只摘野菜2024-7-4 16:01 /
本译文旨在引介日本乐迷对《偶像活动》歌曲的评论以拓宽听众视野，虽然译者并不完全认同文章观点，但是流行音乐史的欣赏视角值得参考。正文中除链接文本和和声进行以外，方括号（【】）里的内容都是译注和吐槽。翻译时考虑到阅读便利不会原封不动地直译，语体、段落划分会做适当调整，但尽量保证把意思传达到位。如有需求可阅读原文。欢迎指正错误。
原文：アイカツ!曲とR&B/Funk/ブラコンについての長文
翻译：我、Chega de Saudade(@Chega de Saudade)
校对：我
原文：アイカツ!曲とR&B/Funk/ブラコンについての長文
翻译：我、Chega de Saudade(@Chega de Saudade)
校对：我
#1 - 2024-7-4 16:03
只摘野菜
我在Spotify上建了一个歌单，收录这篇文章中提到的偶活歌曲及其相关曲。 这些歌曲既有直接neta的，也有只是风格相似的，但借这个机会我还是会写下每首歌曲之间的关系并附上说明。
1．サマー☆マジック 〜 90年代R&B与采样
【みき・みほ from AIKATSU☆STARS! - サマー☆マジック（2015年）】
「サマー☆マジック」的genre是啥？对于这个问题，笔者会坚定地回答：「是90s R&B。」
虽说R&B的内涵一直在随时代变迁、编排方式进化而变化，但若不特地说明，提到这个词一般指代的都是节奏慢、听感时髦、美声吟唱的那一类（所谓狭义的R&B）。
从音乐史的角度看的话，R&B基于19世纪美国黑人的Gospel、Blues，经过20世纪初的商业化，并受同时期兴起的爵士乐的影响而成型。广义上来讲几乎所有黑人流行乐都可以叫做RnB，所以各个时代的R&B差别还是很大的。五六十年代流行的RnB被称作Motown Sound，典例是The Supremes的《You Can't Hurry Love》，「アイカツステップ!」里就使用了类似的节拍。70年代，R&B分化为Soul、Funk和Disco，内容反映了当时民权运动的背景，制作上则开始使用Moog、Rhodes等电声乐器。到了80年代，合成器和鼓机的使用更加频繁，产生了Synth Funk、Urban Contemporary等流派。紧接着90年代，嘻哈迎来黄金期，R&B受其影响也开始大量使用采样的技术。
那么说回「サマー☆マジック」，我认为它致敬了两首歌——En Vogue 的「Give It Up, Turn It Loose」①和Around The Way的「Really Into You」②。但首先我们来说说采样。采样（Sampling）简单来说就是取用既有歌曲的一部分放到自己的歌里。比如曲①前奏就借了「The Honey Drippers - Impeach The President」（1973）前奏的鼓点，曲②前奏也挪用了「Grover Washington Jr. - Just the two of us」（1980）。运用这种手法做出伴奏再添上vocal，是90s RnB的一大特点（当然同时施行采样和演奏的曲子也有很多，至于这种做法的版权问题感兴趣的可以自行了解）。「サマー☆マジック」当然也不是照搬这些歌，制作上留下的痕迹，只能说是懂的都懂；「Impeach The President」 是九十年代嘻哈/RnB重要的采样源，「サマー☆マジック」采用类似的鼓编，可以说是自报家门了。那我们就借此契机来展开说说曲目①②吧。
【En Vogue - Give It Up, Turn It Loose（1992）】
En Vogue于1990年出道，是90s RnB团体代表之一。如前文所述，这首歌和サマー☆マジック挪用了同一首歌的鼓点，和弦进行使用了所谓的“Just the two of us系”进行【也就是所谓的“丸サ進行”】，歌词则表现出对感情的依恋。这首歌开头是一个小品。一位成员似乎因为感情受挫而无法集中精力合唱，大家与她交谈并安慰她说：“You see, I’ve been through this myself. And, let’s talk.”歌词中她伤心欲绝，她的朋友们为她打气，让人体会到美好的同性友谊。而「サマー☆マジック」里也唱到 "和曾经的好友举杯相碰/回忆起我还是个天真孩童时的夏天"。两首歌都反映了女孩间的亲密关系。
【Around The Way - Really Into You（1993年）】
谜之组合Around The Way的名曲，大体属于RnB中的Ground Beat【这貌似又是个只有日本人使用的词，说的是80年代后期产生的具有英国特色的R&B/Soul】/New Jack Swing，收录于93年发行的专辑『Smooth in the way』中，除此之外这个组合几乎没留下什么信息。
而我想进一步说明的，是被这首歌采样的「Just the two of us」（日版引进名：クリスタルの恋人たち），一首1980 年由萨克斯手Grover Washington Jr.和歌手Bill Withers携手演绎的Fusion/R&B经典作品。前文有提到，电子乐器在上世纪七八十年代开始进入R&B音乐，爵士乐也是如此，音色悲戚、带有浮游感的Fender Rhodes电钢琴便是个中翘楚，经常被采样，亦可称为这首歌的精华；当然就这首歌而言贝斯也很亮眼，而且它也是率先使用钢鼓的流行歌曲之一。
另一个要点则是它使用的这个散发哀愁气息的和弦进行【IVM7/III7/VIm7/Vm7/I7 】（不过这个进行的来源还有待考证，不一定是「Just the two of us」首创的。George Benson的巴西好友Ivan Lins，在74年的「Essa Mare」和77年的「Dinorah, Dinorah」两曲中就使用了类似的进行，我个人的观点是这些音乐在上世纪70年代末打入美国时影响了Fusion领域）。 这个能让曲子一炮而红的神奇和弦，使后世的音乐人一直趋之若鹜，直到今天每周都能听到“借鉴”了这个教科书式和弦的新曲。即便不懂乐理，也很容易感受到他们和「サマー☆マジック」的相似之处。
2. オトナモード 〜 水晶般的Lovers Rock
【我最讨厌的双关笑话解释环节……大意就是クリスタルの恋人たち和Lovers Rock缝到一起】
【りすこ・もな from STAR☆ANIS - オトナモード（2014）】
「オトナモード」是一首在编排上有意靠近雷鬼的分支之一“Lovers Rock”的曲目。简而言之，Lovers Rock就是在英国伦敦产生的、以雷鬼为体裁的情歌。雷鬼发祥于牙买加，和当地的拉斯塔法里运动有很深的渊源，最开始大多以宣传宗教和政治理念为题材，几乎没有讲男女情爱的；但是牙买加人大批移民至伦敦后打破这一传统，独立发展出了Lovers Rock。
在偶活的一众名曲中，笔者认为「オトナモード」是可以名留流行乐史【......
