsolutismo; los nuevos descubrimientos geográficos —especialmente elcontinente americano— abrieron una época de expansión territorial y comercial, suponiendo el inicio delcolonialismo; la invención de laimprenta conllevó una mayor difusión de lacultura, que se abrió a todo tipo de público; lareligión perdió la preponderancia que tenía en la época medieval, a lo que coadyuvó el surgimiento delprotestantismo; a la vez, elhumanismo surgió como nueva tendencia cultural, dejando paso a una concepción más científica del hombre y del universo.
Surgido enItalia en el siglo XV (Quattrocento), se expandió por el resto deEuropa desde finales de ese siglo e inicios delXVI. Los artistas se inspiraron en elarte clásico grecorromano, por lo que se habló de «renacimiento» artístico tras el oscurantismo medieval. Estilo inspirado en lanaturaleza, surgieron nuevos modelos de representación, como el uso de laperspectiva. Sin renunciar a la temática religiosa, cobró mayor relevancia la representación del ser humano y su entorno, apareciendo nuevas temáticas como lamitológica o lahistórica, o nuevos géneros como elpaisaje, elbodegón e, incluso, eldesnudo. La belleza dejó de ser simbólica, como en la era medieval, para tener un componente más racional y mesurado, basado en laarmonía y laproporción.
Lasartes industriales tuvieron un gran auge debido al gusto por el lujo de las nuevas clases adineradas: se desarrolló laebanistería, sobre todo en Italia y Alemania, destacando la técnica de la intarsia, embutidos de madera de varios tonos para producir efectos lineales o de ciertas imágenes. Latapicería destacó en Flandes, con obras basadas en bocetos desarrollados por pintores comoBernard van Orley. Lacerámica se elaboró en Italia conbarnices vidriados, consiguiendo tonos brillantes de gran efecto. Elvidrio se desarrolló notablemente enVenecia (Murano), decorado a veces con hilos de oro o con filamentos de vidrios de colores. Laorfebrería fue cultivada por escultores comoLorenzo Ghiberti, con piezas de gran virtuosismo y elevada calidad, destacando especialmente losesmaltes ycamafeos. Con la invención de la imprenta se desarrollaron lasartes gráficas, apareciendo o perfeccionándose la mayoría de las técnicas degrabado:calcografía (aguafuerte,aguatinta,grabado al buril,grabado a media tinta ograbado a punta seca),linograbado,xilografía, etc.[79]
Ladanza renacentista tuvo una gran revitalización, debida de nuevo al papel preponderante del ser humano sobre la religión, de tal manera que muchos autores consideran esta época el nacimiento de la danza moderna. Se desarrolló sobre todo en Francia —donde fue llamadoballet-comique—, en forma de historias bailadas, sobre textos mitológicos clásicos, siendo impulsado principalmente por la reinaCatalina de Médicis. Se suele considerar que el primerballet fue elBallet comique de la Reine Louise (1581), deBalthazar de Beaujoyeulx. Las principales modalidades de la época eran lagallarda, lapavana y eltourdion. En esta época surgieron los primeros tratados sobre danza:Domenico da Piacenza escribióDe arte saltandi et choreas ducendi, siendo considerado el primercoreógrafo de la historia;Thoinot Arbeau hizo una recopilación de danzas populares francesas (Orchesographie, 1588).[83]
La escultura es nuevamente reflejo del pesimismo que dominaba la sociedad italiana de la segunda mitad del siglo XVI, con un arte donde se deforma la realidad a capricho, predominando la expresión sentimental del artista, con figuras estilizadas, en posiciones violentas y actitudes dramáticas. Descuella nuevamente la obra deMiguel Ángel, con obras de tenso dinamismo donde resalta la expresión de la persona representada:Piedad (1501),David (1501-1504),Moisés (1513-1515), Sepulcro de los Médicis (1520-1534), etc. Otros importantes escultores fueron:Baccio Bandinelli,Benvenuto Cellini,Giambologna yJacopo Sansovino; y, fuera de Italia,Jean Goujon yGermain Pilon en Francia,Adriaen de Vries en Flandes,Hubert Gerhard en Alemania, yAlonso Berruguete,Juan de Juni yGaspar Becerra en España.
Las Meninas (1656), deVelázquez (Museo del Prado), fue un alegato de la figura del pintor como artista inspirado, frente a la condición de simple artesano que hasta entonces se tenía del oficio de pintor
Elbarroco[nota 11] se desarrolló entre el siglo XVII y principios delXVIII. Fue una época de grandes disputas en el terreno político y religioso, surgiendo una división entre los paísescatólicoscontrarreformistas, donde se afianzó el estadoabsolutista, y los paísesprotestantes, de signo másparlamentario. El arte se volvió más refinado y ornamentado, con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero con formas más dinámicas y efectistas, con gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusionesópticas y los golpes de efecto.
En el terreno de las artes industriales, destaca especialmente la ebanistería, que llegó a cotas de altísima calidad sobre todo en Francia, gracias a la obra deAndré-Charles Boulle, creador de una nueva técnica de aplicación de metales (cobre,estaño) sobre materiales orgánicos (carey,madreperla,marfil) o viceversa. Entre sus obras destacan las doscómodas del Trianón, enVersalles, y elreloj de péndulo con elCarro de Apolo enFontainebleau. También destacaron la tapicería, la orfebrería —especialmente las «piedras duras» en Florencia—, la cerámica y el vidrio —que cobró relevancia enBohemia—.[85]
Portada delManuscrito Chacón, que transmitió la obra poética deLuis de Góngora
En ópera destacó la escuelaveneciana, primer lugar donde la música se desligó de la protección religiosa o aristocrática para ser representada en lugares públicos: en 1637 se fundó el Teatro di San Cassiano, primer centro operístico del mundo. Comenzó el gusto por las voces solistas, principalmente las agudas (tenor,soprano), apareciendo el fenómeno de loscastrati. La ópera barroca destacó por la escenografía complicada, ornamentada, recargada, con cambios repentinos. DestacanPier Francesco Cavalli,Antonio Cesti,Jean-Baptiste Lully,Henry Purcell,Georg Friedrich Haendel, etc. A finales del siglo XVII, la escuelanapolitana introdujo un estilo más purista, más clasicista, simplificando los argumentos y haciendo óperas más cultas y sofisticadas.Alessandro Scarlatti introdujo el aria en tres partes (aria da capo).[88]
Desarrollado en el siglo XVIII[nota 12] —en convivencia a principios de siglo con elbarroco, y a finales con elneoclasicismo—, supuso la pervivencia de las principales manifestaciones artísticas del barroco, con un sentido más enfatizado de la decoración y el gusto ornamental, que son llevados a un paroxismo de riqueza, sofisticación y elegancia. El progresivo auge social de laburguesía y los adelantos científicos, así como el ambiente cultural de laIlustración, conllevaron el abandono de los temas religiosos a favor de nuevas temáticas y actitudes más mundanas, destacando el lujo y la ostentación como nuevos factores de prestigio social.
La arquitectura pasó de la grandilocuencia barroca a un gusto más delicado, de formas gráciles y con preponderancia de espacios pequeños, de ambientes de recogimiento pensados para el bienestar y el confort. Se puso de moda lo exótico, especialmente el gusto por el arte oriental. El rococó se desarrolló sobre todo enFrancia yAlemania, representado principalmente porAnge-Jacques Gabriel (Petit Trianon de Versalles, Hotel Biron de París),François de Cuvilliés (Pabellón deAmalienburg delPalacio de Nymphenburg enMúnich),Johann Balthasar Neumann (Palacio Episcopal deWürzburg) yDominikus Zimmermann (Iglesia de Wies). Enjardinería, al «jardín italiano» sucedió el «jardín francés», de composición geométrica igual que el italiano, pero con una perspectiva más larga, composición más simple, mayores zonas decésped y un nuevo detalle ornamental: elparterre; destacan los jardines deVersalles (diseñados porAndré Le Nôtre) yAranjuez.