】的大制作；伴奏整体是Loves Rock，而和弦又使用了经典款丸之内进行，唱腔比起雷鬼则更接近RnB，在两者之间达到绝妙的平衡，这种融合无疑是成功的，真的是很棒的点子；笔者带着“以前真的没有这样的歌吗”的疑问搜刮了近五年的各路雷鬼、RnB都没有听到类似的歌（原注：有的人可能会想到日本 Reggae/RnB 歌手 MINMI的「四季ノ唄」，但实际对比一下就会发现这首歌也与一般的 Lovers Rock 或Dancehall Reggae有些差距）【这段看个乐得了，雷鬼和RnB本来就有很多交流，别太钻牛角尖】。但是就Just the two of us这首歌本身，我找到了三首Lovers Rock形式的翻唱，下面介绍一下。
【Gappy Ranks - Just the two of us（2011年）】
【John Holt - Just the two of us（1982年）】
Gappy Ranks是一名2002年开始在英国活动的Dancehall Raggae歌手，实际上他本身倒不是很有名，只是恰好在我的Spotify歌单里，但听了也足以明白他和オトナモード的相近之处。雷鬼/Lovers Rock名歌手John Holt也曾献上翻唱，散发出相同的vibes。
不过就我个人而言，与「オトナモード」最贴近的当属久保田利伸的翻唱。
【久保田利伸 - Just the 2 of Us (DUET WITH CARON WHEELER)（1991年）】
这个版本的翻唱收录在久保田利伸1991年发行的全雷鬼专辑『Kubojah』中。其实他在1995年收录于『Sunshine,Moonlight』的另一版Just the two of us翻唱要更有名，没想到在这之前还有一个Lovers Rock版的呢。这个版本在采用了RnB唱法这点上也和「オトナモード」如出一辙。
嘛，花了这么多心思来找「オトナモード」的原型，但要说这首就是原型总感觉还是差点意思（重点错）。如果大家也碰到类似的曲子随时欢迎提供情报哦！
<2020/4/4追记>
痛悉Just the two of us原唱Bill Withers离世，恍惚间在网上巡回这首歌又有了新发现。
【Carroll Thompson with Maxi Priest - Just The Two Of Us（1995年）】
前文明明说「自己花了五年在Reggae、Lovers Rock中探索」，居然忽视了Carroll Thompson和Maxi Priest的这首debut，不禁感叹「←这家伙到底在干啥啊」。
此曲收录在Carroll Thompson于1995年发行的专辑「Full Circle」中。虽然曲子本身没有单独发行single，市场上却有大量非官方的单曲唱片，似乎也是Lovers Rock现场中高人气曲目。
这版cover也很像オトナモード吧？正文中没有介绍这个超重要的版本，我就在追记补充了。
オトナモード的基本和弦进行是降B调【IVM7/IIIm7/VIm/IIIm/ bIII#dim/IIm/V】（8/3 23:56 修正）
3. Trap of Love 〜 莫非是ブラコン？
【ブラコン即ブラック・コンテンポラリー（Black Contemporary），是日语中惯用的说法，英语中通常称为Urban Contemporary，后面将简述为urban】
【すなお・わか・ふうり from STAR ANIS - Trap of Love（2012年）】
「Trap of Love」的genre是Urban Contemporary，简单来说这是对80年代前后RnB的统称，通常的特征是使用前沿的工具诸如合成器、鼓机来设计音色。
「Trap of Love」采用典型的Just the two of us式进行，同时大量使用了pad、bell等音色。笔者这六年都在孜孜不倦寻找「Trap of Love」的原型，但也许作者只是想用这个体裁和进行，可能没有真正意义的原型。【无聊的日本人
......】不过还是能列举一些类似的歌曲的。要说做得正点的urban，Keith Washington的「When You love Somebody」能排得上号。
【Keith Washington - When You love Somebody（1991年）】
这首歌收录在Keith Washington1991年的专辑『Make Time For Love』，可能而今不那么出名，但仍是经典之作。作曲是提携过Chante Moore、Charlie Wilson的Laney Stewart，亦是Tricky Stewart的哥哥。
不过要靠近「Trap of Love」，我想还是得找点演唱方面多一点当代感的曲子，从这个角度看，90 年代 R&B 歌后 Mary J. Blige 的「Love No Limit」比较符合这种印象，它既有 90s R&B 的紧凑感，又保留了80s urban的风格。
【Mary J. Blige - Love No Limit（1992年）】
要从日本本土找类似氛围的歌曲的话，我第一个想到的是由角松敏生操刀、吉沢梨絵演唱的「Give it up」。贝斯尤其瞩目。
【吉沢梨絵 - Give it up（1997年）】
尽管如此，笔者仍认为在少女动画的歌曲中加入urban元素无疑是个大胆的想法；虽然早就知道偶活歌曲涉猎许多风格，听到有urban要素还是着实吃了一惊；在2012年复兴80年代音乐已经算是某种意义的非主流，居然还塞到少女动画里，给我的冲击至今记忆犹新。感觉这可能是偶活的策略，就是想让偶活不仅仅是单纯的子供向动画，还能让陪同观看的父母辈产生亲切感。如此一来，那90年代初《美少女战士》里面反映了当时的黑人流行潮流的乐曲【？有吗，没听原声带不清楚】，难道也是有意为之？
4. 約束カラット 〜 80年代的Synth-pop
【みほ・ななせ from AIKATSU STARS! - 約束カラット（2015年）】
「約束カラット」第一耳听上去和「Trap of Love」有类似的urban氛围，但是到了副歌能听到和弦乐器一样的高音synth反复演奏单音，还有3:00后桥段中重复的乐句，这则是80s Synth-pop里常见的pattern。类似歌曲有Jane Child的名曲「Don’t Wanna Fall In Love」。
【Jane Child - Don’t Wanna Fall In Love（1989年）】
女唱作人Jane Child在1989年发布了专辑『Don’t Wanna Fall In Love』。她的造型看起来有点朋克，但创作的基本是Synth-pop，与同时创作摇滚和Funk的Prince有相近的气质；该曲就和Prince的I Wanna be Your Lover一样，伴奏里的合成器不断演奏单音，十分美丽（原注：说起来也许有些画蛇添足，但这首歌还有Teddy Riley的remix版本）。（和声进行【IV/bVIdim7/ VIsus4/VI7】也是just the two of us的变体。）
还要找些其他例子的话，Kylie Minogue的Nothing to Lose也比较相近吧。
【Kylie Minogue - Nothing to Lose（1989年）】
5. MY SHOW TIME! 〜 黒沢凛、D Train、Michael Jackson
【ななせ from AIKATSU☆STARS! - MY SHOW TIME!（2015年）】
「MY SHOW TIME!」的体裁是80年代的Synth Funk。
今天的人可能想不到，直到大概10年前人们都觉得80年代的音乐很老土，完全不正眼相待呢，可能是觉得鼓机和合成器的音色很肤浅吧。而2009发行的《Toeachizown》（Dam Funk）扭转了这个局势。自此，80年代的音乐得到了重新评价的机会，收藏家们也开始巡猎那时大量使用合成器的Funk/Disco，又或者说是Synth Funk（原注：方便起见我们暂且称为Synth Funk，但更常用的说法应该是Modern Funk或Boogie Funk）。到这波浪潮进入全盛时期，「MY SHOW TIME!」便于2015年问世了。