Las artes decorativas tuvieron especial relevancia, ya que, como se ha señalado, el rococó fue un arte de aire burgués dedicado a la ostentación y el lujo. Se desarrolló notablemente elinteriorismo, con especial énfasis en elmobiliario, losespejos, lassedas, lostapices y los objetos deporcelana. Esta última tuvo una gran difusión, sobre todo la deSajonia y la deSèvres, con delicados motivos ornamentales, preferentemente de estilo oriental. En porcelana se fabricaron también pequeñas tallas escultóricas con motivos galantes, pastorales o de laCommedia dell'arte. En mobiliario se desarrolló el «estilo Chippendale» (porThomas Chippendale), caracterizado por eleclecticismo, con mezcla de elementos góticos, rococó,palladianos ychinescos. En España adquirieron notoriedad los tapices de laReal Fábrica de Santa Bárbara, algunos de ellos diseñados por Goya. En esta época apareció lalitografía, nueva modalidad degrabado sobre piedracaliza, inventada porAloys Senefelder en 1778.[90]
El teatro en el siglo XVIII siguió modelos anteriores, contando como principal innovación la reforma que efectuóCarlo Goldoni de la comedia, que abandonó la vulgaridad y se inspiró en costumbres y personajes de la vida real. También se desarrolló eldrama, situado entre la tragedia y la comedia. La escenografía era más naturalista, con un mayor contacto entre público y actores. Los montajes solían ser más populares, atrayendo un mayor público, dejando el teatro de estar reservado a las clases altas. Al organizarse espectáculos más complejos, empezó a cobrar protagonismo la figura del director de escena. Como dramaturgos destacanPietro Metastasio,Pierre de Marivaux,Pierre-Augustin de Beaumarchais yVoltaire. En España,Nicolás Fernández de Moratín se enmarca en la «comedia de salón» dieciochesca, con base en Molière.[92]
La danza siguió desarrollándose sobre todo en Francia, donde en 1713 se creó la Escuela de Ballet de laÓpera de París, la primera academia de danza.Raoul-Auger Feuillet creó en 1700 un sistema de notación de danza, para poder transcribir por escrito la diversa variedad de pasos de danza. En esta época la danza comenzó a independizarse de la poesía, la ópera y el teatro, consiguiendo autonomía propia como arte, y formulando un vocabulario propio. Se empezaron a escribir obras musicales sólo para ballet, destacandoJean-Philippe Rameau —creador de laopéra-ballet—, y comenzaron a surgir nombres de bailarines destacados, comoGaetano Vestris yMarie Camargo. A nivel popular, el baile de moda fue elvals, de compás ¾, mientras que en España surgió elflamenco.[94]
El auge de laburguesía tras laRevolución francesa favoreció el resurgimiento de las formas clásicas, más puras y austeras, en contraposición a los excesos ornamentales del barroco y rococó, identificados con laaristocracia. A este ambiente de valoración dellegado clásico grecorromano influyó el hallazgoarqueológico dePompeya yHerculano, junto a la difusión de un ideario de perfección de las formas clásicas efectuado porJohann Joachim Winckelmann, quien postuló que en laantigua Grecia se dio la belleza perfecta, generando un mito sobre la perfección de la belleza clásica que aún condiciona la percepción del arte hoy día.[nota 13]
Las artes decorativas se desarrollaron en diversos estilos, algunos de los cuales perduraron a lo largo del siglo XIX: elestilo Directorio surgió en Francia en la época delDirectorio (1795-1805), caracterizado por las líneas sencillas, clásicas, sobrias, sin adornos excesivos; elestilo Imperio se desarrolló en la Francia napoleónica y de laRestauración, de donde pasó al resto de Europa, sustituyendo la sobriedad por la ostentación y el lujo, con un estilo suntuoso, con preferencia de temas exóticos y orientales; en contraposición, el estiloBiedermeier alemán presentó un diseño más práctico y cómodo, de líneas sencillas y hogareñas. Estos estilos influyeron en elisabelino español y elvictoriano inglés, de aire burgués, dedicados al lujo y la ostentación, aunque sin renunciar al confort y la funcionalidad.
Lamúsica clásica[nota 14] supuso entre el último tercio del siglo XVIII y principios delXIX la culminación de las formas instrumentales, consolidadas con la definitiva estructuración de la orquesta moderna. El clasicismo se manifestó en el equilibrio y la serenidad de la composición, la búsqueda de la belleza formal, de la perfección, en formas armoniosas e inspiradoras de altos valores. Nació eldesarrollo, nueva forma de composición que consistía en desmontar el tema, cogiendo el ritmo o la melodía, pero cambiando la tonalidad a través de la modulación. Evolucionó lamúsica de cámara al desaparecer elbajo continuo, en distintos formatos:dúo,trío,cuarteto,quinteto, etc. La música clásica está representada principalmente por:Franz Joseph Haydn,Wolfgang Amadeus Mozart,Christoph Willibald Gluck,Luigi Boccherini yDomenico Cimarosa. La ópera clásica era menos recargada que la barroca, con una música austera, sin ornamentos vocales, arias limitadas,recitativo con acompañamiento orquestal, argumentos más sólidos y personajes más verídicos. Destacan:Jean-Philippe Rameau,Christoph Willibald Gluck y, especialmente,Wolfgang Amadeus Mozart, autor de varias de las mejores óperas de la historia (Le Nozze di Figaro, 1786;Don Giovanni, 1787;La flauta mágica, 1791).[98]
El ballet clásico también experimentó un gran desarrollo, sobre todo gracias al aporte teórico del coreógrafoJean-Georges Noverre y suballet d'action, que destacaba el sentimiento sobre la rigidez gestual del baile académico. Se buscó un mayor naturalismo y una mejor compenetración de música y drama, hecho perceptible en las obras del compositor Gluck, que eliminó muchos convencionalismos de la danza barroca. Otro coreógrafo relevante fueSalvatore Viganò, que dio mayor vitalidad al «cuerpo de ballet», el conjunto que acompaña a los bailarines protagonistas, que cobró independencia respecto a estos.[99]
Laarquitectura se basó en las mismas tipologías de edificios propios de la cultura europea, principalmenteiglesias ycatedrales, dado el rápido avance de la labor deevangelización de los pueblos nativos americanos, pero también edificios civiles comoayuntamientos,hospitales,universidades,palacios y villas particulares. Durante la primera mitad del siglo XVI fueron lasórdenes religiosas las encargadas de la edificación de numerosas iglesias en México, preferentemente un tipo de iglesias fortificadas llamadas «capillas de indios». A mediados de siglo se empezaron a construir las primeras grandes catedrales, como las deMéxico,Puebla,Guadalajara,Cuzco yCórdoba. La arquitectura barroca se caracterizó por una profusa decoración, que resultaría exacerbada en el llamado «ultrabarroco» (Fachada del Sagrario de la Catedral de México). En Perú, las construcciones desarrolladas enLima yCuzco desde 1650 muestran unas características originales que se adelantan incluso al barroco europeo, como en el uso de muros almohadillados y decolumnas salomónicas (Iglesia de la Compañía, Cuzco). En el siglo XVIII, la arquitectura se orientó a un estilo más exuberante, otorgando un aspecto inconfundible al barroco limeño (Palacio del Marqués de Torre-Tagle.
En escultura las primeras muestras fueron nuevamente en el terreno religioso, entallas exentas yretablos para iglesias, confeccionadas generalmente enmadera recubierta conyeso y decorada con encarnación —aplique directo del color— oestofado —sobre un fondo deplata yoro—. A principios del siglo XVII nacieron las primeras escuelas locales, como laquiteña y lacuzqueña, destacando la labor patrocinadora de laorden jesuita. En el barroco destacó la obra escultórica desarrollada en Lima, como la sillería de la Catedral de Lima. EnBrasil destacó la obra delAleijadinho.[100]
En esta época continuó la diversidad de estilos y manifestaciones artísticas en el continente africano, debido a la multiplicidad étnica y religiosa, y a las diferentes organizaciones sociales, desde pueblos nómadas hasta estados centralizados comoBenín,Dahomey, elCongo yAshanti. Los principales materiales eran la madera, la piedra, el marfil, el metal, la arcilla, pieles, plumas, conchas, etc. En las montañasDrakensberg (Sudáfrica), losSan (obosquimanos) realizaron miles de pinturas rupestres entre los siglos XVIII yXIX, relacionadas con ritualeschamánicos. En la región de Owerri (Nigeria) se construyeron una serie de edificios votivos llamadosmbari, decorados con pinturas y esculturas. EnMalí destacaron las construcciones enadobe, como laGran Mezquita de Djenné, datada inicialmente del siglo XIII pero reconstruida varias veces. En Ashanti (actualGhana) adquirieron notoriedad los tejidos llamadoskente, dealgodón oseda, decorados con motivos geométricos.
La escultura fue la principal actividad artística en el continente en general, caracterizada por su gran expresividad y fuerza emotiva, que llegó a influir en el arte devanguardia europeo cuando elcolonialismo favoreció la creación de museosetnológicos que llevaron las obras de arte africanas por toda Europa. En Benín se hacían figuras delatón desde el siglo XV hasta elXIX. En Ashanti se dio un estilo naturalista de pequeñas esculturas de metal (siglos XVII-XX). En la culturayoruba (entre Nigeria, Benín yTogo) proliferaron los relieves en madera tallada, como en las puertas del palacio de Ikere, del escultor Olowe de Ise. Otras tipologías fueron: losfetiches o «figuras de poder» (nduda), relacionadas con ritos ultraterrenales, de figuras antropomórficas recubiertas de tela, cuero o plumas; lospfemba, dedicados a lamaternidad, generalmente una mujer con un niño en brazos; y losmbulu-ngulu,relicarios protectores. También se forjaron figuras en hierro, como la del rey Glele de Dahomey, de tamaño natural, obra de Akate Akpele Kendo (1860). Por último, destacaron lasmáscaras, destinadas a ritos de distinta índole (funerarios, agrícolas, de fertilidad, etc.).[101]
Durante este periodo se introdujo en la India elarte islámico. La invasión musulmana, que tuvo su culminación en elImperio mogol, provocó una gran convulsión en la sociedad india y, por tanto, en su arte. A las formas tradicionales se añadieron elementos característicos del arte islámico, con nuevas tipologías como lamezquita. Estesincretismo artístico se manifestó en construcciones como las mezquitas deLahore yDelhi y en lassepulturas deAgra, sobre todo en el famosoTaj Mahal (siglo XVII). También se desarrollaron lajardinería y laminiatura, ambas de influenciapersa, y adquirieron gran relevancia las artes textiles y las joyas engarzadas (como elTrono de Aurangzeb).
El arte tradicional hindú tuvo su manifestación en el magníficotemplo de Meenakshi (Madurai), así como en la escuela miniaturista deRajput, donde vivía una comunidadjainista que creó un arte que tuvo gran difusión en Occidente, plasmado en un conjunto de templos y esculturas demármol con incrustaciones de piedras de colores, decorados con gran preciosismo. A partir del siglo XII la escultura se realizó más enbronce que en piedra, destacando las representaciones del diosŚivá en actitud danzante; después serían característicos los retratos de guerreros y cortesanos, tradición que llegó hasta el siglo XVIII. La arquitectura de finales de este periodo evolucionó hacia formas cada vez más complejas, con gran riqueza decorativa, en la que se podría denominar una fase «barroca» del arte indio (aunque sin hacer paralelismos con el barroco europeo).[102]
Enliteratura la principal particularidad de esta época fue el despunte de las lenguas vernáculas, surgiendo una literatura enhindi,bengalí,tamil,maratí,guyaratí,télugu,rayastaní, etc. En el género dramático destacóAnandarayamakhin, autor deJiva-nandana (hacia 1700), drama alegórico que representa el alma humana como un rey encarcelado en su palacio (el cuerpo); y en el poema épico destaca elRam-chari-manas deTulsidas, reelaboración delRamaiana con gran pureza lingüística y estilística. El teatro derivó en tiempos más recientes del antiguodutangada —donde predominaba la danza y la mímica— en una nueva modalidad denominadakathakali, que igualmente ponía énfasis en la música y la gestualidad. En esta interpretación adquirió gran relevancia el lenguaje de las manos (mudras, con 24 posiciones básicas y otras combinadas), así como la expresión del rostro y los movimientos de los ojos (navarasya). También tenía importancia el maquillaje, donde los colores eran simbólicos, identificando al rol o personaje.[103]
Lamúsica recibió igualmente la influencia musulmana, aunque subsistieron las antiguas formas tradicionales, basadas en losragas. Sin embargo, la convivencia de ambas modalidades provocó una división en dos tradiciones musicales diferenciadas: la septentrional oindostánica, más influida por lamúsica árabe; y la meridional ocarnática, más conservadora de la antigua tradición. La primera era más elegante, decorativa, romántica, mientras que la segunda era más austera, intelectual. Dos de lasdanzas clásicas de la India que ejemplifican lo anterior son elkathak, en el norte, y elbharatanatyam, en el sur.[104]
Dinastía Ming (1368-1644): supuso la restauración de una dinastía autóctona tras el periodo mongol, retornando a las antiguas tradiciones chinas. El tercer emperador de la dinastía,Yongle, trasladó la capital deNankín aPekín (1417), construyendo un Palacio Imperial (laCiudad Prohibida), con tres grandes patios rodeados de una muralla de 24 kilómetros, y un amplio complejo de edificios donde destacan la Sala de la Suprema Armonía (con el trono imperial) y el Templo del Cielo. La pintura de esta época era tradicional, de signo naturalista y cierta opulencia, como en la obra deLü Ji,Shen Zhou,Wen Zhengming, etc. También destacó la porcelana, muy ligera y de tonos brillantes, generalmente en blanco y azul, y comenzó la decoración de vasijas de bronce enesmaltecloisonné.
Dinastía Qing (1644-1911): dinastía de origenmanchú, en el arte supuso la continuidad de las formas tradicionales. La pintura era bastante ecléctica, dedicada a temas florales (Yun Shouping), religiosos (Wu Li), paisajes (Gai Qi), etc. En arquitectura, se continuó la construcción —y, en algunos casos, restauración— del recinto imperial, con el mismo sello estilístico, al tiempo que se edificaban nuevos templos y villas aristocráticas, destacando la riqueza de los materiales (balaustradas de mármol, cerámica en los tejados, etc.). Continuó igualmente la tradición en las artes aplicadas, especialmente ebanistería, porcelana, tejidos de seda, lacas, esmalte, jade, etc. Cabe mencionar que las manufacturas chinas influyeron en la decoración del rococó europeo (las llamadaschinoiseries).[105]
Laliteratura siguió siendo de corte tradicional, destacando en época Ming la producción teatral, con obras comoEl círculo de tiza deLi-Hsing-Tao,La guitarra deKao Ming yEl pabellón deT'ang-Hien-Tsu. En prosa destacóEl mono, deWu Cheng'en, de signo alegórico; yLa ciruela del vaso de oro, deWang Shih-chên, narración de tono erótico. En época Qing la poesía destacó por su virtuosismo, detectándose por vez primera el influjo occidental en la obra deHuang-Tuen-Hien. La narrativa era más humanista, como se puede percibir enP'u-Song-Ling yTs'ao-Sine-K'in, autor deHong-leu-mon, la más famosa novela de amor china;Los letrados, deWu-Ching-Tzu, es una novela de tono satírico.[106]
Lamúsica siguió las tradiciones anteriores, recopiladas en elManual de música deTsai Yü (1596). De esta época destacan las tonadas paracítara, con dos vertientes: tonadas breves (hsiao-ch'ü), de letra con acompañamiento musical; y tonadas largas (ta-ch'ü), puramente instrumentales. En la dinastía Ming destacó el compositorWei Liang-fu, creador de un nuevo estilo dramático con óperas de 30 actos (k'un-ch'ü), con partes cantadas y partes declamadas. El instrumento principal era laflauta travesera (ti), junto a laguitarra (san-hsien), ellaúd corto (p'i-p'a) y eltambor (pan-ku). Durante la dinastía Qing surgió un nuevo tipo de ópera (ching-hsi), más popular, con acompañamiento deviolín de una cuerda (hu'chpin). En ese periodo comenzó la influencia occidental, al tiempo que la música china llegó a Occidente, como se observa en la obertura deTurandot, deCarl Maria von Weber (1809).[107]
Período Momoyama (1573-1615): el arte de esta época se alejó de la estética budista, remarcando los valores tradicionales japoneses, aunque durante este período se recibieron las primeras influencias de Occidente. Se construyeron grandes castillos y palacios: palacio de Fushimi, castillos deHimeji yOsaka. En pintura, la escuela de Tosa continuó la tradición épica japonesa (Mitsuyoshi, Mitsunori). La cerámica alcanzó un momento de gran apogeo: Seto continuó siendo uno de los primeros centros de producción, mientras que en Mino nacieron dos escuelas muy importantes: Shino y Oribe. En la producción de laca destaca el nombre deHonami Kōetsu.
Período Edo o Tokugawa (1615-1868): este período artístico se corresponde con el histórico deTokugawa, en el que Japón se cerró a todo contacto exterior. Los edificios más importantes son elmausoleo de Toshogu enNikkō y el palacio de Katsura enKioto. También son características de esta época las casas deté (chashitsu). Se desarrolló notablemente la pintura, que adquirió gran vitalidad, destacandoTawaraya Sōtatsu yOgata Kōrin, así como la escuela deUkiyo-e, que destacó por la representación de tipos y escenas populares (Kitagawa Utamaro,Katsushika Hokusai,Utagawa Hiroshige). La cerámica tuvo uno de sus mayores centros de producción en Kioto, con influencia del arte chino y coreano; su principal artista es Nonomura Ninsei. En este período se produjeron las primeras porcelanas, con un primer centro productor en Arita; destacan las escuelas de Kakiemon, Nabeshima y Ko-Kutami.[108]
Laliteratura evolucionó hacia un mayor realismo, generalmente de tonocostumbrista y con una sutil venahumorística, como se aprecia en la obra deSaikaku Ihara,Jippensha Ikku yEjima Kiseki. En poesía, la principal modalidad es elhaiku, composición de 17 sílabas, generalmente de tono bucólico, centradas en la naturaleza y el paisaje, destacandoMatsuo Bashō,Yosa Buson yKobayashi Issa. Continuó el género de lawaka, generalmente en chino, representada principalmente porRai Sanyo. En el siglo XIX destacó el novelistaTakizawa Bakin, autor deSatomi Kakkenden (Vidas de ocho perros).[109]
Enteatro surgió la modalidad delkabuki, que sintetizó las antiguas tradiciones tanto musicales e interpretativas como de mímica y danza, con temáticas desde las más mundanas hasta las más místicas. Así como elnō era de tono aristocrático, elkabuki sería la expresión del pueblo y la burguesía. La puesta en escena era de gran riqueza, con decorados donde destacaba la composición cromática, vestidos de lujo y maquillaje de tono simbólico, representando según el color diversos personajes o estados anímicos. La dicción era de tipo ritual, mezcla de canto y recitativo, en ondulaciones que expresaban la posición o el carácter del personaje.[110]
Lamúsica fue en esta época principalmente de cámara, de tipo profano, desarrollada con diversos instrumentos entre los que destacan elshamisen (laúd de tres cuerdas), elshakuhachi (flauta de bambú) y elkoto (cítara de 13 cuerdas). Elkoto, principalmente, tuvo un gran auge a partir del siglo XVII, siendo popularizado por el músico ciego Yatsushashi. Se tocaba solo, con diversas variaciones (dan) de 52 compases (hyoshi), o acompañado de voz (kumi).[111]
El arte siguió siendo predominantemente indígena, aunque se dieron los primeros contactos con la civilización occidental. En sus viajes por elPacífico (1768-1780)James Cook reunió una serie de obras de arte que incluían tejidos, esculturas, joyas, muebles, armas, herramientas, instrumentos musicales, etc. EnMelanesia destacan las grandes casas de reunión o «casas de los espíritus», dedicadas a ceremonias relacionadas con el culto a los antepasados. Continuó la talla de figuras antropomórficas —principalmente deidades locales—, como la de Kukailimoku, dios de la guerrahawaiano (British Museum), o el dios A'a, deRurutu (islas Australes). También siguió la tradición de las máscaras, especialmente enNueva Guinea (mai),Nueva Irlanda (malanggan) yNueva Caledonia (apuema). Losasmat, tribu deIrian Jaya (Nueva Guinea), construían unos postes conmemorativos (bisj) de entre 5 y 10 metros de altura, tallados con figuras antropomórficas, una encima de otra. En lasislas Salomón se dan estatuas de madera (indalo) de figuras humanas o animales, con incrustaciones de conchas. En Australia continuó la tradición de las pinturas rupestres, así como laschuringas, piezas de madera, piedra o concha, decoradas con motivos geométricos.[112]
Entre finales del siglo XVIII y principios delXIX se sentaron las bases de la sociedadcontemporánea, marcada en el terreno político por el fin delabsolutismo y la instauración de gobiernosdemocráticos —impulso iniciado con laRevolución francesa—; y, en lo económico, por laRevolución Industrial y el afianzamiento delcapitalismo, que tendrá respuesta en elmarxismo y lalucha de clases. En el terreno del arte, comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden cronológicamente cada vez con mayor celeridad, que culminará en el siglo XX con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen, se influyen y se enfrentan. Surge elarte moderno como contraposición alarte académico, situándose el artista a la vanguardia de la evolución cultural de la humanidad.