初听之下，能感受到一种类似于Prelude Records旗下D Train和Sharon Redd等人作品的Synth Funk风格。事实上，这首歌的编曲者Integral Clover确实也坦言自己参考了D-Train - You’re The One For Me、Michael Jackson - Smooth Criminal等歌曲。【D Train - You’re the One for Me（1982年）】
D Train是80年代Synth Funk的代表之一，这首You’re the One for Me是他们1982年的hit曲。不知道在此处提及会不会有些唐突，但我想到「Choo Choo TRAIN」前奏里谜之声音吟唱的“Sky is the limit and you know that you keep on just keep on pressin’ on”，就是采样了D Train的「Keep on」（ZOO和EXILE版都有）。
其实仔细听这些歌，虽然氛围类似但乐句的结构还是大相径庭的（这不废话），所以听到「MY SHOW TIME!」会感觉「我肯定在哪里听过这个乐句，但找不到是哪首曲子啊啊啊！」，陷入烦躁的情绪。即便如此，「MY SHOW TIME!」再现的声音就算直接和80年代的歌曲放在一起也毫不违和。
至于编曲者提到的另一首歌，Michael Jackson 的「Smooth Criminal」，参考的点大概是旋律和合奏【原文叫キメ，大意是由所有乐器整齐演奏相同乐句的固定段落，译者找不到中文或英文里对应的词，如有专业人士欢迎指正，下文还会出现类似的词暂且先采用这个译名】。
【Michael Jackson - Smooth Criminal（1987年）】
Smooth Criminal的Aメロ的一小节8拍被分成4/2/2，前3拍加入歌声，第4拍空出来用于强调snare，然后重复第5拍歌声→第6拍snare、第7拍歌声→第8拍snare，通过反拍上的snare创造出极强的律动感。嗯，就是这种感觉。「MY SHOW TIME!」得此要领，也在一小节中强调最后一拍。D Train式的Synth Funk作为歌曲的灵感已经足够，而他还要加入Michael Jackson的点子，无疑是为了契合黒沢凛擅长舞蹈的设定。这种用力过度的感觉也是「MY SHOW TIME!」的魅力之一。
1．サマー☆マジック 〜 90年代R&B与采样
【みき・みほ from AIKATSU☆STARS! - サマー☆マジック（2015年）】
「サマー☆マジック」的genre是啥？对于这个问题，笔者会坚定地回答：「是90s R&B。」
虽说R&B的内涵一直在随时代变迁、编排方式进化而变化，但若不特地说明，提到这个词一般指代的都是节奏慢、听感时髦、美声吟唱的那一类（所谓狭义的R&B）。
从音乐史的角度看的话，R&B基于19世纪美国黑人的Gospel、Blues，经过20世纪初的商业化，并受同时期兴起的爵士乐的影响而成型。广义上来讲几乎所有黑人流行乐都可以叫做RnB，所以各个时代的R&B差别还是很大的。五六十年代流行的RnB被称作Motown Sound，典例是The Supremes的《You Can't Hurry Love》，「アイカツステップ!」里就使用了类似的节拍。70年代，R&B分化为Soul、Funk和Disco，内容反映了当时民权运动的背景，制作上则开始使用Moog、Rhodes等电声乐器。到了80年代，合成器和鼓机的使用更加频繁，产生了Synth Funk、Urban Contemporary等流派。紧接着90年代，嘻哈迎来黄金期，R&B受其影响也开始大量使用采样的技术。
那么说回「サマー☆マジック」，我认为它致敬了两首歌——En Vogue 的「Give It Up, Turn It Loose」①和Around The Way的「Really Into You」②。但首先我们来说说采样。采样（Sampling）简单来说就是取用既有歌曲的一部分放到自己的歌里。比如曲①前奏就借了「The Honey Drippers - Impeach The President」（1973）前奏的鼓点，曲②前奏也挪用了「Grover Washington Jr. - Just the two of us」（1980）。运用这种手法做出伴奏再添上vocal，是90s RnB的一大特点（当然同时施行采样和演奏的曲子也有很多，至于这种做法的版权问题感兴趣的可以自行了解）。「サマー☆マジック」当然也不是照搬这些歌，制作上留下的痕迹，只能说是懂的都懂；「Impeach The President」 是九十年代嘻哈/RnB重要的采样源，「サマー☆マジック」采用类似的鼓编，可以说是自报家门了。那我们就借此契机来展开说说曲目①②吧。
【En Vogue - Give It Up, Turn It Loose（1992）】
En Vogue于1990年出道，是90s RnB团体代表之一。如前文所述，这首歌和サマー☆マジック挪用了同一首歌的鼓点，和弦进行使用了所谓的“Just the two of us系”进行【也就是所谓的“丸サ進行”】，歌词则表现出对感情的依恋。这首歌开头是一个小品。一位成员似乎因为感情受挫而无法集中精力合唱，大家与她交谈并安慰她说：“You see, I’ve been through this myself. And, let’s talk.”
I’ve seen it time and time again.
It’s not worth it, no.
Don’t be down and miserable.
You and only you can bring yourself around.
Give It Up, Turn It Loose
【Around The Way - Really Into You（1993年）】
谜之组合Around The Way的名曲，大体属于RnB中的Ground Beat【这貌似又是个只有日本人使用的词，说的是80年代后期产生的具有英国特色的R&B/Soul】/New Jack Swing，收录于93年发行的专辑『Smooth in the way』中，除此之外这个组合几乎没留下什么信息。
而我想进一步说明的，是被这首歌采样的「Just the two of us」（日版引进名：クリスタルの恋人たち），一首1980 年由萨克斯手Grover Washington Jr.和歌手Bill Withers携手演绎的Fusion/R&B经典作品。前文有提到，电子乐器在上世纪七八十年代开始进入R&B音乐，爵士乐也是如此，音色悲戚、带有浮游感的Fender Rhodes电钢琴便是个中翘楚，经常被采样，亦可称为这首歌的精华；当然就这首歌而言贝斯也很亮眼，而且它也是率先使用钢鼓的流行歌曲之一。
另一个要点则是它使用的这个散发哀愁气息的和弦进行【IVM7/III7/VIm7/Vm7/I7 】（不过这个进行的来源还有待考证，不一定是「Just the two of us」首创的。George Benson的巴西好友Ivan Lins，在74年的「Essa Mare」和77年的「Dinorah, Dinorah」两曲中就使用了类似的进行，我个人的观点是这些音乐在上世纪70年代末打入美国时影响了Fusion领域）。 这个能让曲子一炮而红的神奇和弦，使后世的音乐人一直趋之若鹜，直到今天每周都能听到“借鉴”了这个教科书式和弦的新曲。即便不懂乐理，也很容易感受到他们和「サマー☆マジック」的相似之处。
2. オトナモード 〜 水晶般的Lovers Rock
【我最讨厌的双关笑话解释环节……大意就是クリスタルの恋人たち和Lovers Rock缝到一起】
【りすこ・もな from STAR☆ANIS - オトナモード（2014）】
「オトナモード」是一首在编排上有意靠近雷鬼的分支之一“Lovers Rock”的曲目。简而言之，Lovers Rock就是在英国伦敦产生的、以雷鬼为体裁的情歌。雷鬼发祥于牙买加，和当地的拉斯塔法里运动有很深的渊源，最开始大多以宣传宗教和政治理念为题材，几乎没有讲男女情爱的；但是牙买加人大批移民至伦敦后打破这一传统，独立发展出了Lovers Rock。
在偶活的一众名曲中，笔者认为「オトナモード」是可以名留流行乐史【......