La arquitectura decimonónica sufrió una gran evolución debido a los avances técnicos que comportó laRevolución Industrial, con la incorporación de nuevos materiales como elhierro, elacero y elhormigón, que permitieron la construcción de estructuras más sólidas y diáfanas. Cobró cada vez mayor importancia elurbanismo, la preocupación por el entorno habitable, que se tradujo en obras de saneamiento, infraestructuras, mayor atención a losmedios de transporte y apertura de espacios verdes para buscar mejores ambientes y condiciones de vida para el ciudadano. Después de unos primeros planteamientos de signoutópico, como los deRobert Owen oCharles Fourier, se produjeron las grandes transformaciones urbanas del siglo XIX:París (plan Haussmann),Londres,Bruselas,Viena,Florencia,Madrid,Barcelona (plan Cerdà), etc. Otro gran motor de la arquitectura de la época fueron lasexposiciones universales, festivales económico-sociales que pretendían incentivar y difundir elcomercio, laindustria, lacultura, los avancestecnológicos, etc. Estos eventos fueron un campo de pruebas para las nuevas tipologías arquitectónicas, como se puso de manifiesto en laExposición de Londres de 1851, la deParís de 1889 (con la famosaTorre Eiffel), etc. Enjardinería, apareció el llamado «jardín inglés» —que introdujo el concepto de «arquitectura paisajística»—, el cual, frente al geometrismo del italiano y el francés, defendía una mayor naturalidad en su composición, interviniendo únicamente en una serie de detalles ornamentales, comotempletes opérgolas, o incluso la colocación de ruinas —naturales o artificiales—, en consonancia con los conceptos románticos de losublime y lopintoresco (Regent's Park, deJohn Nash;Kew Gardens, deWilliam Chambers).
Movimiento de profunda renovación en todos losgéneros artísticos, los románticos pusieron especial atención en el terreno de laespiritualidad, de laimaginación, la fantasía, elsentimiento, la evocación ensoñadora, el amor a lanaturaleza, junto a un elemento más oscuro de irracionalidad, de atracción por elocultismo, lalocura, elsueño. Se valoró especialmente la cultura popular, lo exótico, el retorno a formas artísticas menospreciadas del pasado —especialmente las medievales—, y adquirió notoriedad elpaisaje, que cobró protagonismo por sí solo. Cobraron también importancia lasartes gráficas, principalmente lalitografía y elgrabado en madera.
La danza romántica recuperó el gusto por los bailes populares, las danzas folclóricas, muchas de las cuales sacó del olvido. Surgió el clásico vestuario de ballet (eltutú), aparecido por vez primera en elBallet de las Monjas deRobert le Diable (1831), deGiacomo Meyerbeer. Se empezó a componer música puramente para ballet, destacandoCoppélia (1870), deLéo Delibes. En el aspecto teórico, destacó la figura del coreógrafoCarlo Blasis, principal creador del ballet moderno en cuanto codificó todos los aspectos técnicos concernientes a la danza: enEl código de Terpsícore (1820) relacionó la danza con las otras artes, efectuando estudios deanatomía y movimientos corporales, ampliando el vocabulario relativo a la danza, y distinguiendo varios tipos de bailarines según su físico. También introdujo el baile sobre las puntas de los pies, en el que destacaronMaria Taglioni yFanny Elssler. En bailes populares, continuó la moda delvals, y aparecieron lamazurca y lapolca.[118]
Desde mediados de siglo surgió una tendencia que puso énfasis en la realidad, la descripción del mundo circundante, especialmente deobreros ycampesinos en el nuevo marco de la era industrial, con un cierto componente de denuncia social, ligado a movimientos políticos como elsocialismo utópico.
En la danza, el centro geográfico en cuanto a creación e innovación pasó deParís aSan Petersburgo, donde el Ballet Imperial alcanzó cotas de gran brillantez, con un centro neurálgico en elTeatro Mariinski —y, posteriormente, en elBol'šoj deMoscú—. La figura principal en la conformación del ballet ruso fueMarius Petipa, que introdujo un tipo de coreografía narrativa donde es la propia danza la que cuenta la historia. Hizo ballets más largos, de hasta cinco actos, convirtiendo el ballet en un gran espectáculo, con deslumbrantes puestas en escena, destacando su colaboración con Chaikovski en tres obras excepcionales:La bella durmiente (1889),El cascanueces (1893) yEl lago de los cisnes (1895). A nivel popular, el baile más famoso de la época fue elcancán, mientras que en España surgieron lahabanera y elchotis.[123]
Impresionismo: fue un movimiento profundamente innovador, que supuso una ruptura con elarte académico y una transformación del lenguaje artístico, iniciando el camino hacia los movimientos devanguardia. Los impresionistas se inspiraban en la naturaleza, de la que pretendían captar una «impresión» visual, la plasmación de un instante en ellienzo —por influjo de lafotografía—, con una técnica de pincelada suelta y tonos claros y luminosos, valorando especialmente la luz. Surgió una nueva temática, derivada de la nueva forma de observar el mundo: junto a los paisajes y marinas, aparecen vistas urbanas y nocturnas, interiores con luz artificial, escenas decabaré,circo ymusic-hall, personajes de labohemia, mendigos, marginados, etc. Cabe mencionar como principales representantes aÉdouard Manet —considerado un precursor—,Claude Monet,Camille Pissarro,Alfred Sisley,Pierre-Auguste Renoir yEdgar Degas. Igual de renovador fue en el terreno de la escultura el papel deAuguste Rodin, que sentó las bases de la escultura del siglo XX (El pensador, 1880-1900;Los burgueses de Calais, 1884-1886). También destacóMedardo Rosso, que conduciría la escultura hacia la desintegración de la forma.
Neoimpresionismo: evolucionando desde el impresionismo, los neoimpresionistas se preocuparon más de los fenómenos ópticos, desarrollando la técnica delpuntillismo, consistente en componer la obra mediante una serie de puntos de colores puros, que se colocan junto a otros de colores complementarios, fusionándose en laretina del espectador en un nuevo tono. Sus principales representantes fueronGeorges Seurat yPaul Signac. Otra variante fue eldivisionismo, surgido en Italia en ambientes de inconformismo social cercanos alanarquismo. Esta técnica se caracteriza por la proximidad de colores descompuestos, con largas pinceladas que, observadas a larga distancia, producen un efecto de composición. Este estilo fue practicado principalmente porGiovanni Segantini,Giuseppe Pellizza da Volpedo yGaetano Previati, e influyó en elfuturismo italiano.
Postimpresionismo: fueron una serie de artistas que, partiendo de los nuevos hallazgos técnicos efectuados por los impresionistas, los reinterpretaron de manera personal, abriendo distintas vías de desarrollo de suma importancia para la evolución del arte en el siglo XX. Así, más que un determinado estilo, el postimpresionismo fue una forma de agrupar a diversos artistas de distinto signo:Henri de Toulouse-Lautrec, autor de escenas de circo y cabaret esbozadas con rápidos apuntes del natural;Paul Gauguin experimentó con la profundidad dando un nuevo valor al plano pictórico, con colores planos de carácter simbólico;Paul Cézanne estructuraba la composición en formas geométricas (cilindro,cono yesfera), en una síntesis analítica de la realidad precursora delcubismo;Vincent van Gogh fue autor de obras de fuerte dramatismo y prospección interior, con pinceladas sinuosas y densas, de intenso colorido, deformando la realidad, a la que otorgó un aire onírico. En España podemos reseñar aJoaquín Sorolla, autor de escenas populares donde destaca la utilización de la luz.[124]
En paralelo a la pintura, lamúsica impresionista hace primar laarmonía sobre lamelodía, igual que en la pintura prevalece el color sobre la línea. Se deja al espectador la reconstrucción de una composición musical, hecha a base de partes, de sugerencias. Su principal representante,Claude Debussy, rechazó el cromatismo tónico, introduciendo nuevos acordes de cinco y seis tonos, opuestos a las escalas habituales. Frente a la melodía continua wagneriana, volvió a la tonalidad estática, aquietando la armonía y potenciando la textura, la tímbrica, la irregularidad rítmica (Preludio a la siesta de un fauno, 1894).Maurice Ravel retornó a la expresión lineal, aunque con notas y acordes algo fuera de contexto (Bolero, 1928). Otros representantes fueronPaul Dukas yFlorent Schmitt.[125]
El teatro simbolista recibió la influencia del «espectáculo total» wagneriano, destacando por un lenguaje de fuerte trasfondometafísico y trascendente, buscando la esencia humana a través de la intuición y la meditación, con preferencia por los temas míticos y las leyendas, de influjoesotérico yteosófico. DestacaronAuguste Villiers de l'Isle-Adam,Paul Claudel,Maurice Maeterlinck yÉmile Verhaeren.[128] En música,Gabriel Fauré innovó con un lenguaje sonoro preciosista, minucioso y personal, en la línea de la poesía simbolista. Hizo una música estática, difusa, de armonías líquidas, dando importancia a los instrumentos solistas:La buena canción (1892), sobre poemas de Verlaine.
En el resto de Europa, la pintura modernista estuvo muy ligada al mundo deldiseño y lailustración, especialmente alcartelismo, nuevo género artístico a caballo entre la pintura y lasartes gráficas, ya que se basaba en un diseño realizado por un pintor o ilustrador, para ser luego reproducido en serie. En su génesis fue determinante el aspectopublicitario del cartel, aunque pronto se dedicó también a la divulgación de eventos y a lapropaganda política e institucional. Entre los diversos artistas dedicados a la pintura o el cartel conviene recordar aAlfons Mucha,Aubrey Beardsley,Jan Toorop,Fernand Khnopff, etc.
El modernismo, por su carácter ornamental, supuso una gran revitalización de las artes aplicadas, especialmente lacarpintería, laforja, lavidriería, lacerámica, el moldeado enyeso, laimpresión (libros,revistas,postales), lajoyería, elmosaico, etc.[129] A ello ayudaron los nuevos procedimientosindustriales, que permitían la fabricación en serie. Cobró especial relevancia el diseño, el proceso creador del artista, que materializa su creación en el bosquejo de la obra, que puede ser luego realizada por diversos artesanos. Entre sus principales artífices destacaronÉmile Gallé (ceramista y vidriero),René Lalique (orfebre),Koloman Moser (diseñador),Louis Comfort Tiffany (joyero y vidriero),Gaspar Homar (ebanista), etc. También tuvo especial relevancia el movimiento inglésArts and Crafts («Artes y Oficios»), promovido porJohn Ruskin yWilliam Morris, que defendía una revalorización del trabajo artesanal y propugnaba el retorno a las formas tradicionales de fabricación, estipulando que el arte debe ser tan útil como bello.[130]
Isla Pagoda en la desembocadura del río Min (1870), deJohn Thomson. Lafotografía supuso una gran revolución a la hora de concebir el arte en el siglo XIX y elXX.
En el siglo XIX apareció una nuevatecnología que permitía captar imágenes del natural, a través del principio de lacámara oscura. Pese a ser una realización puramente técnica, pronto se vislumbró la artisticidad de este nuevo medio, pues la obra resultante podía ser considerada artística en cuanto suponía la intervención de la creatividad de la persona que capta la imagen, derivada de la labor de percepción, diseño y narratividad efectuada en la toma de la imagen. Así, pronto lafotografía pasó a ser considerada una de las artes, concretamente laoctava.[nota 17]
Esta nueva técnica comenzó con las investigaciones deJoseph Nicéphore Niépce, que logró la primera fotografía en 1816, en negativo sobre papel, a partir de donde se fueron perfeccionando los procedimientos técnicos para su captación y reproducción. La construcción deldaguerrotipo porLouis-Jacques-Mandé Daguerre supuso un nuevo adelanto, consiguiendo impresionar placas metálicas y fijar la imagen con un baño desal ymercurio. Otro de los pioneros fueWilliam Henry Fox Talbot, que en 1835 inventó elnegativo, que permitía sacar diversas copias de la imagen obtenida.Hippolyte Bayard logró en 1840 la fotografía en positivo directo. Otro precursor,John Frederick William Herschel, fue el creador del términofotografía, así comonegativo ypositivo, einstantánea cuando se redujo el tiempo de exposición (25/100 de segundo). En 1888George Eastman lanzó la película deceluloide y el aparatoKodak, pequeña cámara cargada con 100 clichés. La primera fotografía en color fue obtenida porJames Clerk Maxwell en 1861; sin embargo, la primera placa fotográfica en color (Autochrome) no llegó a los mercados hasta 1907.
A partir de entonces la fotografía se popularizó, ya que era un medio que no requería grandes cualidades personales, simplemente el dominio de la técnica, apareciendo numerosos aficionados que se lanzaron a plasmar el mundo en imágenes. Surgieron los primeros estudios y laboratorios fotográficos, dedicados en principio sobre todo al retrato, aunque posteriormente a todo tipo de eventos y a imágenes del natural. También apareció lafotomecánica y las primeras publicaciones ilustradas, siendo pioneros los álbumes deExcursions Daguerriennes (1841-1842) y, como primer libro ilustrado,Pencil of Nature (1844), de Fox Talbot. Igualmente apareció la fotografía documental, especialmente en cuanto a la plasmación de conflictos bélicos, siendo las guerras deCrimea y deSecesión americana las primeras en ser retratadas.
Fuente, deMarcel Duchamp. El siglo XX ha supuesto una pérdida del concepto de belleza clásica para conseguir un mayor efecto en el diálogo artista-espectador.
El arte del siglo XX experimentó una profunda transformación: en una sociedad másmaterialista, másconsumista, el arte se dirige a los sentidos, no al intelecto. Igualmente, ha cobrado especial relevancia el concepto demoda, una combinación entre la rapidez de las comunicaciones y el aspecto consumista de la civilización actual. Surgieron así los movimientos devanguardia, que pretendían integrar el arte en lasociedad, buscando una mayor interrelación artista-espectador, ya que es este último el que interpreta la obra, pudiendo descubrir significados que el artista ni conocía. Las últimas tendencias artísticas han perdido incluso el interés por elobjeto artístico: el arte tradicional era un arte de objeto, el actual deconcepto. Hay una revalorización delarte activo, de la acción, de la manifestación espontánea, efímera, del arte no comercial (arte conceptual,happening,environment).[133]
Laarquitectura ha sufrido una profunda transformación desde las formas tradicionales hasta los movimientos de vanguardia, que han supuesto un nuevo concepto constructivo basado en una idea más racional del espacio, estructurado de forma más depurada y funcional, con especial atención a las nuevastecnologías y a su ubicaciónmedioambiental. Ha cobrado gran importancia elurbanismo, fomentado por el nuevo aspecto consumista de la civilización occidental, a la vez que el auge de las comunicaciones ha derivado en un desarrollo de los estudios deingeniería aplicados a la arquitectura.
En los primeros años del siglo XX se forjaron las bases del llamadoarte de vanguardia: el concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías científicas (la subjetividad del tiempo deBergson, larelatividad deEinstein, lamecánica cuántica); también influyó la teoría delpsicoanálisis deFreud. Por otra parte, las nuevas tecnologías provocaron que el arte cambiase de función, ya que lafotografía y elcine ya se encargaban de plasmar la realidad. Gracias a las coleccionesetnográficas fomentadas por elcolonialismo europeo los artistas tuvieron contacto con el arte de otras civilizaciones (africano,asiático,oceánico), que aportó una visión más subjetiva y emotiva del arte. Todos estos factores comportaron un cambio de sensibilidad que se tradujo en la búsqueda de nuevas formas de expresión por parte del artista.
Futurismo (1909-1930): movimientoitaliano que exaltó los valores del progreso técnico e industrial del siglo XX, destacando aspectos de la realidad como el movimiento, la velocidad y la simultaneidad de la acción. El futurismo aspiraba a transformar el mundo, a cambiar la vida, mostrando un concepto idealista y algo utópico del arte como motor de la sociedad. Fue el primer movimiento que se proclamó con unmanifiesto (redactado porFilippo Tommaso Marinetti), sello distintivo de los futuros movimientos de vanguardia, que denotaba además la interrelación entre las diversas artes. Destacan en pinturaGiacomo Balla yGino Severini, yUmberto Boccioni en escultura.[136]
Arte abstracto (1910-1932): cuestionado el concepto de realidad por las nuevas teorías científicas, y con el surgimiento de nuevas tecnologías como lafotografía y elcine, que ya se encargaban de plasmar la realidad, se produjo la génesis del arte abstracto: el artista ya no intenta reflejar la realidad, sino su mundo interior, expresar sus sentimientos. El arte pierde todo aspecto real y de imitación de la naturaleza para centrarse en la simple expresividad del artista, en formas y colores que carecen de cualquier componente referencial. Iniciado porVasili Kandinski, fue desarrollado por el movimientoneoplasticista (De Stijl), con figuras comoPiet Mondrian yTheo Van Doesburg en pintura, yGeorges Vantongerloo en escultura.
Constructivismo (1914-1930): surgido en laRusiarevolucionaria, fue un estilo comprometido políticamente que pretendía a través del arte realizar una transformación de la sociedad, mediante una reflexión sobre las formas puras artísticas concebidas desde aspectos como elespacio y eltiempo, que generan una serie de obras de estilo abstracto, con tendencia a la geometrización. DestacanVladimir Tatlin,Lissitzky,Anton Pevsner yNaum Gabo. Una variante fue elsuprematismo deKasimir Malevich.
Dadaísmo (1916-1922): movimiento de reacción a los desastres de laguerra, el dadaísmo supuso un planteamiento radical del concepto de arte, que pierde cualquier componente basado en la lógica y la razón, reivindicando la duda, el azar, lo absurdo de la existencia. Esto se traduce en un lenguaje subversivo, donde se cuestionan tanto las temáticas como las técnicas tradicionales del arte, experimentando con nuevos materiales y nuevas formas de composición, como elcollage, elfotomontaje y losready-made. DestacanHans Arp,Francis Picabia,Kurt Schwitters yMarcel Duchamp.
Desde laSegunda Guerra Mundial el arte ha experimentado una vertiginosa dinámica evolutiva, con estilos y movimientos que se suceden cada vez más rápido en el tiempo. El proyecto moderno originado con las vanguardias históricas llegó a su culminación con diversos estilos antimátericos que destacaban el origen intelectual del arte por sobre su realización material, como elarte de acción y elarte conceptual. Alcanzado ese nivel de prospección analítica del arte, se produjo el efecto inverso —como suele ser habitual en la historia del arte, donde los diversos estilos se enfrentan y se contraponen, el rigor de unos sucede al exceso de otros, y viceversa—, retornando a las formas clásicas del arte, aceptando su componente material y estético, y renunciando a su carácter revolucionario y transformador de la sociedad. Surgió así elarte postmoderno, donde el artista transita sin pudor entre diversas técnicas y estilos, sin carácter reivindicativo, volviendo al trabajo artesanal como esencia del artista. Por último, hay que remarcar a finales de siglo la aparición de nuevas técnicas y soportes en el terreno del arte:video,informática,internet,láser,holografía, etc.[138]
Nueva figuración (1945-1960): como reacción a la abstracción informalista surgió un movimiento que recuperó la figuración, con cierta influencia expresionista y con total libertad de composición. Aunque se basaban en la figuración no quiere decir que ésta fuese realista, sino que podía ser deformada o esquematizada a gusto del artista. En la génesis de este estilo tuvo decisiva influencia la filosofíaexistencialista y su visión pesimista del ser humano, y entroncaron con el movimientobeat y losangry young men. Entre sus figuras se puede mencionar aFrancis Bacon,Lucian Freud,Bernard Buffet,Nicolas de Staël y los miembros del grupoCoBrA (Karel Appel,Asger Jorn,Corneille yPierre Alechinsky), así comoGermaine Richier yFernando Botero en escultura.