】的大制作；伴奏整体是Loves Rock，而和弦又使用了经典款丸之内进行，唱腔比起雷鬼则更接近RnB，在两者之间达到绝妙的平衡，这种融合无疑是成功的，真的是很棒的点子；笔者带着“以前真的没有这样的歌吗”的疑问搜刮了近五年的各路雷鬼、RnB都没有听到类似的歌（原注：有的人可能会想到日本 Reggae/RnB 歌手 MINMI的「四季ノ唄」，但实际对比一下就会发现这首歌也与一般的 Lovers Rock 或Dancehall Reggae有些差距）【这段看个乐得了，雷鬼和RnB本来就有很多交流，别太钻牛角尖】。但是就Just the two of us这首歌本身，我找到了三首Lovers Rock形式的翻唱，下面介绍一下。【Gappy Ranks - Just the two of us（2011年）】
【John Holt - Just the two of us（1982年）】
Gappy Ranks是一名2002年开始在英国活动的Dancehall Raggae歌手，实际上他本身倒不是很有名，只是恰好在我的Spotify歌单里，但听了也足以明白他和オトナモード的相近之处。雷鬼/Lovers Rock名歌手John Holt也曾献上翻唱，散发出相同的vibes。
不过就我个人而言，与「オトナモード」最贴近的当属久保田利伸的翻唱。
【久保田利伸 - Just the 2 of Us (DUET WITH CARON WHEELER)（1991年）】
这个版本的翻唱收录在久保田利伸1991年发行的全雷鬼专辑『Kubojah』中。其实他在1995年收录于『Sunshine,Moonlight』的另一版Just the two of us翻唱要更有名，没想到在这之前还有一个Lovers Rock版的呢。这个版本在采用了RnB唱法这点上也和「オトナモード」如出一辙。
嘛，花了这么多心思来找「オトナモード」的原型，但要说这首就是原型总感觉还是差点意思（重点错）。如果大家也碰到类似的曲子随时欢迎提供情报哦！
<2020/4/4追记>
痛悉Just the two of us原唱Bill Withers离世，恍惚间在网上巡回这首歌又有了新发现。
【Carroll Thompson with Maxi Priest - Just The Two Of Us（1995年）】
前文明明说「自己花了五年在Reggae、Lovers Rock中探索」，居然忽视了Carroll Thompson和Maxi Priest的这首debut，不禁感叹「←这家伙到底在干啥啊」。
此曲收录在Carroll Thompson于1995年发行的专辑「Full Circle」中。虽然曲子本身没有单独发行single，市场上却有大量非官方的单曲唱片，似乎也是Lovers Rock现场中高人气曲目。
这版cover也很像オトナモード吧？正文中没有介绍这个超重要的版本，我就在追记补充了。
オトナモード的基本和弦进行是降B调【IVM7/IIIm7/VIm/IIIm/ bIII#dim/IIm/V】（8/3 23:56 修正）
3. Trap of Love 〜 莫非是ブラコン？
【ブラコン即ブラック・コンテンポラリー（Black Contemporary），是日语中惯用的说法，英语中通常称为Urban Contemporary，后面将简述为urban】
【すなお・わか・ふうり from STAR ANIS - Trap of Love（2012年）】
「Trap of Love」的genre是Urban Contemporary，简单来说这是对80年代前后RnB的统称，通常的特征是使用前沿的工具诸如合成器、鼓机来设计音色。
「Trap of Love」采用典型的Just the two of us式进行，同时大量使用了pad、bell等音色。笔者这六年都在孜孜不倦寻找「Trap of Love」的原型，但也许作者只是想用这个体裁和进行，可能没有真正意义的原型。【无聊的日本人
......】不过还是能列举一些类似的歌曲的。要说做得正点的urban，Keith Washington的「When You love Somebody」能排得上号。【Keith Washington - When You love Somebody（1991年）】
这首歌收录在Keith Washington1991年的专辑『Make Time For Love』，可能而今不那么出名，但仍是经典之作。作曲是提携过Chante Moore、Charlie Wilson的Laney Stewart，亦是Tricky Stewart的哥哥。
不过要靠近「Trap of Love」，我想还是得找点演唱方面多一点当代感的曲子，从这个角度看，90 年代 R&B 歌后 Mary J. Blige 的「Love No Limit」比较符合这种印象，它既有 90s R&B 的紧凑感，又保留了80s urban的风格。
【Mary J. Blige - Love No Limit（1992年）】
要从日本本土找类似氛围的歌曲的话，我第一个想到的是由角松敏生操刀、吉沢梨絵演唱的「Give it up」。贝斯尤其瞩目。
【吉沢梨絵 - Give it up（1997年）】
尽管如此，笔者仍认为在少女动画的歌曲中加入urban元素无疑是个大胆的想法；虽然早就知道偶活歌曲涉猎许多风格，听到有urban要素还是着实吃了一惊；在2012年复兴80年代音乐已经算是某种意义的非主流，居然还塞到少女动画里，给我的冲击至今记忆犹新。感觉这可能是偶活的策略，就是想让偶活不仅仅是单纯的子供向动画，还能让陪同观看的父母辈产生亲切感。如此一来，那90年代初《美少女战士》里面反映了当时的黑人流行潮流的乐曲【？有吗，没听原声带不清楚】，难道也是有意为之？
4. 約束カラット 〜 80年代的Synth-pop
【みほ・ななせ from AIKATSU STARS! - 約束カラット（2015年）】
「約束カラット」第一耳听上去和「Trap of Love」有类似的urban氛围，但是到了副歌能听到和弦乐器一样的高音synth反复演奏单音，还有3:00后桥段中重复的乐句，这则是80s Synth-pop里常见的pattern。类似歌曲有Jane Child的名曲「Don’t Wanna Fall In Love」。
【Jane Child - Don’t Wanna Fall In Love（1989年）】
女唱作人Jane Child在1989年发布了专辑『Don’t Wanna Fall In Love』。她的造型看起来有点朋克，但创作的基本是Synth-pop，与同时创作摇滚和Funk的Prince有相近的气质；该曲就和Prince的I Wanna be Your Lover一样，伴奏里的合成器不断演奏单音，十分美丽（原注：说起来也许有些画蛇添足，但这首歌还有Teddy Riley的remix版本）。（和声进行【IV/bVIdim7/ VIsus4/VI7】也是just the two of us的变体。）
还要找些其他例子的话，Kylie Minogue的Nothing to Lose也比较相近吧。
【Kylie Minogue - Nothing to Lose（1989年）】
5. MY SHOW TIME! 〜 黒沢凛、D Train、Michael Jackson
【ななせ from AIKATSU☆STARS! - MY SHOW TIME!（2015年）】
「MY SHOW TIME!」的体裁是80年代的Synth Funk。
今天的人可能想不到，直到大概10年前人们都觉得80年代的音乐很老土，完全不正眼相待呢，可能是觉得鼓机和合成器的音色很肤浅吧。而2009发行的《Toeachizown》（Dam Funk）扭转了这个局势。自此，80年代的音乐得到了重新评价的机会，收藏家们也开始巡猎那时大量使用合成器的Funk/Disco，又或者说是Synth Funk（原注：方便起见我们暂且称为Synth Funk，但更常用的说法应该是Modern Funk或Boogie Funk）。到这波浪潮进入全盛时期，「MY SHOW TIME!」便于2015年问世了。
初听之下，能感受到一种类似于Prelude Records旗下D Train和Sharon Redd等人作品的Synth Funk风格。事实上，这首歌的编曲者Integral Clover确实也坦言自己参考了D-Train - You’re The One For Me、Michael Jackson - Smooth Criminal等歌曲。
偶活编曲回忆之「MY SHOW TIME!」
当时参考了D Train的「You're The One For Me」和Michael Jackson的「Smooth Criminal」之类的Electro-funk【译注：个人认为Electro-funk和日语的シンセファンク还是有些差距，后者在英语中更常用的表达应该是Post-Disco，不过这些能算在Boogie的范畴里】。Synth solo想做成ZAPP那个样子，但是没有合适的vocoder。
— Integral Clover (@Integral_Clover) February 28, 2018
D Train是80年代Synth Funk的代表之一，这首You’re the One for Me是他们1982年的hit曲。不知道在此处提及会不会有些唐突，但我想到「Choo Choo TRAIN」前奏里谜之声音吟唱的“Sky is the limit and you know that you keep on just keep on pressin’ on”，就是采样了D Train的「Keep on」（ZOO和EXILE版都有）。
其实仔细听这些歌，虽然氛围类似但乐句的结构还是大相径庭的（这不废话），所以听到「MY SHOW TIME!」会感觉「我肯定在哪里听过这个乐句，但找不到是哪首曲子啊啊啊！」，陷入烦躁的情绪。即便如此，「MY SHOW TIME!」再现的声音就算直接和80年代的歌曲放在一起也毫不违和。
至于编曲者提到的另一首歌，Michael Jackson 的「Smooth Criminal」，参考的点大概是旋律和合奏【原文叫キメ，大意是由所有乐器整齐演奏相同乐句的固定段落，译者找不到中文或英文里对应的词，如有专业人士欢迎指正，下文还会出现类似的词暂且先采用这个译名】。
【Michael Jackson - Smooth Criminal（1987年）】
Smooth Criminal的Aメロ的一小节8拍被分成4/2/2，前3拍加入歌声，第4拍空出来用于强调snare，然后重复第5拍歌声→第6拍snare、第7拍歌声→第8拍snare，通过反拍上的snare创造出极强的律动感。
As he came into the window（哐）
Was a sound of（哐）a crescendo（哐）
ドキドキが止まらないよ（哐）
深呼吸息を整えて（哐）
#2 - 2024-7-4 16:30
只摘野菜
6. オリジナルスター☆彡 〜 地风火、DANCE☆MAN、早安家族
【わか・ふうり・すなお・れみ・もえ・えり・ゆな・りすこ from STAR☆ANIS - オリジナルスター☆彡（2013年）】
「オリジナルスター☆彡」在偶活乐曲中最接近70年代的Funk。Funk就是在1960年代末到70年代由James Brown定型的音乐样式。James Brown的Funk以four-on-the-floor【原文为16ビート，还有个类似的说法叫“四つ打ち”，此处采用了中/英文互联网上常用的这个词作为译名，简单理解为“稳定的4小节乘以4/4拍”就好，换言之就是碎拍的反义词，从Disco往后的House、Techno舞曲等都属于此类型】节奏型为框架，重复演奏短小乐句的吉他cutting，到关键的地方铜管组就像架子鼓过门一样合奏乐句，在James Brown切分丰富且充满张力的vocal引导下定型。Funk影响了同时代和后世的艺术家们，是一种被给予多重诠释的音乐。
70年代存在着无数的Funk乐队，说道在音乐史上最成功的Funk乐队果然还是Earth, Wind & Fire。「オリジナルスター☆彡」也借用了被称为「パラリラ〜」的Earth, Wind & Fire令人印象深刻的拟声唱法（scat）。
【Earth, Wind & Fire - Getaway(1976年)】
【Earth, Wind & Fire - Brazilian Rhyme（1977）】
谈及Earth, Wind & Fire的scat，恐怕大多会联想到名曲「September」副歌后的scat。还有一首名叫Brazilian Rhyme的只使用scat的无比舒适的好曲子。
但是，「オリジナルスター☆彡」不止使用能联想到Earth, Wind & Fire的动机，还受到了早安少女组等众多经手了ダンス☆マン的早安家族的歌曲的影响。ダンス☆マン也自唱发表过「接吻のテーマ」的替え歌集，类似的点子也存在于「オリジナルスター☆彡」，这种狂乱的Funk和眼花缭乱的复杂成分让人想起早安少女组的「そうだ！We're ALIVE」。更进一步说，在日本偶像界，提及Funk tune就得是早安少女组呢。这些关系我简单明了地用图解释了。（为啥）
7. lucky train! 〜 Salsoul的Disco Queen
谈及Disco是怎样的音乐类型，简单说就是以跳舞为目的的R&B。为了迎合想要更多舞动感的听众们，在抓耳的up-tempo里配上跟摇动身体的kick和snare，富有节奏感地动次打次敲打着，hi-hat和shaker也沙沙响起炒热氛围。这样的声音以费城的Philly Soul为中心受到青睐，到70年左右衍生出Disco的定式。
【Loleatta Holloway - Love Sensation（1980年）】
Loleatta Holloway是代表Disco发源地费城的女歌手。更进一步地说，也是代表70年代Disco的歌姬、被称为Disco Queen的其中一人。这首「Love Sensation」是她最后的专辑的表题曲，虽然是80年代的曲子但仍残留浓烈70年代色彩。
Loleatta Holloway隶属于厂牌Salsoul Records。Salsoul旗下音乐的特征是配有气势雄大的的弦乐、来源于salsa的打击乐、对之后的House产生巨大影响的反拍开镲（Hi-hat）、以及高亢的vocal。
Salsoul的音源受到了后世DJ的极大尊敬。特别是「Loleatta Holloway - Love Sensation」充满灵魂乐气息的vocal在90年代以后的House和Garage等舞曲被无数次采样和Remix。
我认为「lucky train!」的弦乐和hi-hat的奏响方式是有意靠近Salsoul的。固然，如今这样的编曲作为Disco的核心是理所应当，但也无法忽视满溢着的Salsoul感。在Salsoul里选择和「lucky train!」最相近的曲子的话就是Loleatta Holloway的「Love Sensation」。以及，根据编曲的Integral Clover氏所说，「lucky train!」的贝斯也有参考曲，似乎是由slap bass之父Larry Graham所率领的Graham Central Station创作的「Pow」。所言不虚。
（9月18日17:40追记）