Arte cinético (desde 1950): también llamadoop-art (arte óptico), es un estilo que pone énfasis en el aspecto visual del arte, especialmente en los efectos ópticos, que son producidos bien por ilusiones ópticas (figuras ambiguas, imágenes persistentes, efecto demoiré), bien mediante el movimiento o los juegos de luces. Es un arte abstracto pero racional, compositivo, al contrario que el informalismo. DestacanVictor Vasarely,Jesús Rafael Soto,Yaacov Agam,Julio Le Parc,Eusebio Sempere, etc.
Nuevo realismo (1958-1970): movimiento francés inspirado en el mundo de la realidad circundante, delconsumismo y la sociedad industrial, del que extraen —al contrario que en elpop art— su aspecto más desagradable, con especial predilección por los materialesdetríticos. Sus representantes fueronArman,César Baldaccini,Yves Klein,Jean Tinguely,Piero Manzoni,Daniel Spoerri,Niki de Saint Phalle, etc. Klein y Manzoni fueron antecedentes delarte conceptual: Klein con susantropometrías y suscosmogonías (pinturas expuestas a los elementos: fuego, lluvia) o con su exposiciónVacío (1958, Galería Iris Clert), donde vendió el espacio vacío de una galería; y Manzoni envasando susexcrementos en lata (Merda d'artista, 1961).
Hiperrealismo (desde 1965): como reacción al minimalismo surgió esta nueva corriente figurativa, caracterizada por su visión superlativa y exagerada de la realidad, que es plasmada con gran exactitud en todos sus detalles, con un aspecto casi fotográfico. DestacanChuck Close,Richard Estes,Don Eddy,John Salt,Ralph Goings,Antonio López García y, en escultura,George Segal, famoso por sus figuras humanas enyeso.
Nuevas tecnologías (desde 1965): la aparición de nuevastecnologías desde los años 1960 (televisión,video,informática) ha supuesto una gran revolución para el arte no solo en cuanto a nuevos soportes y materiales, sino a nuevas formas de expresión que han ampliado los límites del arte. Elvideoarte surgió en 1965 con la aparición de la primeracámara de video portátil (laPortapak deSony). En esta modalidad destaca no solo su componente físico —la emisión de imágenes, generalmente en el marco de instalaciones o performances—, sino el mensaje inherente a la imagen filmada, fusionando el mundo de la comunicación con la cultura popular. Exponentes de esta modalidad sonNam June Paik,Dan Sandin,Bill Viola,Tony Oursler, etc. Elsound art (oaudio art) se basa en elsonido, ya sea natural, musical, tecnológico o acústico, y se integra en el arte a través deensamblajes, instalaciones, performances, videoarte, etc. (Laurie Anderson,Brian Eno). La informática einternet han supuesto igualmente un gran impulso para el arte, no solo como soporte sino por sus nuevas posibilidades creativas y, especialmente, por su aspecto interactivo, suponiendo una nueva forma de colaboración entre el artista y el público (Olia Lialina,Heath Bunting,Jake Tilson).
Durante el proceso decolonización iniciado por las potencias europeas en el siglo XIX, y sobre todo en elXX con el auge de losmedios de comunicación (radio,televisión,internet) y el proceso deglobalización cultural producido a nivel mundial, el arte se ha estandarizado progresivamente hacia la universalización de estilos, conservando en muchos lugares las formas autóctonas y tradicionales, pero adquiriendo un sello estilístico común perceptible en diversos puntos del planeta. Antiguas formas artísticas basadas en materiales y tipologías tradicionales han abrazado las nuevas tecnologías y un nuevo sentido estético dominado por factores como la moda y la rapidez de difusión de los diversos movimientos artísticos.
En elcontinente africano aún perduran ciertas formas tradicionales de arte, si bien la colonización europea introdujo el arte occidental, produciéndose cierta mezcolanza de ambos estilos. En muchas partes de África el arte está marcado por la religiónislámica, mientras que en otras es más de signocristiano, pero aún perduran las antiguas formasanimistas. El interés por elarte africano en Europa ha llevado a su producción con fines de exportación, principalmentemáscaras y esculturas ornamentales deébano omarfil. Entre los artistas más destacados se puede citar aAshira Olatunde (deNigeria),Nicholas Mukomberanwa (deZimbabue),Henry Tayali (deZambia) yEric Adjetey Anang (deGhana).
En laIndia, el arte se abrió a mediados del siglo XX a las formas de vanguardia, como se puede apreciar en la intervención de arquitectos extranjeros comoLe Corbusier enChandigarh yBangalore. Actualmente la India está viviendo un auge en el campo de la creación emergente y las artes plásticas contemporáneas, siendo el artista indio más cotizado el escultorAnish Kapoor, junto al que destacan nombres comoRam Kinker Baij,Sankho Chaudhuri,Ajit Chakravarti yNek Chand.
El fin de la era imperial supuso la modernización deChina, que se abrió más a la influencia occidental. El triunfo de larevolucióncomunista impuso como arte oficial elrealismo socialista, si bien recientemente la nueva política aperturista ha favorecido la llegada de las últimas tendencias artísticas, ligadas a las nuevas tecnologías. En 1989 tuvo gran resonancia la exposiciónChina/Vanguardia, en la Galería Nacional China dePekín, que mostraba las últimas creaciones del momento, incluyendo tanto obra pictórica como fotografías, instalaciones y performances. Desgraciadamente, los sucesos deTiananmen provocaron un nuevo retroceso, hasta una nueva apertura en 1992. Los artistas chinos contemporáneos más relevantes son:Qi Baishi,Wu Guanzhong,Pan Yuliang,Zao Wou Ki yWang Guangyi.
En el siglo XX lasartes decorativas han tenido una rápida evolución, marcada por el uso de nuevos materiales y tecnologías más avanzadas, y con una clara apuesta por eldiseño como base creadora, remarcando el aspecto intelectual de estas creaciones frente a la mera realización material otorgada tradicionalmente a laartesanía. La gran revitalización de esta actividad artística provino delart déco,[nota 20] movimiento surgido enFrancia a mediados de los años 1920 que supuso una revolución para elinteriorismo y lasartes gráficas eindustriales. Este estilo se caracterizó por la predilección por la línea curva y el floreado simétrico en artes gráficas, y las formas cuadradas y geométricas en mobiliario y decoración interior. Dirigido principalmente a un públicoburgués, destacó por la ostentación y el lujo, y se desarrolló notablemente en ilustración publicitaria (Erté) ycartelismo (Cassandre). Elart déco también se dio en arquitectura (elChrysler Building deWilliam van Alen) y pintura (Tamara de Lempicka,Santiago Martínez Delgado).
Otro gran adelanto en el terreno del diseño se produjo con laBauhaus, que frente a la excesiva ornamentación delart déco introdujo un concepto de diseño más racional y funcional, más adaptado a las necesidades reales de la gente. Esta institución pretendía romper las barreras entre arte y artesanía, con una clara apuesta por la producción industrial. Su diseño se basaba en la simplicidad, la abstracción geométrica y el uso de colores primarios y de nuevas tecnologías, como se hizo patente en el mobiliario deacero tubular creado porMarcel Breuer, o laslámparas diseñadas porMarianne Brandt. En esta escuela destacaron creadores comoLászló Moholy-Nagy,Oskar Schlemmer,Johannes Itten,Paul Klee,Josef Albers, etc. Igualmente, el gruponeoplasticistaDe Stijl desarrolló un estilo interiorista basado en la simplicidad, las formas geométricas y los colores primarios, como la famosasilla roja y azul deGerrit Thomas Rietveld (1923). Desde entonces el diseño industrial y de interior ha seguido por la vía de la creación intelectual y el diseño funcional, con un progresivo aumento de la experimentación con nuevos materiales (plástico,fibra de vidrio), atendiendo a las necesidades de mercado sin renunciar al proceso de modernización de la sociedad, lo que ha generado una línea llamadastyling (representada fundamentalmente porRaymond Loewy).[141]
En el siglo XX la literatura ha tenido —como el resto de las artes— una gran diversidad estilística, partiendo de premisas anteriores y cánones clásicos en algunos casos, y rompiendo con el pasado y experimentando nuevas formas y estilos en otros. El afán de innovación llevó a la búsqueda de la esencia literaria, de un lenguaje trascendente y metafísico, como es el caso de la denominada «poesía pura» (Paul Valéry,William Butler Yeats,Ezra Pound,T. S. Eliot,Eugenio Montale,Fernando Pessoa,Konstantinos Kavafis). El principal campo de experimentación fue el de las vanguardias artísticas: elfuturismo destacó por su afán modernizador, exaltando los adelantos técnicos, la velocidad, la acción, incluso la violencia (tuvo estrechos contactos con elfascismo italiano), defendiendo la destrucción de lasintaxis y la libertad de las palabras; estuvo representado principalmente porFilippo Tommaso Marinetti yVladimir Maiakovski. Elcubismo buscó nuevas formas sintácticas, deshaciendo los poemas y dándoles un aspecto gráfico, con diferentes tipos de letra y aparición de signos extralingüísticos, suprimiendo los signos de puntuación («collage lingüístico»), destacandoGuillaume Apollinaire. Eldadaísmo introdujo laanarquía en la génesis literaria, buscando deliberadamente un lenguaje caótico y absurdo, que pierde su aspecto lógico y comunicativo, como en la obra deTristan Tzara. Elexpresionismo criticó la sociedad burguesa de su época, el militarismo, la alienación del individuo en la era industrial y la represión familiar, moral y religiosa. Ya no se imita la realidad, no se analizan causas ni hechos, sino que el autor busca la esencia de las cosas, mostrando su particular visión. DestacaronFranz Kafka,Gottfried Benn,Alfred Döblin,Georg Heym,Franz Werfel,Georg Trakl yRainer Maria Rilke. Elsurrealismo tuvo gran influencia de lapsicologíafreudiana, evocando en sus obras el mundo del inconsciente, de los sueños, de la subjetividad, en un estilo que buscaba la asociación insólita de palabras, demetáforas oníricas y delirantes, que se tradujo en la técnica de la «escritura automática». DestacaronAndré Breton,Paul Éluard yLouis Aragon.