【ブラックビスケッツ - Timing（1998年）】
通过别人提供的情报才知道的，这首超有名的J-Pop副歌之外的verse也是和「lucky train!」相似的Salsoul sound。在「lucky train!」的制作阶段里提出这首曲子也不意外呢。
8. フレンド 〜 似曾相识的Acid Jazz氛围
80年代，英国的夜店兴起了新的运动。当时的DJ们发掘出已经几乎无人问津、逐渐被忘却的60到70年代的唱片中带有律动感的爵士和经典的灵魂乐，并在俱乐部和电台里播出。这就是所谓的Rare Groove运动。跟随爵士、Funk和灵魂乐节拍舞动的俱乐部文化诞生，之后人们厌烦了一味播放唱片，就推动乐队演奏这类音乐成为流行。如此到90年代，被称为Acid Jazz的音乐形成了（原注： Acid Jazz据说是为了与Acid House对标而发明的称呼）。
所以，要问Acid Jazz到底是怎样的音乐的话，和70年代的Jazz、Funk、Soul的编曲并没有什么区别，说明起来很困难。大多数情况下与Acid Jazz代表性的艺术家Jamiroquai、Incognito、The Brand New Heavies的乐曲带有相似氛围的曲子就可称为Acid Jazz。
所以我想说的是《フレンド》因为听感上很像Acid Jazz所以就能被称为是Acid Jazz。【倒也没多像
】
【わか・ふうり from STAR☆ANIS - フレンド（2014年）】
综上所述，我从数量众多的Acid Jazz中选择「Incognito – Positivity」和「The Brand New Heavies - You Are The Universe」来介绍。
【Incognito - Positivity（1993年）】
Incognito的成立于意外久远的1979年，在1981年就发售了1st album，这之后近10年没有公布任何作品，直到前述的Rare Groove运动时才作为Acid Jazz的先驱冒头， 90年代与身为DJ的Gilles Peterson一同建立了厂牌Talkin’ Loud。
Positivity是1993年的4th album的表题曲，至少在日本，人们把这张专辑当做Acid Jazz的代表作。
乍听虽然和《フレンド》的氛围不同，但其实一部分和弦进行很相近。
・Positivity（B调）intro的和弦进行
【G#m7/D#aug7#9th/F#onG#/G#】（VIm7/IIIaug7#9th/VonVI/VI）
・フレンド（C调）的intro和副歌键盘的弹奏的和弦进行
【Am7/Em7/G/Am】（VIm7/IIIm7/V/VIm）（※8/3 23:16订正，原以为「フレンド」是G调，确认以后改为C调，音级和Positivity也是一样的）
将Positivity的进行上升半音后就会变成【Am7/Eaug7#9th/GonA/A】，和「フレンド」的和弦进行非常相似。与フレンド全部使用自然大调和弦不同，Positivity使用了增三和弦和六和弦，更多了一份哀愁的感觉。
顺便一提，以Positivity为原型的anisong，并且还是在偶像动画的曲子之前也有，那就是在2001年的深夜档放映的偶像动画《CHANCE TRIANGLE SESSION》的插曲《Objection》。听了intro后立刻反应过来“这不就是Positivity嘛”。
《CHANCE TRIANGLE SESSION》的vocal album收录了众多以黑人音乐为基础的插入歌，所以有和偶像活动乐曲异曲同工的感觉。既有和开头讲述的《サマー☆マジック》干了同样事的曲子，也有类似Aaliyah、Timbaland式的R&B，还有跟Janet Jackson的Rhythm Nation一样的曲子，就连以Al Kooper的Jolie为原型的曲子都有。对这篇专栏内容感兴趣的人绝对是推荐的。这个专辑的话题还有别的机会的话再说吧。
中场休息
【The Brand New Heavies - You Are The Universe（1997年）】
The Brand New Heavies是受到Rare Groove运动的影响在1985年结成的乐队。「You Are the Universe」从1997年的专辑《Shelter》选出的单独发行的single【原文シングルカット】。
与其说跟「フレンド」有直接关系，更多的是选择了相似曲调的乐曲。话说回来真是很好的曲子啊。Intro的伴奏是被称为Sway-Beat的在Disco里常用的模式，恐怕是听了「Emotions - Best Of My Love」（1977）有意识做出来的。
9. カレンダーガール 〜 跨越00年代的地平线
其实作为《カレンダーガール》举例的关联曲在spotify和youtube都没有所以写在这里。
《カレンダーガール》与其说是直接以70年代的Funk为原点，更像是00年代的新涩谷系及其周边的艺术家们以Funk和Acid Jazz为基础做出的曲子进一步发展的样子。正因如此也可以说和Round Table featuring Nino的「Groovin' Magic」（2006）相似，和弦进行上也能看出同专辑的「Message」的影响。一十三十一的「Mangosteeeen! 」（2007）也是轻快的Funk tune，从intro到Aメロ的流动也能对应到「カレンダーガール」。
虽然这些曲子现在没法在youtube和spotify上听到，但让“俺已经听カレンダーガール听了两兆遍了！！”的人听一遍的话就能理解我在说什么，所以请务必听一遍。
10. セカイは廻る 〜 Jam&Lewis的bassline
最后想要介绍在Spotify还没配信的偶像活动Friends的乐曲《セカイは廻る》。
【セカイは廻る - みお from BEST FRIENDS!（2019年）】
《セカイは廻る》类似《MY SHOW TIME!》，属于80s Synth Funk，更具体地说，能让人想起Jam&Lewis制作的一系列乐曲。
Jam&Lewis是由Jimmy Jam和Terry Lewis组成的二人制作团队，活跃于80年代到90年代初期。他们都是出生于明尼苏达州的明尼阿波利斯，被先前于同乡出道的Prince勾搭上，在Prince制作的乐队The Time活动过一段时间后，因为种种原因离开了乐队。这之后，以1982年的S.O.S. Band的制作为开端，接连产出热门曲目，86年又靠Janet Jackson的专辑《Control》取得巨大成功。
80年代的Jam&Lewis通过全面推出华丽的合成器音色，最早在音乐里使用TR-808和Linn Drum等著名鼓机而获得人气。持有个性音色的鼓机的打击乐为了突出旋律清脆地响着，与令人印象深刻的synth bass和slap bass交织，成就了80年代Jam&Lewis的音乐。虽然《セカイは廻る》没有使用TR-808之类的鼓机，也能在synth bass的phrase中强烈感受到Jam&Lewis的影响。
如果要推荐一首bassline很亮眼的Jam&Lewis的乐曲话，我会选择Alexander O’Neal的「What’s missing」。
【Alexander O’Neal - What’s missing】
Alexander O’Neal是一位Urban Contemporary的代表歌手，和Jam&Lewis是在明尼阿波利斯高中时组过乐队的好友。他的曲子几乎都是由Jam&Lewis经手的。
举出其他可能影响了《セカイは廻る》的乐曲的话，大概有「Change - You Are My Melody」。
【Change - You Are My Melody】
Change是在意大利结成的组合，1980年在美国出道。意大利的一些Disco采用了略显独特的synth sound，被称为Italo Disco且蓬勃发展。Jam&Lewis在1984年操刀了收录《You Are My Melody》的专辑《Change of Heart》，使得专辑大卖。
然后再举例一曲的话就是「Loose Ends - Hangin' On A String 」。
【Loose Ends - Hangin' On A String(Contemplating)】
Loose Ends被称作英国的Jam&Lewis。初次听到《セカイは廻る》的时候，我就惊讶于其贝斯的音色恰与这首曲子非常相似。
趁着余兴写下了这些，毕竟《セカイは廻る》是久违的以往年的黑人音乐为基础的偶活歌，实在是激动得坐立难安就写下了这些。
总结
真是写了老长啊，写到这里有种可以用偶活曲来讲述黑人音乐史的感觉了。还有很多可以掰扯的曲子呢，比如「Message of a Rainbow」姑且可以算Gospel、「Du-Du-Wa DO IT!! 」是Doo-Wop、「Happy☆Punch」是Bubblegum Soul、「ミツバチのキス」有点「Epo - う、ふ、ふ、ふ、」的味道所以可以称作City Pop吧？
最后我得说，我之所以喜欢偶活的歌曲，不仅是因为喜欢寻找其中各种流派乐曲的原型，还有他们认真地为孩子们呈现了情境如此丰富的歌曲，实在让我感动。
相信偶活今后也会创作出有内涵的好歌曲，让我们感受音乐的历史。
【わか・ふうり・すなお・れみ・もえ・えり・ゆな・りすこ from STAR☆ANIS - オリジナルスター☆彡（2013年）】
「オリジナルスター☆彡」在偶活乐曲中最接近70年代的Funk。Funk就是在1960年代末到70年代由James Brown定型的音乐样式。James Brown的Funk以four-on-the-floor【原文为16ビート，还有个类似的说法叫“四つ打ち”，此处采用了中/英文互联网上常用的这个词作为译名，简单理解为“稳定的4小节乘以4/4拍”就好，换言之就是碎拍的反义词，从Disco往后的House、Techno舞曲等都属于此类型】节奏型为框架，重复演奏短小乐句的吉他cutting，到关键的地方铜管组就像架子鼓过门一样合奏乐句，在James Brown切分丰富且充满张力的vocal引导下定型。Funk影响了同时代和后世的艺术家们，是一种被给予多重诠释的音乐。
70年代存在着无数的Funk乐队，说道在音乐史上最成功的Funk乐队果然还是Earth, Wind & Fire。「オリジナルスター☆彡」也借用了被称为「パラリラ〜」的Earth, Wind & Fire令人印象深刻的拟声唱法（scat）。
【Earth, Wind & Fire - Getaway(1976年)】
【Earth, Wind & Fire - Brazilian Rhyme（1977）】
谈及Earth, Wind & Fire的scat，恐怕大多会联想到名曲「September」副歌后的scat。还有一首名叫Brazilian Rhyme的只使用scat的无比舒适的好曲子。
但是，「オリジナルスター☆彡」不止使用能联想到Earth, Wind & Fire的动机，还受到了早安少女组等众多经手了ダンス☆マン的早安家族的歌曲的影响。ダンス☆マン也自唱发表过「接吻のテーマ」的替え歌集，类似的点子也存在于「オリジナルスター☆彡」，这种狂乱的Funk和眼花缭乱的复杂成分让人想起早安少女组的「そうだ！We're ALIVE」。更进一步说，在日本偶像界，提及Funk tune就得是早安少女组呢。这些关系我简单明了地用图解释了。（为啥）
7. lucky train! 〜 Salsoul的Disco Queen
谈及Disco是怎样的音乐类型，简单说就是以跳舞为目的的R&B。为了迎合想要更多舞动感的听众们，在抓耳的up-tempo里配上跟摇动身体的kick和snare，富有节奏感地动次打次敲打着，hi-hat和shaker也沙沙响起炒热氛围。这样的声音以费城的Philly Soul为中心受到青睐，到70年左右衍生出Disco的定式。
【Loleatta Holloway - Love Sensation（1980年）】
Loleatta Holloway是代表Disco发源地费城的女歌手。更进一步地说，也是代表70年代Disco的歌姬、被称为Disco Queen的其中一人。这首「Love Sensation」是她最后的专辑的表题曲，虽然是80年代的曲子但仍残留浓烈70年代色彩。
Loleatta Holloway隶属于厂牌Salsoul Records。Salsoul旗下音乐的特征是配有气势雄大的的弦乐、来源于salsa的打击乐、对之后的House产生巨大影响的反拍开镲（Hi-hat）、以及高亢的vocal。
Salsoul的音源受到了后世DJ的极大尊敬。特别是「Loleatta Holloway - Love Sensation」充满灵魂乐气息的vocal在90年代以后的House和Garage等舞曲被无数次采样和Remix。
我认为「lucky train!」的弦乐和hi-hat的奏响方式是有意靠近Salsoul的。固然，如今这样的编曲作为Disco的核心是理所应当，但也无法忽视满溢着的Salsoul感。在Salsoul里选择和「lucky train!」最相近的曲子的话就是Loleatta Holloway的「Love Sensation」。以及，根据编曲的Integral Clover氏所说，「lucky train!」的贝斯也有参考曲，似乎是由slap bass之父Larry Graham所率领的Graham Central Station创作的「Pow」。
偶活编曲回忆之「lucky train!」
在本来已有的参考曲追加Graham Central Station 的「Pow」而做出来的【什么音乐裁缝】。以及，能看出曲名的由来是美国的电视节目《Soul Train》吗？能的话就太好了！！
— Integral Clover (@Integral_Clover) February 28, 2018
（9月18日17:40追记）
【ブラックビスケッツ - Timing（1998年）】
通过别人提供的情报才知道的，这首超有名的J-Pop副歌之外的verse也是和「lucky train!」相似的Salsoul sound。在「lucky train!」的制作阶段里提出这首曲子也不意外呢。
8. フレンド 〜 似曾相识的Acid Jazz氛围
80年代，英国的夜店兴起了新的运动。当时的DJ们发掘出已经几乎无人问津、逐渐被忘却的60到70年代的唱片中带有律动感的爵士和经典的灵魂乐，并在俱乐部和电台里播出。这就是所谓的Rare Groove运动。跟随爵士、Funk和灵魂乐节拍舞动的俱乐部文化诞生，之后人们厌烦了一味播放唱片，就推动乐队演奏这类音乐成为流行。如此到90年代，被称为Acid Jazz的音乐形成了（原注： Acid Jazz据说是为了与Acid House对标而发明的称呼）。
所以，要问Acid Jazz到底是怎样的音乐的话，和70年代的Jazz、Funk、Soul的编曲并没有什么区别，说明起来很困难。大多数情况下与Acid Jazz代表性的艺术家Jamiroquai、Incognito、The Brand New Heavies的乐曲带有相似氛围的曲子就可称为Acid Jazz。
所以我想说的是《フレンド》因为听感上很像Acid Jazz所以就能被称为是Acid Jazz。【倒也没多像
】【わか・ふうり from STAR☆ANIS - フレンド（2014年）】