Elteatro del siglo XX ha tenido una gran diversificación de estilos, evolucionando en paralelo a las corrientes artísticas de vanguardia. Se pone mayor énfasis en la dirección artística y en laescenografía, en el carácter visual del teatro y no solo el literario. Se avanza en la técnica interpretativa, con mayor profundización psicológica (método Stanislavski,Actors Studio deLee Strasberg), y reivindicando el gesto, la acción y el movimiento. Se abandonan las tres unidades clásicas y comienza el teatro experimental, con nuevas formas de hacer teatro y un mayor énfasis en elespectáculo, retornando al rito y a las manifestaciones de culturas antiguas o exóticas. Cobra cada vez mayor protagonismo eldirector teatral, que muchas veces es el artífice de una determinada visión de la puesta en escena (Vsevolod Meyerhold,Max Reinhardt,Erwin Piscator,Tadeusz Kantor).
Desde los años 1960 el teatro ha reaccionado contra la distanciación del teatro épico, buscando una comunicación dramática establecida a través de acciones reales que afecten al espectador (The Living Theatre, teatro-laboratorio deJerzy Grotowski, acciones dehappening). Los nuevos directores han agregado a este «teatro de provocación» una conciencia estilística basada en la ceremonia, el divertimento y el exhibicionismo (Peter Brook,Giorgio Strehler,Luca Ronconi). El lenguaje oral queda así doblado por el visual, y el arte dramático recupera en cierta forma su antigua ambición de «teatro total». Esto se pone de manifiesto en varios grupos españoles, comoEls Joglars,Els Comediants yLa Fura dels Baus, o el grupocanadienseCirque du Soleil.[144]
Ladanza expresionista supuso una ruptura con el ballet clásico, buscando nuevas formas de expresión basadas en la libertad del gesto corporal, liberado de las ataduras de lamétrica y elritmo, donde cobra mayor relevancia la autoexpresión corporal y la relación con el espacio. Su principal teórico fue el coreógrafoRudolf von Laban, quien creó un sistema que pretendía integrar cuerpo y alma, poniendo énfasis en la energía que emanan los cuerpos, y analizando el movimiento y su relación con el espacio. Este nuevo concepto quedaría plasmado con la bailarinaMary Wigman. De forma independiente, la gran figura de principios de siglo fueIsadora Duncan, que introdujo una nueva forma de bailar, inspirada en ideales griegos, más abierta a la improvisación, a la espontaneidad.
La fotografía delChe Guevara (1960), deAlberto Korda, es una de las fotografías más famosas y reproducidas del siglo XX.
En el siglo XX se extendió notablemente el uso de lafotografía, ya que las continuas mejoras técnicas en cámaras portátiles permitían un uso generalizado de esta técnica a nivel amateur. Su presencia fue esencial enrevistas yperiódicos, asumiendo los medios de comunicación de masas un papel preponderante en la cultura visual del siglo XX. Durante laPrimera Guerra Mundial y la siguiente posguerra nació elperiodismo fotográfico, originalmente enAlemania, con revistas comoBerliner Illustrierte Zeitung yMünchner Illustrierte Presse, destacando la obra deErich Salomon yStefan Lorant, creador del «reportaje fotográfico». Pronto esta forma de fotoperiodismo se expandió por todo el mundo, propiciada por la aparición de una nueva cámara —laLeica (1925)— con objetivos intercambiables y rollos de 36 tomas. En 1947 apareció laPolaroid, de película instantánea. En el siglo XX la fotografía también ha estado muy unida a lamoda y lapublicidad.
La fotografía se integró plenamente a los movimientos de vanguardia: así, los fotógrafosexpresionistas alemanes (August Sander,Karl Blossfeldt,Albert Renger-Patzsch) crearon un tipo de fotografía basada en la nitidez de la imagen y la utilización de la luz como medio expresivo, modelando las formas y destacando las texturas. Este tipo de fotografía tuvo una importante resonancia internacional, generando movimientos paralelos como laphotographie pure francesa y lastraight photography estadounidense. Elfuturismo italiano estuvo ligado a la fotografía en movimiento (fotodinamismo), representado porAnton Giulio Bragaglia. En Gran Bretaña surgió elvorticismo, ligado alcubismo, destacandoAlvin Langdon Coburn. Con laRevolución soviética, enRusia se impuso elrealismo socialista, con la figura predominante deAleksandr Rodchenko. En Estados Unidos,Alfred Stieglitz fundó laPhoto-Secession, que mostró la vida urbana con una emotividad artística, y se vinculó a movimientos como eldadaísmo. En este último destacóMan Ray, que llegó a hacer fotografías sin cámara, poniendo objetos sobre la película y exponiéndolos unos segundos a la luz, creando imágenes ambiguas entre la figuración y la abstracción. Otra innovación del dadaísmo fue elfotomontaje, como los elaborados porJohn Heartfield yHannah Höch. Por último, elsurrealismo introdujo en fotografía el mundo del inconsciente, de los sueños, las imágenes oníricas (Eugène Atget,Jacques-André Boiffard,Raoul Ubac).
Una de las grandes revoluciones artísticas yaudiovisuales del siglo XX ha sido elcine: a partir de la invención delcinematógrafo en 1895 por loshermanos Lumière, el cine ha tenido una rápida evolución tanto artística como tecnológica que lo ha convertido en un auténtico fenómeno de masas, siendo rápidamente considerado como el «séptimo arte».[nota 21] El cine es quizá uno de los medios artísticos más completos, ya que aúnaimagen consonido,guionliterario,interpretación,decorados,maquillaje,vestuario, etc. Además introduce una nueva dimensión, eltiempo, la sucesióncronológica de los hechos, donde cobra un papel relevante elmontaje. En sus inicios el cine eramudo, sin sonido, hecho que no impidió la creación de una auténticagramática visual que aportó la base principal de la narración cinematográfica. Con la incorporación de elementos tomados delteatro como los decorados y losefectos especiales —proceso iniciado porGeorges Méliès—, el cine alcanzó un grado de auténtica artisticidad. De carácter netamenteindustrial en cuanto a su aspecto productivo, el cine tuvo una primera y rápida implantación en Estados Unidos, donde se forjó una poderosa industria cinematográfica que cristalizaría enHollywood. Allí surgieron algunos de los primeros genios del cine:Edwin S. Porter, primero en rodar escenas plano-contraplano;David Wark Griffith, que introdujo el montaje narrativo y los efectos de luz; yCharles Chaplin, que aparte de ser iniciador delstar system hollywoodiense, fue pionero en numerosos aspectos interpretativos y argumentales, como los géneros y los personajes arquetipo, además de introducir lapsicología en la interpretación.
Los siguientes pasos del cine van en paralelo a las vanguardias artísticas de la época: elcine expresionista alemán introdujo un estilo subjetivista que ofrecía en imágenes una deformación expresiva de la realidad, traducida en términos dramáticos mediante la distorsión de decorados y maquillajes, así como efectos de luz, y la consiguiente recreación de atmósferas terroríficas o, cuando menos, inquietantes. Cabe destacar aRobert Wiene,Friedrich Wilhelm Murnau,Fritz Lang,Georg Wilhelm Pabst,Josef von Sternberg yErnst Lubitsch. En Francia, tuvieron reflejo cinematográfico tanto elimpresionismo como elsurrealismo: el primero se tradujo en obras de elevado contenido intelectual y moral, de temática refinada y gran simplicidad estilística, y un naturalismo contrapuesto a la artificiosidad expresionista, con recursos como elflou y elflashback; estuvo representado porLouis Delluc,Abel Gance yJean Epstein. El cine surrealista fue un fiel reflejo del carácter onírico de esta corriente, con obras donde predominaba una cierta atmósfera de ensueño, de delirio, sino de locura; fueron sus mejores representantesSalvador Dalí yLuis Buñuel. Elcubismo también tuvo su reflejo en la experimentación rítmico-plástica delBallet mecánico (1924) deFernand Léger. Se llegaron incluso a realizar algunos filmesabstractos, obra de directores comoViking Eggeling (Sinfonía Diagonal, 1921),Hans Richter (Rythmus, 1921),Oskar Fischinger (Composición en azul, 1927) yGermaine Dulac (Arabesque, 1930). Uno de los grandes aportes al cine mudo fue el delcine soviético: conscientes del valor divulgativo del nuevo arte, los líderes revolucionarios rusos fomentaron la industria cinematográfica, que alcanzaría cotas elevadas con la obra deSergei Eisenstein,Lev Kuleshov,Dziga Vertov,Vsevolod Pudovkin,Aleksandr Dovzhenko, etc. Es un cine que aúna pureza visual con elegancia estética, renovando el lenguaje cinematográfico a través del montaje, con el que consiguenmetáforas visuales de gran impacto y calidad, con un gran componente de introspección psicológica y expresión sentimental.