综上所述，我从数量众多的Acid Jazz中选择「Incognito – Positivity」和「The Brand New Heavies - You Are The Universe」来介绍。
【Incognito - Positivity（1993年）】
Incognito的成立于意外久远的1979年，在1981年就发售了1st album，这之后近10年没有公布任何作品，直到前述的Rare Groove运动时才作为Acid Jazz的先驱冒头， 90年代与身为DJ的Gilles Peterson一同建立了厂牌Talkin’ Loud。
Positivity是1993年的4th album的表题曲，至少在日本，人们把这张专辑当做Acid Jazz的代表作。
乍听虽然和《フレンド》的氛围不同，但其实一部分和弦进行很相近。
・Positivity（B调）intro的和弦进行
【G#m7/D#aug7#9th/F#onG#/G#】（VIm7/IIIaug7#9th/VonVI/VI）
・フレンド（C调）的intro和副歌键盘的弹奏的和弦进行
【Am7/Em7/G/Am】（VIm7/IIIm7/V/VIm）（※8/3 23:16订正，原以为「フレンド」是G调，确认以后改为C调，音级和Positivity也是一样的）
将Positivity的进行上升半音后就会变成【Am7/Eaug7#9th/GonA/A】，和「フレンド」的和弦进行非常相似。与フレンド全部使用自然大调和弦不同，Positivity使用了增三和弦和六和弦，更多了一份哀愁的感觉。
顺便一提，以Positivity为原型的anisong，并且还是在偶像动画的曲子之前也有，那就是在2001年的深夜档放映的偶像动画《CHANCE TRIANGLE SESSION》的插曲《Objection》。听了intro后立刻反应过来“这不就是Positivity嘛”。
《CHANCE TRIANGLE SESSION》的vocal album收录了众多以黑人音乐为基础的插入歌，所以有和偶像活动乐曲异曲同工的感觉。既有和开头讲述的《サマー☆マジック》干了同样事的曲子，也有类似Aaliyah、Timbaland式的R&B，还有跟Janet Jackson的Rhythm Nation一样的曲子，就连以Al Kooper的Jolie为原型的曲子都有。对这篇专栏内容感兴趣的人绝对是推荐的。这个专辑的话题还有别的机会的话再说吧。
中场休息
【The Brand New Heavies - You Are The Universe（1997年）】
The Brand New Heavies是受到Rare Groove运动的影响在1985年结成的乐队。「You Are the Universe」从1997年的专辑《Shelter》选出的单独发行的single【原文シングルカット】。
与其说跟「フレンド」有直接关系，更多的是选择了相似曲调的乐曲。话说回来真是很好的曲子啊。Intro的伴奏是被称为Sway-Beat的在Disco里常用的模式，恐怕是听了「Emotions - Best Of My Love」（1977）有意识做出来的。
9. カレンダーガール 〜 跨越00年代的地平线
其实作为《カレンダーガール》举例的关联曲在spotify和youtube都没有所以写在这里。
《カレンダーガール》与其说是直接以70年代的Funk为原点，更像是00年代的新涩谷系及其周边的艺术家们以Funk和Acid Jazz为基础做出的曲子进一步发展的样子。正因如此也可以说和Round Table featuring Nino的「Groovin' Magic」（2006）相似，和弦进行上也能看出同专辑的「Message」的影响。一十三十一的「Mangosteeeen! 」（2007）也是轻快的Funk tune，从intro到Aメロ的流动也能对应到「カレンダーガール」。
虽然这些曲子现在没法在youtube和spotify上听到，但让“俺已经听カレンダーガール听了两兆遍了！！”的人听一遍的话就能理解我在说什么，所以请务必听一遍。
10. セカイは廻る 〜 Jam&Lewis的bassline
最后想要介绍在Spotify还没配信的偶像活动Friends的乐曲《セカイは廻る》。
【セカイは廻る - みお from BEST FRIENDS!（2019年）】
《セカイは廻る》类似《MY SHOW TIME!》，属于80s Synth Funk，更具体地说，能让人想起Jam&Lewis制作的一系列乐曲。
Jam&Lewis是由Jimmy Jam和Terry Lewis组成的二人制作团队，活跃于80年代到90年代初期。他们都是出生于明尼苏达州的明尼阿波利斯，被先前于同乡出道的Prince勾搭上，在Prince制作的乐队The Time活动过一段时间后，因为种种原因离开了乐队。这之后，以1982年的S.O.S. Band的制作为开端，接连产出热门曲目，86年又靠Janet Jackson的专辑《Control》取得巨大成功。
80年代的Jam&Lewis通过全面推出华丽的合成器音色，最早在音乐里使用TR-808和Linn Drum等著名鼓机而获得人气。持有个性音色的鼓机的打击乐为了突出旋律清脆地响着，与令人印象深刻的synth bass和slap bass交织，成就了80年代Jam&Lewis的音乐。虽然《セカイは廻る》没有使用TR-808之类的鼓机，也能在synth bass的phrase中强烈感受到Jam&Lewis的影响。
如果要推荐一首bassline很亮眼的Jam&Lewis的乐曲话，我会选择Alexander O’Neal的「What’s missing」。
【Alexander O’Neal - What’s missing】
Alexander O’Neal是一位Urban Contemporary的代表歌手，和Jam&Lewis是在明尼阿波利斯高中时组过乐队的好友。他的曲子几乎都是由Jam&Lewis经手的。
举出其他可能影响了《セカイは廻る》的乐曲的话，大概有「Change - You Are My Melody」。
【Change - You Are My Melody】
Change是在意大利结成的组合，1980年在美国出道。意大利的一些Disco采用了略显独特的synth sound，被称为Italo Disco且蓬勃发展。Jam&Lewis在1984年操刀了收录《You Are My Melody》的专辑《Change of Heart》，使得专辑大卖。
然后再举例一曲的话就是「Loose Ends - Hangin' On A String 」。
【Loose Ends - Hangin' On A String(Contemplating)】
Loose Ends被称作英国的Jam&Lewis。初次听到《セカイは廻る》的时候，我就惊讶于其贝斯的音色恰与这首曲子非常相似。
趁着余兴写下了这些，毕竟《セカイは廻る》是久违的以往年的黑人音乐为基础的偶活歌，实在是激动得坐立难安就写下了这些。
总结
真是写了老长啊，写到这里有种可以用偶活曲来讲述黑人音乐史的感觉了。还有很多可以掰扯的曲子呢，比如「Message of a Rainbow」姑且可以算Gospel、「Du-Du-Wa DO IT!! 」是Doo-Wop、「Happy☆Punch」是Bubblegum Soul、「ミツバチのキス」有点「Epo - う、ふ、ふ、ふ、」的味道所以可以称作City Pop吧？
最后我得说，我之所以喜欢偶活的歌曲，不仅是因为喜欢寻找其中各种流派乐曲的原型，还有他们认真地为孩子们呈现了情境如此丰富的歌曲，实在让我感动。
相信偶活今后也会创作出有内涵的好歌曲，让我们感受音乐的历史。