Lahistorieta —o cómic— es una narración ilustrada por medio deviñetas, que presenta imágenes y —opcionalmente— texto (insertado a través de los llamados «bocadillos» para diálogos, y «cartuchos» para texto al pie de imagen), narrando una historia en sentidoargumental ycronológico. Basado en la reproducción en serie, apareció por primera vez en periódicos y revistas, para cobrar autonomía propia en ediciones independientes. Tiene pues su origen en losmedios de comunicación de masas aparecidos a finales del siglo XIX y principios delXX. Se suele considerar como primera historieta la deThe Yellow Kid, deRichard Felton Outcault, aparecida en 1896 en el diarioNew York World (la camisa amarilla del personaje dio nombre a la llamada «prensa amarilla»). En 1905 aparecióLittle Nemo in Slumberland, deWinsor McCay, que elevó la historieta a grandes cotas artísticas, destacando por su fantasía y creatividad. Posteriormente destacaronRudolph Dirks,George Herriman,George McManus, etc.[151]
En el siglo XX ha adquirido gran auge el arte efímero, que por su carácter perecedero y transitorio no deja una obra perdurable, o si la deja —como sería el caso de lamoda— ya no es representativa del momento en que fue creada. En estas expresiones es decisivo el criterio del gusto social, que es el que marca las tendencias, para lo cual es imprescindible la labor de los medios de comunicación.
Peluquería: es el arte delpeinado, realizado según parámetros estilísticos que van evolucionando según la moda. Está fuertemente relacionada con elmaquillaje, así como con elarte corporal (tatuaje,piercing). A principios de siglo se llevó el pelo corto conflequillo, que recibió diversos nombres:bob cut,shingle bob oeton crop, característico de un tipo de mujer llamadaflapper; a mediados de siglo volvió el pelo largo, mientras que en los años 1960 se llevó el pelo corto con cortes geométricos; desde entonces ha habido múltiples tendencias, con una mayor proliferación del cabello teñido. Han creado tendencia peluqueros como:Lluís Llongueras,Frank Bongiovi,Jamal Hammadi,Teddy Charles,George Westmore, etc.
↑El término «faraón» proviene delegipcioper-o («la gran casa», por el palacio donde habitaba el rey), pero este vocablo surgió durante ladinastía XVIII, por lo que no debería aplicarse a reyes anteriores, aunque por lo general se suele extrapolar.Isaac Asimov:Los egipcios, Alianza Editorial,Madrid, 1981,ISBN 84-206-1794-6, p. 82.
↑Derivado dellatínclassicus («de primera clase»), el término «clásico» hacía referencia al periodo delarte griego comprendido entre el arcaico y elhelenístico, valorado como el de mayor creatividad de la historia del arte griego. Así, el término quedó comosinónimo de creatividad, de excelencia, de la mejor época de cualquier estilo artístico, por lo que numerosos estilos a lo largo del tiempo han tenido una fase denominada «clásica».Heinrich Wölfflin, por ejemplo, se refería aarte clásico para hablar delRenacimientoitaliano. Chilvers (2007), p. 207.
↑Hagia Sophía (Άγια Σοφία) engriego, que quiere decir Santa Sabiduría; sin embargo, se suele nombrar como Santa Sofía en castellano.
↑El términoartes aplicadas es sinónimo deartes decorativas oartes industriales —también llamadasartes menores—, refiriéndose a las obras realizadas con una elaboraciónindustrial oartesanal pero persiguiendo una cierta finalidad estética, generalmente de tipo ornamental. Guillermo Fatás y Gonzalo Borrás,Diccionario de términos de arte y elementos de arqueología, heráldica y numismática, Alianza, Madrid, 1990,ISBN 84-206-0292-2, p. 30.
↑Ut queant laxis,resonare fibris,mira gestorum,famuli tuorum,solve polluti,labii reatum,SancteIoannes. Más tarde, se cambióut pordo —excepto en Francia—. En los países anglogermánicos se mantuvo la notación por las letras del alfabeto: a=la, b=si, c=do, d=re, e=mi, f=fa, g=sol.«Historia de las notas musicales». Consultado el 4 de septiembre de 2010.
↑La denominación «gótico» fue introducida por los artistasitalianos delRenacimiento, en sentido despectivo, pues lo veían como algo bárbaro y atrasado, como las realizaciones de los «godos» que acabaron con elImperio romano. Chilvers (2007), p. 419.
↑El término «arte moderno» proviene del concepto de «modernidad», teoría filosófico-cultural que postula la actual vigencia de un periodo histórico marcado en lo cultural por laIlustración, en lo político por laRevolución Francesa y en lo económico por laRevolución Industrial, y que supondría la raíz social propia de laEdad Contemporánea. El proyecto moderno se caracteriza por el fin deldeterminismo y de la supremacía de lareligión, sustituidos por larazón y laciencia, el objetivismo y el individualismo, la confianza en latecnología y elprogreso, en las propias capacidades del ser humano. Esta «era moderna» habría llegado hasta la actualidad, estando plenamente vigente según unos escritores, mientras que otros defienden que es actualmente una fase superada en la evolución de la humanidad, hablándose de «posmodernidad» como periodo sucesor de este proyecto moderno.Valeriano Bozal:Modernos y postmodernos, Historia 16,Madrid, 1993.
↑Esta es una simplificación del estudio histórico del arte, pues es difícil establecer en un nombre o una fecha el inicio de lahistoriografía del arte. Se suele citar aVasari como iniciador de esta ciencia, aunque sus escritos —generalmente crónicas, inventarios, biografías u otros escritos más o menos literarios— carecían de perspectiva histórica y el rigor científico necesarios para ser considerados historiografía del arte. Sin embargo,Winckelmann creó unametodología científica para la clasificación de las artes, por lo que suele ser considerado el padre de la historia del arte.Valeriano Bozal (y otros):Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas (vol. I). Visor, Madrid, 2000,ISBN 84-7774-580-3.
↑La palabra deriva del términoitalianomaniera, que significaba «estilo», y que fue introducido porGiorgio Vasari en sus biografías de artistas para denotar el estilo grácil y equilibrado de los artistas de su tiempo. Chilvers (2007), p. 593.
↑El término «barroco» proviene de un vocablo de origenportugués, donde a lasperlas que tenían alguna deformidad se las denominaba perlasbarruecas, siendo en origen una palabra despectiva que designaba un tipo de arte caprichoso, grandilocuente, excesivamente recargado. Chilvers: (2007), p. 83.
↑Elrococó surgió enFrancia durante la regencia delduque de Orleáns, en la minoría de edad deLuis XV, y pervivió durante el reinado de éste. El términorococó se formó con la conjunción delitalianobarocco yrocaille, elemento decorativo parecido a unaconcha, muy usado en la ornamentación durante este periodo. Chilvers (2007), p. 818.
↑EnReflexión sobre la imitación de las obras de arte griegas (1755),Johann Joachim Winckelmann afirmó que los griegos llegaron a un estado de perfección total en la imitación de la naturaleza, por lo que nosotros sólo podemos imitar a los griegos. Asimismo, relacionó el arte con las etapas de la vida humana (infancia, madurez, vejez), estableciendo una evolución del arte en tres estilos: arcaico, clásico y helenístico.Valeriano Bozal (y otros):Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas (vol. I). Visor, Madrid, 2000,ISBN 84-7774-580-3, pp. 150-154.
↑Aunque hoy día se suele generalizar como «música clásica» lamúsica sinfónica de tipoorquestal, en realidad hace referencia a un periodo concreto de lahistoria de la música, caracterizado por elclasicismo, correspondiente al último tercio del siglo XVIII y principios delXIX. El término «música clásica» apareció por primera vez en elOxford English Dictionary en 1836, y señalaba las composiciones europeas más destacadas del siglo anterior. Con el tiempo ha significado lo opuesto a lamúsica popular en el lenguaje corriente: es el nombre habitual de lamúsica culta, académica odocta.The Oxford English Dictionary (2007). The OED Online, ed.«Classical». Consultado el 10 de mayo de 2007.
↑Conviene no confundir conarte postmoderno, aplicado a las últimas tendencias artísticas del siglo XX y principios delXXI. Francesc Fontbona:El modernisme i el noucentisme, enEl llibre d'or de l'art català, Edicions Primera Plana, Barcelona, 1997, pp. 171-172.
↑Aunque lafotografía es anterior alcine, éste se considera el séptimo arte y la fotografía el octavo, pues adquirió tal categoría antes que la fotografía alcanzase dicho estatus.
↑Se denominan «vanguardias históricas» a las producidas desde la preguerra de primeros de siglo (en torno a 1910) y el fin de laSegunda Guerra Mundial. Javier Arnaldo:Vanguardias históricas (I), Historia 16, Madrid, 1993, p. 6.
↑El término «surrealismo» fue ideado porApollinaire en 1917, refiriéndose a lo que está «por encima de la realidad». Enespañol se tradujo directamente delfrancéssurréalisme, aunque lo correcto sería «sobrerrealismo» o «superrealismo».
↑El términoart déco es diminutivo dearts décoratifs («artes decorativas» enfrancés), y proviene de laExposición de Artes Decorativas de 1925 (Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes) enParís. AA. VV.:Enciclopedia del Arte Garzanti (1991), p. 59.
AA.VV. (1991).Enciclopedia del Arte Garzanti. Barcelona: Ediciones B.ISBN84-406-2261-9.
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